120帧《双子杀手》:被螃蟹卡住的李安《双子杀手》今日的票房和口碑局面,最不安的应该是李安,也许在拿到剧本的那一刻他已经觉察到这是一次极大的冒险,尤其这个冒险是在《比利.林恩的中场战事》票房失利之后,但令李安的不安绝不仅仅是票房,更是这次电影技术革新不被大众认同的失落。
从《比利.林恩的中场战事》开始,李安已然决定了要吃这个螃蟹,他想把影像技术做到极致。
而对于螃蟹的味道却众口不一,加上剧作上的漏洞和视听语言的老化,李安这个第一个吃螃蟹的人,已经被卡住进退两难。
120帧是一项电影技术的革新,它让我们看到了更加精细的毛发和高透明度的画质,看到了在时速330高铁上依然可以抓拍到的人脸,看到了激战时从未见过的子弹发射时的导弹轨道线,当然专业技术层面的分析认为这些都是依靠后期特效制作达成,但是在传统的24帧画面中,这样的特效会让我们感觉突兀,而在全程120帧的视觉效果下,一切都显得那么顺畅。
但是我觉得它只是一个技术的革新,而非革命,何为革命?
2D到3D是革命,就像《阿凡达》之于3DIMAX,它让大家从平面看到了立体,是革命。
而高品质的视觉细节和高透明度的画质,只是相对奢侈的高端消费,观众并不会因此获得高出很多的精神愉悦。
但是大师还在神坛,大师的商业片中依然有一个叫艺术的住客。
第一在人物关系上,无时不印记着李安对于人性的探索。
他让克隆的小克和亨利的关系变成了朦胧的父子关系,让最终的谁杀Boss,也成了一场父亲对儿子的溺爱表白,这是影片的核心基调。
传统的克隆人剧情都是原版必须干掉克隆人,李安反向把他们设置成亲人也是一大创新。
而从未出现一直活在亨利嘴中“母亲”,却成了撬开两人情感共鸣的利器。
第二是高级的视听语言,揭秘者杰克被杀扔入海中,从海里直接转场为亨利童年时的溺水场景,颇有苏联早期电影《伊凡的童年》中对于伊凡梦境渲染的味道。
即是双重叙事,又衔接了CIA杀手的潜入,水对于梦境的渲染在很多经典电影中都有呈现。
但是第二段对于水的描写略显无趣,亨利不断强调自己作为男人,最重要的财富是经验,而他也做过很多溺水的训练,但是在和克隆人小克水里肉搏时没有任何优势,把之前有关经验的铺垫变得没有意义。
第三,镜子作为外部动作和心理动作的双重道具,贯穿始终的高级运用。
第一次和小克激战时两人的对峙更是用了一面镜子作为两人互视的道具,最后的第三面更小的镜子出现时,整个戏剧达到高潮。
镜子理论更是从纠葛的搭建到最终的结局从一而终,完美呼应。
值得一提的是,亨利和克隆人小克第一场的巷战中,亨利被蜜蜂叮咬了一下,这一嘴不管是对剧情推进还是对于120帧技术的意义都是划时代的,传统拍摄这场戏基本都是三个镜头:全景蜜蜂和人、蜜蜂特写、蜜蜂蜇人。
蜜蜂虽然是特效所作,但是在传统的25帧画面中,这样做就会显得蜜蜂非常突兀,而在120帧中就会显得浑然天成。
故事开始,一个工作场景交代亨利的职业和性格。
一个伏笔:用嘴唇舔了一下手指,略显紧张与不适。
对于一个老道的杀手而言,这反常规,观众也会由此有一点狐疑。
这个点埋的不露痕迹,却又呼应很多后来的细节。
故事的纠葛搭建,剧作有些繁杂。
揭秘者杰克登场开始搭建,杰克告诉了亨利一个完全颠覆认知的内幕:他杀的不是恐怖分子而是XX科学家。
而此时监控亨利的CIA随即立刻开始对亨利打击。
这个纠葛搭建的过于草率,缺乏常规逻辑,CIA有一万种办法可以让亨利认为CIA才是正义的,干嘛突然就派8名特战队员来突突他,而且肯定知道8个人突突不了他。
故事发展三大情节点:一是巷战,在瞄准镜中亨利发现了和自己很像的小克,吃了第一惊,导演为了让他吃更大的惊,看清小克比他的优势,开始了第一视角的追车,但是相比《碟中谍6》汤姆克鲁斯骑着摩托驰骋在香榭丽舍大街上还有些差距。
第二个情节点是,小克对于自己的身世有了一些质疑,被BOSS说服后赶往布达佩斯劫持女主,并与很亨利在地下骷髅厅肉搏,个人觉得《速度与激情》地下的那段有着光影和无数反光玻璃效果的打斗能够带来更多的兴奋感。
第三个情节点是小克又质疑,又被说,但是好像没有服,于是在牛棚和亨利一行合兵一处,赶往杀了BOSS的现场。
这个发展段落的处理略显草率,尤其是安慰小克的套路太没新意,说服一个如此高级的weapon,BOOS怎么能不多用一些手段,纯打嘴炮呢。
高潮的惊喜是第三个克隆人还是亨利,而结局一家三口的亲昵,也是happyending。
综上,我觉得每一个神级的大师导演,都应该肩负一种推进电影艺术革新的历史责任,不论是技术层面还是叙事方式,因为他们才是投资方最为信赖的主体。
对于李安的失利,我最多的变化也就是从敬仰变为敬佩,但如果是一个新锐导演遭遇如此,可能这辈子大概率要离开电影了。
李安是一个勇敢的冒险者,在未来的某一天,当大家都在享受着120帧+3D+4K甚至8K时,都应该记得曾经有一个在来路时因此受伤的老人,我们应该谢谢他。
这是我的朋友姜磊先生写的,我自己忙得还没去看,但是我先发出来,供大家参考
关于李安新作《双子杀手》,所有评价和讨论几乎都围绕着“120帧+4K+3D”的巨大技术革新,而电影本体的关注;文本主题的分析,却少之又少。
这里我希望能够尽量避开对技术近乎狂热的过渡吹捧,回归到电影维度;回归到李安的作者维度,试图去提炼出《双子杀手》沿袭了哪些李安电影的母题共性,李安作为导演究竟有没有真正的内在蜕变和创新。
自九十年代的“父亲三部曲”(《推手》、《喜宴》、《饮食男女》)开始,家庭关系和伦理困境就成为了贯穿李安电影不变的主题,而父亲形象又是李安电影里至关重要的矛盾核心。
这种俄狄浦斯情结的讨论在《双子杀手》里再一次老调重弹。
如果深究本质,任何电影的主题都关乎于“身份”,而俄狄浦斯结构则由“寻找(杀死)父亲”和“形成自我”构成。
《双子杀手》确立了一对镜像关系,这种互为镜像促成了两个角色的成长和重生。
亨利在和小克对立消除之后车里的对白显示出,父亲的角色在前者的童年过程中处于缺失状态,母亲伴随着他的成长,之后亨利和母亲分离进入国家情报局被训练成为杀手,完成了从镜像阶段到俄狄浦斯阶段的过渡,进入“象征的秩序”,体制(魏瑞思)则作为一种抽象的父权力量统摄压抑着亨利,即使他意识到并且想要挣脱权力的控制,在一系列的追杀中也仍处于被动。
丹妮的出现就是亨利重新塑造自我的开始,这个角色没有像普通好莱坞动作片一样,被设置进一条爱情支线,她的形象是暧昧不明的,可以是母亲,也可以是情人,但终究是作为原初欲望的象征而存在,这也高度契合着俄狄浦斯叙事的内涵逻辑。
在和小克的交锋中,影片多次强调二者的一致性和共同宿命(镜面/水面在画面中多次作为暗示),随着这种镜像关系的不断加强,亨利再一次达到初级认同,直到结尾他杀死魏瑞思,摆脱了对于双亲的投注,完成了次级认同,进化成为主体、一个父亲,得以融入更为广阔的社会文化空间。
处于镜像另一端的小克实际是一个克隆人,他的身份更加物质化和工具化,处于一种更加原始的未分化阶段,对自我的意识完全真空。
丹妮对于他同样成为母亲角色(通过直接的语言叙述)帮助他找到了真正的父亲,从混沌的身份认知进入到了次级认同的明晰的三元关系。
这两条人物脉络共同构建起了一个完整的家庭系统,李安也完成了一整套俄狄浦斯叙事的展现。
李安这种主题上的执着,来源于他的自身经历,因其父亲早期在他生涯规划上施加过非常强力的干涉,父亲的威严对青年时期的李安也造成了巨大的压迫,李安后来的人生经历又让他接触到了诸多西方更加开放的思想。
所以我们可以很轻易地在李安早期的作品中发现对父权的抵抗、对父亲的重新塑造以及欲说还休的弑父情结,无论是《喜宴》结尾安检时举起了双手的父亲,还是《饮食男女》里传统家庭的消解分化。
直到李安父亲去世,这种强烈的父子对抗在李安电影里才有所弱化,而更趋向于跟父亲进行和解,在《制造伍德斯托克音乐节》中,母亲反倒成为了强势、主导的一方,父亲在开始是没有话语权的,但结尾儿子和父亲一场深情而又温馨的对谈实际上仍然强调了父亲的在场,以及那种深沉隐忍的父权力量在家庭关系的平衡中始终发挥着强有力的作用。
但在情绪上确实又不如早期作品那么锋利剧烈。
之所以说《双子杀手》大体上是令人失望的,除了母题上的自我重复,更关键的是它的文本深度远远不及李安前作,《喜宴》也好,《饮食男女》也好,《冰风暴》也好,都基于特定的地域文化,包含有对东西方的或者代际之间讨论,那些作品,我们也许会利用一些精神分析常识去帮助我们进行更为全面的读解,但真正触动到我们的,依旧来源于文化语境给人带来的共鸣或者故事本身所带有的人情味儿,而《双子杀手》只能说是一个简单初级并且架空的精神分析模板,给人的感觉变成了创作者在创作阶段是为了套一个模型而编一个故事,况且早在七八十年代这种(甚至更成熟的)神话隐喻在西方电影里就屡见不鲜了。
不仅文本缺乏广度、现实性和当下性,而且串连的多个主题又都浅尝辄止,开篇的政治阴谋(《碟中谍》);中段的双雄对立(《喋血双雄》)和俄狄浦斯情结(《星球大战》);结尾的克隆人话题(《银翼杀手》),这些主题的堆叠相对于那些有针对性讨论的影片无一不显得在隔靴搔痒,如此看来,《双子杀手》实际上一点也不李安。
至于李安的作品,他的价值取向如何能有效地站稳脚,《冰风暴》是一个很好的例子,即使处在美国的文化土壤,他固有的情感表达却没有水土不服;除了家庭伦理、父(女)子关系,李安能不能有其它更多元的发挥?
《色.戒》又是一个很好的例子,所以我们对李安的期待当然不应该仅仅局限在技术层面。
虽然没有看120帧,最后还是想说两句关于此的想法,我并不反对技术上的探索和进步,但技术应该起到的作用是锦上添花,而非文本和影像创作力枯竭的遮羞布,当所有讨论的焦点都集中在技术层面时,那么就足以印证了它作为电影、作为艺术的失败。
《双子杀手》没有逾越动作影片的惯例,它开场于一个行动之中:威尔·史密斯饰演的职业杀手Henry Brogan架好狙击枪,从瞄准镜中观看目标——某位“生化恐怖分子”(随后,我们得知他的真实身份并非如此)乘坐的列车,在这一连串镜头中,正如我们在预告片中所看到的那样,一个极端的鱼眼镜头将呼啸而来的列车扭曲,变形化,它似乎以某种方式“转向”,从文本上来讲,列车中的“猎物”的确改变了状态——从生命走向死亡,而转向同样发生在Henry上,但并非是由于失误,而是因为他完美地完成了自己的任务,并且“知道得过多”,当一个机器开始反思之时,便是它成为去机器化的过程,Henry成为了一个人。
摄影机先于那发子弹“击中”了一个诡异的形态回到开场这一幕,除却“转向”以外,另外一个重要的符号来源于“击中”这个目标行为本身,列车被“击中”了两次,在前面所说的那个鱼眼镜头之中,摄影机先于那发子弹“击中”了一个诡异的形态,世界的诡异一面向我们露出微笑,以彰显自己的存在。
以上是对影片第一个组合段的分析,围绕着“转向”与“击中”,而如果我们将这个主题带入全片,并与李安的创作历程产生新的连接,那么我们将发现《双子杀手》也暗示着李安本身的某种转向,这种转向是忧伤的,但也可以是迷恋性的,也许不久之后,他将彻底在我们不知不觉之间告别创作生涯的早年时期。
一:回撤,游戏还是室内剧?
表面上看来,《双子杀手》是一部电玩风格的公路影片,首先,他采取了一种“关卡”的隐喻,影片的展开围绕Henry辗转于哥伦比亚,匈牙利,再回到美国的逃亡路程以及关卡式的事件安排,最终回到原点,除掉Boss,然后是所谓的“通关录像”交代之后结局,其次,美国,哥伦比亚,匈牙利这些分别位于三个大洲的空间并非以地理性的逻辑连接起来,而是随机的三者相连,在网络空间中,我们通常可以看到这样的超链接,它打破了文本与文本之间的空间感,又重塑为一种新的空间秩序。
但《双子杀手》的深层结构却与这种自由相反,Henry哪里都没有去,“双子”的威胁迫使他撤回到原初的状态,退到一种独幕的室内剧之中,他到达的一切地方,都是室内空间的延续。
“双子”的出现令Henry不得不转入内在这就是为什么只有“双子”才能真正与Henry匹敌的第一个原因,当我们忘记类型化的表面动作以及其停留在80年代程式化的科幻世界观,便可以发现另外一个故事:一个热衷于“支配”的男子在中年时期与某种诡异的镜像(或者,我们可以理解为从他内部发出的,“不是他的”声音)偶遇,其背后的力量是威胁性的,支配性的,他被这种力量惊呆了,随后,他认出这就是自己,出自他的内部......以上一系列故事与Henry不断重申自己的“退休”意愿密不可分,“双子”终究会在他打算隐居的时候连夜出现。
“退休”意味着将注意力转向内在,转入内在则将不得不面对自身的不完整,瞥见更为创伤性的实在界之镜像,而“镜像”并不是外部世界的反映,而是自我的另外一个模样,正因为它是内在的,所以无法被击败;Henry不敢照镜子,但镜像总会找上他,在这一刻起,他真正的“退休”了。
二:被询唤的父亲
Henry必须去“爱”这个儿子而当Zakarweski告诉他“双子”的DNA和Henry一模一样之时,这无异于她在说“我怀孕了”,一个父亲之名的幽灵将他击中,换句话说,Henry这个独身主义者被“询唤”为父亲,这意味着在认同“镜像是我自己”之后,他必须去爱他,认同对他的绝对责任。
《绿巨人》父亲之名及其变体在李安的创作历程中常常以一种威胁性的大他者存在,当强大的父亲之名显现之时,主体要么顺从,要么如同《绿巨人》,以弗兰肯斯坦的方式与这个父亲同归于尽。
在这些影片之中,询唤常常是命令性的:“我是你的父亲”,从而将主体表述为一个从属,服从地位的孩童,而主体不会真正成为父亲,即使在《喜宴》中,影片在伟同的性取向被父亲得知以及父亲的“投降”中走向尾声,影片没有真正展现伟同面对孩子,接受父亲之名的那一刻,而是将其设置为父亲阴影下的一个附属品,除此之外,这个父亲也并没有真的投降,而是以“共同胜利者”身份退隐(我们可以发现,自始至终,他没有呈现为一个恐同者,而是始终停留在“传宗接代”这个传统的动机之上),并由此不断回归,伟同则以一个懦弱,“孝顺”的孩子终结叙事,而在《双子杀手》之中,父亲之名的询唤使得Henry既是父亲,也是孩子,这是一种复杂的状态,也是真正意义上的“中年状态”。
如果《喜宴》中的威威“没有乱来”,就可以逃避这种父亲之名Moreover,《喜宴》的叙事架构依靠一种典型的,古典好莱坞式的巧合,这种巧合意味着极少数,也意味着我们的不在场,对于无法承受这种沉重的观众而言,整个故事的悲剧性可以被一种逃避性质的平行文本之可能性消解,(在李安的创作之中,“逃逸”永远是一个人道主义的潜在主题,例如《少年派》中,同一个故事的两个文本,以及《断背山》的结尾,已经成家的两个男主人公再一次相遇)在这个版本的故事之中,伟同和威威没有发生关系,或者威威没有怀孕,然后父亲离去,伟同和赛门继续保持同性恋关系。
但《双子杀手》却剥离了这种对自由意志的乐观确信,在影片中,Clay Verris通过Henry的DNA秘密制造出了“双子”,这个能够引起淫秽想象的文本彻底代表着父亲之名的荒诞降临,他自恋的独身主义神话被反讽,进而轰然崩塌,Henry成为了一个普通的,社群中的人,他是一个父亲,因为人们称之为父亲。
三:尾声,弑父与父亲的回归
《双子杀手》触及了长久以来潜藏在李安中国式平和之下的黑暗内核在《双子杀手》中,“父亲”被以一种残忍的方式弑杀,我们接近了长久以来潜藏在李安中国式平和风格之下的黑暗内核,借由B级情节剧的善—恶对立,李安终于可以将这个父亲表述为邪恶,并将那一枪作为“正义”的献祭。
但这种献祭并不意味着父亲之名的消失,相反,一个真正意义上的“父亲”只有在这个时刻才得以真正回归,当“双子”拿起枪,打算杀戮这个眼前的伪父亲之时,却被Henry夺去,我们期待Henry教导“儿子”反对以暴制暴,将Clay Verris绳之以法,或者, Henry饶恕了这个父亲,父子关系得以弥合,而事实上并没有,Henry用从“儿子”这里夺来的枪,消灭了这个同时对两个人都具有威胁性的父亲,这一刻,真正的父亲之名降落在他的身上,也就是对儿子的阉割,这是一种deja vu,只有借助父亲之名,才可以将面前的这个父亲指认伪“邪恶”,这时,影片的逻辑如同一部典型的《格林童话》,在这类民间童话之中,继父/继母通常是以邪恶的父亲之名的方式出现,而主人公的反抗被理解为一场对于真正的父亲之名的呼唤,一场寻父之旅,《双子杀手》也如是,它之所以仍然是一部“李安式”影片,是因为他没有让“双子”客体化,而是让他去责问父亲,但是责问的内容却在于“你是否真的是我的父亲?
”但它隐藏了一个真正逻辑:“眼前的这个父亲并不是你真实的父亲,而我是,因此我杀了他,并阉割掉你,这一切都是为了你好。
”
只有李安才会让“双子”直接质问这个伪父亲,但弑父之后却是真正的父亲之名《双子杀手》以一种看似日常化的“正常状态”结束,“双子”像普通学生一样在校园中学习,社交,并于“父亲”Henry和“母亲”Zakarweski打招呼,并产生了一个小小的冲突,“母亲”希望他在本科期间学习人文社科,但他坚持他更喜欢理工类,最终,“父母”决定尊重他自己的选择,在这里,李安似乎预演着一种理想化的家庭关系,或者说他试图重写自己的早年经历,但他并非完全想要自我疗愈,他一方面向父亲之名决斗,;另一方面也沉迷于某种父权游戏之中,尝试对他的父亲身份形成一种骄傲的认同,大团圆结局掩盖了《双子杀手》中潜藏着的巨大悖谬,“不去成为邪恶父亲”只不过是一个借口,并由此维持着一个巨大的俄狄浦斯循环的自足运行。
参考文献雅克·拉康:《父亲的姓名》,黄作译,商务印书馆,2018-4斯拉沃热·齐泽克:《斜目而视》,季广茂译,浙江大学出版社,2011-3斯拉沃热·齐泽克:《享受你的阴暗面》,尉光吉译,南京大学出版社,2014-11
十一档期过后,如果说还有期待的新片,必然是李安的《双子杀手》。
这位拿遍了奥斯卡、金熊、金狮的大导演李安,近些年仿佛变了一个人,开始痴迷于技术。
《少年派的奇幻漂流》尝试了3D,《比利·林恩的中场战事》体验了前所未有的120帧,而到了这部《双子杀手》,不仅继续带来120帧+4K HDR+3D的高规格,又用上了最先进的特效。
李安和维塔工作室合作用CG技术制作一个20多岁年轻版威尔·史密斯,这在电影史上是绝无仅有的。
120帧+4K HDR+3D,激活3D电影与数字电影潜力对电影制作稍微有一些了解的人都应该知道,电影世界统一的规格是 24帧/秒,也就是一秒钟有 24 个画面。
其实这并不是从电影诞生就定好的,早期各个电影人拍摄的帧率也各有不同,例如早期卢米埃尔兄弟拍摄的是 16帧/秒,而爱迪生则推荐采用 46帧/秒进行拍摄。
最终是在 1929年的国际会议上,将电影的帧率定位 24帧/秒。
除了技术原因,采用24帧/秒更重要的是经济因素,尽量减少胶片的使用成本。
在胶片时代电影一直是一种昂贵的艺术,因为胶片实在是太烧钱了。
如果拍摄帧数越高,那么胶片消耗也就越大,自然也就越贵,24帧相对控制了胶片的成本。
随着科技的发展,对于现在数字时代的观众来说,24帧早已不能满足观影需求了。
首先,在 24帧情况下,快速运动镜头中出现运动模糊现象。
其实现在大家回头去看一些早期的动作片就会发现很多运动镜头看不清的。
但为什么一直以来大家都没有提出异议,这是因为长久以来都是 24帧/秒,大家对这样的电影视听已经养成了一定习惯。
但是到了3D 电影中,24 帧/秒的不足就已经开始无法隐藏。
3D电影最容易为人诟病的就是亮度不足。
因为 3D 电影的制作和播放原理中,要求两只眼睛所接收到的光线都减弱一半,光线一旦减弱,带给观众的第一个负面影响就是 Motion Blur,也就是运动模糊感会更加明显。
在传统的2D电影里,镜头一旦快速运动画面就会模糊,但这类模糊对人眼是勉强可接受的,甚至被很多人当作电影感的一部分。
然而一旦变成3D,任何模糊都非常扎眼。
当画面里物体快速移动时,就会出现模糊,这样从而损失3D的观感。
如果说4K是画面分辨率,那么帧率就是时间分辨率,只有空间和时间的分辨率都提升了,那带来的才是真正的清晰度,帮助观众沉浸于电影,而非单纯观看。
还有就是更大的一个作用,就是减少观看3D的眩晕感,喜欢玩游戏的观众对这个会有同感。
低、高帧率观影《双子杀手》示意图3D是让观众可以选择走到电影里面,有一种认同感、参与感。
可是暗一直是3D的克星,从北美的市场来讲,3D在走很明显的下坡路,因为拍摄媒介本身的过滤,成本在140万美元到4亿美元之间的电影陷入了瓶颈,不得不经由4:2:2(色位深度)格式转制而成,这种模式的亮度远远不够,而现在的好莱坞趋势是用影片来拯救公司存亡,在画面上一味追求大场面并没带来任何长进。
很多制作昂贵的电影,票房成绩都表现平平,因为媒介的限制,很多画面很难真正精彩的起来。
一般电影院影像亮度为2.5FL,在这个标准下眼睛对色彩并不敏感,所以观众对3D的反应不太理想。
“我们一直都在模仿胶片,但数码电影(Digital Cinema)和胶片电影(Film)是不同的。
我想发展新的美学、新的美感,这是属于3D、属于数码电影的艺术。
”李安说。
李安认为高帧率才是真正发挥3D电影与数字电影潜力的方式。
《双子杀手》除了120帧、4K HDR、3D,在放映亮度上也是提到了14FL(普通3D的是3.5—7fl)。
这样的技术规格捕捉的影像,开启的是一个对于创作者、对于观众都完全未知的领域,是一个与以往传统电影截然不同、更无法相比的新媒体。
不只是帧率的升级,工作方式和科技升级更重要除了观念上的创新,下一步就是具体操作问题了。
工具和工作方式的扎实、创新是实现李安导演高帧率梦想的基石。
拍一部高帧速电影可不是像用现在很多最新型号的单反相机那样,在“设置”里把帧速直接调高就行,而是意味着摄影、布光、化妆、表演、剪辑、放映等等所有环节的改变。
当然,这也意味着制作成本成倍增长。
为了拍摄《双子杀手》从演员的表演、拍摄现场的打光、后期制作的工作流程,李安导演及其团队都进行了长时间的摸索。
因为画面信息量几何倍数增加,观众对演员表演的判断也有了变化。
摄影机的曝光时间与拍摄帧速是成反比的,而光照条件又会影响景深的呈现,导演需要进行权衡和取舍;高帧速的素材也要求全新的剪辑软件、调光软件支持,素材量庞大,制作不同格式更是一项浩大的工程。
就像李安说的,清晰本身成了一种美感,能直接从人物的眼神中看到他的灵魂。
这也带来一系列相应的改变,比如对演员演技提出了前所未有的考验,将以往的影视剧化妆方法彻底废除,以及大量运用面部特写等等。
所以特别工具的帮助,就变地非常重要。
本片剪辑师是凭借《卧虎藏龙》、《少年派的奇幻漂流》两次提名奥斯卡的金牌剪辑师Tim Squyers,他使用Avid in 3D和RealD公司自主研发的True Motion技术相结合的方式,以60帧的速率进行剪辑,“我的工作习惯是直接去剪辑3D格式,因为剪辑3D电影和2D电影是全然不同的,无法通过2D思维去想象3D,我一开始就以3D格式剪辑,这次TrueMotion将帧变得如丝般平滑,并有效隐藏了从120 帧变为60 帧时的产生的影响,虽然帧率降低了,但转换后的60 帧电影画面效果,比实质上以60帧拍摄的电影看上去更好,更方便的是TrueMotion支持从120高帧率母版直接输不同帧的画面,尤其对于Cinity放映系统,画面的精致程度是震撼的。
”
其实,RealD公司的TrueMotion技术通常作为后期制作的一项流程,用于制作电影的60帧版本和24帧版本,它可以矫正动作捕捉时出现的不自然的细节。
比如,因摄影机快门速率引起的“抖动”现象会将现实中流畅的动作切割成一帧一帧的画面。
由于一开始拍摄只有高帧率的母版,而通过TrueMotion则能以较低的帧率看到全新的优质画面效果,这种优化效果也是低帧率拍摄不可能达到的RealD TrueMotion使得120帧版本电影的诸多优点还能够在60帧和24帧中得到充分体现。
在制作较低帧率的版本时,TrueMotion能让制作人与摄影师在众多的合成快门中为场景或镜头选择最优的渲染方案,每种快门设置都将呈现出其鲜明各异的独特画面。
北美媒体评论获赞,《双子杀手》值得期待此前,《双在子杀手》在北美率先试映,北美票务网站Fandango、ComingSoon、Syfywire、Engadget多家电影媒体及平台为《双子杀手》呈现的视觉效果点赞。
Fandango 说“一场相当惊人的视觉盛宴,一定要看3D。
”ComingSoon写道:“《双子杀手》是120帧观影体验的一大突破。
动作场面令人瞠目结舌,威尔史密斯呈现一场让人赞叹、高水准的演出。
如果不在电影院观赏的话,就无法获得真正的体验。
Syfywire 网站认为:“一部会让我觉得非3D 不可的电影。
从来没有看过这样的电影,让我有种身历其境的感受。
”Slashfilm网站评价:“《双子杀手》是技术上的奇迹。
本片采用的120帧 高帧数画面,动作场面简直令我快要窒息。
”所以如何观看足本的《双子杀手》?
《比利·林恩的中场战事》上映时,全球只有纽约、洛杉矶、北京、上海、台北各一家影院能放映3D、4K、120帧/秒的版本。
而票价也是根据不同时段、会员非会员从100多至300多不等,比较昂贵,而且一票难求。
RealD公司一直走在3D放映技术前沿,除了为制作上注入TrueMotion技术,RealD为《双子杀手》在终端放映上早就做好了万全准备。
年初,RealD与华夏电影就宣布为其Cinity影院系统注入3D与终极银幕两项技术。
Cinity影院系统综合应用了4K、3D、高帧率(HFR)、高动态范围(HDR)、广色域(WCG)、沉浸式声音(Immersive Sound)等高新技术,是当前电影放映领域的最高技术规格和最佳电影展现形式,不仅如此,除了4K、120帧高帧率3D的能力外,Cinity的影像特色还包含至少达“单眼”14FL的3D亮度,高立体对比度,鬼影最小化的3D影像,更大增益半角的均匀画面,并具有去除激光耀斑功能。
这些影像质量的提升将由RealD提供的终极银幕配套来完成。
这也就意味着《双子杀手》在国内上映时将能让更多影迷享受到120帧+4K+3D的足本观影体验。
有条件看到120帧版的毕竟是少数观众,退而求其次的话,我们还有哪些选择呢?
除了Cinity影院系统,RealD中国区超过1600块3D银幕,及60个以上的LUXE巨幕厅,也都有能力放映60帧高帧率3D,可以带来高亮以及流畅的3D观影体验。
前面说过,RealD此次参与了《双子杀手》后期制作,加上在放映端使用了李安钦点的RealD终极银幕,所以在这些影厅观看,相信的带来的效果也更加优秀。
那看《双子杀手》我们应该选哪些影院?
最终说白了,你只需要关注这几种格式,既:120/4K/3D、120/2K/3D、60/2K/3D、24/2K/3D,然后就不要吵着要2D版本,因为片子拍摄就是为了3D。
那现在支持的高帧率的系统大概是这几种:CINITY:4K/3D/120帧(CINITY由LUXE改造);杜比影院:2K/3D/120帧或4K/3D/60帧;新一代激光IMAX: 4K/3D/60帧;LUXE:2K/3D/60帧(1600块3D银幕,60多LUXE巨幕)三星LED:2K/3D/120帧;那看电影的方法自然是从高格式到低格式的观看,就是:120/4K/3D—120/2K/3D—60/2K/3D——24/2K/3D。
所以,去哪里看成了重点。
下面列了能够播放 4K/3D/120帧和2K/3D/120帧的全国影院,至于 2K/3D/60帧全国院线支持的比较多,这里就不一一列举了。
4K/3D/120帧北京金逸影城(北京朝阳大悦城)博纳国际影城方庄店(10 月 18 日左右改造完成)金逸影城(北京荟聚店)(10 月 18 日左右改造完成)中影国际影城北京昌平永旺点(10 月 18 日左右改造完成)上海上海影城上海百丽宫影城(万象城)红星电影世界汶水路口店金逸影城(虹口龙之梦)(10 月 18 日左右改造完成)广州金逸影城(广州海珠新都荟店)(10 月 18 日左右改造完成)深圳中影国际影城深圳欢乐海岸店(10 月 18 日左右改造完成)深圳万达影城龙华汇海广场店(10 月 18 日左右改造完成)重庆重庆万达影城万州万达广场店(10 月 18 日左右改造完成)金逸影城(重庆南坪星光时代店)(10 月 18 日左右改造完成)成都成都万达影城财富又一城店(10 月 18 日左右改造完成)武汉武汉博纳国际影城金逸影城(武汉销品茂店)(10 月 18 日左右改造完成)中影国际影城武汉天河光谷店(10 月 18 日左右改造完成)郑州郑州奥斯卡熙地港国际影城西安西安奥斯卡熙地港国际影城长春欢乐城国际影城杭州东影时代影城 西溪店海口中影国际影城海口上邦店东莞华夏影城(东莞家汇店)福州金逸影城(福州宝龙店)(10 月 18 日左右改造完成)保定华隶影城华创广场店昆明昆明百美汇恒隆广场店苏州UME 影城(金鸡湖店)(10 月 18 日左右改造完成)2K/3D/120帧(杜比影院)北京北京耀莱成龙影城五棵松店北京耀莱成龙影城慈云寺店北京耀莱成龙影城房山天街店北京万达影城丰台万达广场店北京寰映影城合生汇店北京居然耀莱成龙影城丽泽桥店上海上海闵行颛桥万达广场店红星电影世界上海吴中路旗舰店上海寰映影城大融城店CGV影城上海浦东印象城店上海五角场万达影城华谊兄弟影院上海长风大悦城店CGV影城上海晶耀前滩广州唐德国际影城广州白云汇店深圳万象影城(深圳湾万象城旗舰店)金逸影城(中心城店)万象影城(深圳万象城总店)成都成都万达影城青羊万达广场店成都万达影城双流万达广场店成都万达影城武侯万达广场店成都SM万达影城店重庆重庆万达影城南坪万达广场店包头包头万达影城正翔广场店长春长春万达影城赛德广场店长春万达影城欧亚新生活广场店长沙长沙万达影城华创店大连大连万达影城和平店东莞东莞万达影城南城蜂汇店佛山佛山金沙洲万达广场店福州福州万达影城金融街万达广场店杭州杭州万达影城余杭万达广场店合肥合肥包河万达广场店济南济南万达影城世茂广场店嘉兴嘉兴万达影城经开龙鼎万达广场店昆明昆明万达影城正义坊店南京南京万达影城江宁太阳城店南京万达影城建邺店南京万达影城新街口店南昌南昌万达影城世茂广场店泰禾影城南昌王府井Dolby Cinema店南宁南宁万达影城青秀万达店宁波宁波耀莱成龙影城鄞州店泉州万达影城(泉州城东万达广场店)唐山唐山耀莱成龙影城新华西道店台州台州万达影城星光耀广场店天津天津塘沽万达影城武汉武汉万达影城江汉路悦荟广场店武汉万达影城汉街万达广场店武汉金逸影城王家湾店厦门厦门嘉庚华谊兄弟电影中心厦门SM万达影城厦门寰映影城国金广场店万象影城(厦门万象城杜比影院)西安西安万达影城高新万达广场店扬州扬州万达影城邗江万达广场店银川银川华联影城(悦海新天地店)湛江湛江万达影城华都汇广场店
关于为什么写这篇文章请见下方文章,介绍了4K 120帧 3D这一顶级格式电影是怎么回事,导演怎么拍。
Kryp:《双子杀手》4K 120帧 HDR3D规格的前生今世——李安与《比利林的中场战事》zhuanlan.zhihu.com那这一篇就谈谈影院怎么放。
规格参数表CinityCinity公开资料不多,我们查到Cinity是华夏电影所有的一种影厅成套方案,于2019年8月21日发布,截至10月20号配合以《双子杀手》上映,在全国搭建起20个影厅。
由于中国巨幕“珠玉在前”,本次华夏推广Cinity没有强调本土特色,反而是强调自己的国际伙伴,尽力打消大家对本土放映技术不看好的负面影响。
由于知道最核心的放映机是使用的科视(ChristieDigitals)的RealLaser技术,用两台最新的CP4450-RGB放映机,这是2019年7月刚刚发布型号,甚至还没有出现在科视官网上,不过官方说明支持4K和HFR(高帧率)。
这套系统目前来看硬件水准很高,不过考虑到华夏与科视的研发合同于2019年4月刚签订,7月发布CP4450的消息,10月份影院上线,这套放映系统的成熟度还有待验证。
在音频方面,从《双子杀手》发行的拷贝来看,有Cinity+杜比Atmos和普通Cinity两种格式的拷贝。
目前看Cinity有可能本来就不包括音频系统,音频系统需要影院自行选择,如果是这样,能够叠加杜比全景声也是很好的选择,没必要再去开发能难集成的音频系统。
普通Cinity的音频系统是什么目前还没有看到介绍,官方发布消息只有一句“沉浸式音效”不算是什么有效信息。
从《双子杀手》大陆发行的拷贝来看,可能只有5.1声道,与数字IMAX一致,Cinity也是按此配置的可能性很大。
Dolby Cinema(杜比影院)杜比影院是2016年4月份推出的影院系统,正好也是《比利林》上映前夕。
与Cinity一样,杜比影院的放映机系统也是科视操刀的,放映机型号为CP42LH 6P(双头)。
CP42LH最大的技术特色是可拓展的模组化激光背光,每组提供5000流明亮度,最多可叠加12组至60000流明,在放映3D电影时屏幕上可达14FL。
由于受数据处理限制,该投影机在2K分辨率下进行120FPS投影,或者在4K分辨率下进行60FPS投影。
另外杜比视界的传统优势是对比度,可以提供1000000:1的对比度水平,远高于IMAX的8000:1,也就是黑色会更黑。
在音频方面杜比影院使用的是大家熟悉的杜比全景声(Dolby Atmos),这是面向对象的音频系统,跟传统的5.1或者11.1完全不在一个世代上。
IMAX的另外一个劣势在于音频系统,其实无论数字IMAX的5.1或者激光IMAX的11.1声道,仍是基于传统的音频技术。
IMAX这个老,戏多,啰嗦一点:DIMAX因为历史比较悠久,放映制式是最多的,胶片IMAX分为35MM宽荧幕、70MM宽荧幕和70MM 1.43:1(这个太豪华导致大家可能都无缘看到了,一台投影仪重两吨,换氙灯泡需要穿防弹衣)。
不过由于成本和技术进步原因,大家目前的IMAX电影院基本都是2008年发布的数字IMAX,这套数字IMAX系统的放映机在2012年之前使用科视产品,2012年之后采用巴可(Barco产品),具体参数我就不说了,反正跟上面比肯定还是差一些的,因为他们的光源还是氙气灯光源,大部分也不支持HFR。
支持HFR的IMAX叫IMAX 3D+,这种影院非常少。
IMAX名气这么大,如果硬件这么渣的话肯定说不过去,所以2014年IMAX推出了双机激光投影仪的第一代激光IMAX(IMAX with Laser)。
这个机器参数还是不错的,亮度比数字IMAX提高50%,支持60FPS的HFR和4K分辨率,参数与杜比影院基本一致。
音频方面,从数字IMAX的5.1声道提升到了11.1声道。
实际上,激光IMAX技术确实与杜比影院更接近,其3D眼镜技术与Dolby 3D同源,而不是出于数字和胶片IMAX。
另外激光IMAX虽然参数与杜比影院相近,但是这是再其屏幕面积是杜比影院和数字IMAX的2倍左右的情况下达到的,非常了不起(激光IMAX幕布最大可以到600平米,数字IMAX22x13不到300平米)。
IMAX的一代激光IMAX非常的贵,据说成本10倍于数字IMAX,5倍于2代激光IMAX,国内最早在东莞万达,最后也只有3块屏幕,世界上也没推广开,因此2018年IMAX缩减了一代IMAX规格之后,推出了二代激光IMAX,用来取代目前显得很疲软,除了IMAX专属画幅和画面一点优势都没有的数字IMAX。
2019年IMAX和巴可将独家合作协议扩展到了激光IMAX上,这样确定未来一段时间IMAX的全部投影机都是巴可供货。
目前使用的投影型号未知,不过巴可的4K75和4K60都可以120帧 4K投影,亮度60000流明也跟科视产品在同一水平,性能应该没问题。
不过,我们注意到Cinity、一代激光IMAX和杜比影院都是双机4K或者2K放映,但是激光IMAX2代是单机4K放映,HFR可能也支持60FPS。
这是高端旗舰标准的双机双头,但是第二代激光IMAX是单机双头,亮度减半 RealD 6FL/LuxeRealD是一家发家于3D技术的公司,旗下的RealD主打高亮度和亮度均匀,能够提供与数字IMAX3D相当的亮度,使用科视投影仪CP2220,可以看出这个型号稍微低端一些。
RealD的巨幕叫Luxe,参数与RealD 6FL没有区别,但是屏幕尺寸达到20M宽度级别,基本上略小于数字标准的IMAX3D。
2019年,RealD小范围部署了高亮度版Luxe,但是并没有称其为换代,只是说“高亮度RealD Luxe”,亮度水平赶上了二代激光IMAX,距离杜比影院和Cinity还有一定差距。
中国巨幕CGS这个是中影主导的攒机标准,除了投影机,各家的设施可能都不相同(屏幕尺寸、音响)等,中国巨幕的成本是数字IMAX的一半。
但是我就说一句话,中国巨幕用的双机巴可投影机亮度比数字IMAX高40%,屏幕大小要小于数字IMAX 3D,但是标称亮度与数字IMAX是一样的,中间技术的水分自己感受。
音频方面,跟普通攒影院一样可以自选,传统5.1或者Dolby Atmos或者DTS:X任选丰俭由人。
从系统版本上来说,前面这些国际商业大拿,一般技术四五年升级一代,而中国巨幕从2011年诞生到现在已经五六个版本了。
一句话,不推荐。
单项总结之前把各家的放映系统介绍了一下,最后的总结换个形式,以单项和总体对比评价来结尾。
分辨率:2K已经普及,高端影院已经实现4K 3D,而科视和巴可的投影仪已经4K话,新影院普及4K近在眼前。
亮度:亮度是高低端系统最大的差别,Cinity、Dolby影院优势明显。
现在光源全面激光化,激光厅已经算不上卖点。
激光光源的模组化,让亮度也成为了简单的成本问题,舍得堆料就会更亮。
Cinity=Dolby Cinema>激光IMAX2代>Luxe高亮版>数字IMAX=RealD 6FL/Luxe高帧率HFR:HFR是硬件科技进步反推电影摄制水平发展,很快高帧率电影问题不在拍摄设备,也不在放映设备,而是在导演的拍摄技术。
李安说的,演员不能化妆、无法手持肩抗拍摄、HDR超高亮度带来的布光难题等,才是阻碍大家看到更多HFR电影的原因。
从硬件上来讲,很多系统都已经能支持60FPS HFR。
Cinity 4K 120FPS>Dolby Cinema 2K 120FPS> 许多新的“激光厅”60FPS=RealD=激光IMAX>数字IMAX音频:不说了,Dolby Atmos>传统,传统里头钱越多质量越好(声道数多,扬声器质量好)3D(眼镜)技术:Dolby 3D最好,无死角3D:杜比影院、杜比视界厅、一代激光IMAX,一个眼镜好几百RealD的圆偏振第二:Cinity、RealD系列。
线偏振最土:IMAX、其他影厅。
这个每档的差距不是一点,是一代。
综合排序70MM 1.43:1胶片IMAX宇宙第一,诺兰最爱,不过你们不用想了,大陆没有。
至于为什么宇宙第一,看这张图,那个大的就是。
中的是1.90:1宽银幕。
第一梯队:一代激光IMAX:虽然参数跟杜比影院差不多,但是有两大法宝:最大的大屏幕,以及很多IMAX摄影机设置的影片专用画幅(1.43:1)和专有片段。
劣势是数量少存在感低;不支持HFR;音频空间准确度不及Dolby Atmos。
Cinity:参数完美,4K 120FPS 3D格式暂时无出其右。
劣势:音频要看影院舍不舍得投钱;3D技术是圆偏振,不在影院中心区看高格式电影可能晕;建议大家去这个影厅去试一下《双子杀手》,但是记得早买票,买正中间的位置。
杜比影院:参数几乎完美,2D放映体验应该能做到最好。
劣势:放李安的电影不如Cinity,放IMAX特制片画面内容和影片内容吃亏。
第二梯队:激光IMAX二代:除了不如第一梯队没啥毛病,不支持HFR。
第三梯队:高亮版Luxe:相比激光IMAX二代又少了特制内容和画面。
数字IMAX:亮度差强人意,2D强于Luxe,3D弱,特制影片强。
第四梯队:RealD 6FL/Luxe:相比数字IMAX又少了特制内容和画面,而且银幕本来就更小。
不入流:中国巨幕,效果不一定强于自己攒的激光巨幕厅。
前言:此文是去年为微信公众号撰稿的一篇稿件,但最终因为一些原因没有发出来,本着不浪费的原则,在豆瓣发一下。
最近身边所有朋友都在问同一个问题:《双子杀手》,好看吗?
李安的作品,本不需要发出如此疑问,但口碑表现着实让人担忧。
欧美惨遭评分滑铁卢,烂番茄新鲜度25%,MTC评分38,比大烂片《自杀小队》和《黑凤凰》都低。
内地表现相比之下好一些,豆瓣7.1,然而点进去看评论却是呈两极分化,一方盛赞技术,一方痛批故事。
抱着粉丝期待和好奇心,我早早去看了午夜场。
1.首先要泼一盆冷水,高帧数的确有很多优秀之处,更高动态清晰度,更流畅,更真实。
像是三年前的《比利林恩的中场战事》,男主流下眼泪的镜头,在大银幕上纤毫毕现,有一种如丝般顺滑的流畅。
但高帧数的一大问题却很少有人指出:它会破坏“电影感”。
很多看高帧电影的人第一反应都是不适应,演员仿佛被加速了,画面似乎变廉价了,让人产生一种在看电视剧的错觉。
那是因为电影本来就是一门虚构艺术,是假的艺术。
认为电影是在还原生活,这是极大的误解。
事实上从布光,表演,剪辑,情节,它都在对生活建立屏障来构筑一个光影世界。
而在这当中,最隐秘的一处就是帧数。
电影画面和我们肉眼看到的连续动态并不一样,它是以每秒24帧连续播放静态图片的形式,利用视觉暂留原理形成的“伪动态”。
这便是电影感最大的来源,不信你可以试试,用16:9的画幅24帧去拍段小视频,是不是轻而易举就有了电影的感觉?
因为潜意识里明白电影的虚构性,观众得以接受电影背后的人为设置和夸张,哪怕注意到破绽,也会在大脑里自动略过。
而高帧数恰恰就因为太“真”,和电影的“假”产生了排斥反应,这个问题在《比利林恩》中就很明显,那些我们看惯了的摄影机运动,演员调度,在过于真实的画面下突然变得突兀。
不过,你若以为我是要批评《双子杀手》的高帧率,那就大错特错了,事实上它的违和度这次得到了很大改善。
还记得预告片刚出来的时候,很多人发出质疑:怎么画面看上去这么廉价?
的确,《双子杀手》布光非常平淡,整体欠缺层次,布景和服装也十分朴素。
和同是动作片的《疾速追杀》画面一比,差异更明显。
但如今看来,李安完全是有意为之,因为高帧率电影“半真不假”的尴尬,李安完全摒弃掉传统的风格化摄影,转而追求类似肉眼的低对比。
最令人印象深刻的莫过于那段摩托追逐戏,李安充分发挥了高帧优势。
用大量高速运动镜头,和复杂的画面调度创造了前所未有的视觉体验。
比如白鸽飞起的一幕,电影院里看相当惊艳,仿佛就在眼前飞走。
另一段第一视角的摩托狂飙长镜头更是让人震撼,两旁景色不像普通电影那样花成一片,而是极其顺畅的向后退去,如同自己就坐在摩托后座上。
从剧情片转战动作片,李安的选择十分聪明,《双子杀手》强调的不再是形式化的美感,而是力求真实的氛围代入,临场体验,和高速变换的动作场面,而这恰恰是高帧所擅长的。
2.但遗憾的是,《双子杀手》的动作场面,撑死只占个20%。
哪怕动作片,大部分时间也得拿来讲故事,而这正是《双子杀手》的致命软肋,剧本乏味而无趣:特工亨利从情报局退休,却遭政府追杀,而杀手,竟是年轻了20多岁的自己的克隆人。
故事设定虽老套,但看着至少是有趣的,也能勾起我的好奇心:亨利为什么被追杀?
克隆人被造出来的目的是什么?
背后是否有更大的阴谋?
两人见面后,会产生怎样的情感火花?
这些问题一个个从我脑子蹦出,事实上剧情若能有高完成度的后续发展,将它们一一呈现,未必就不好看。
然而《双子杀手》却选择了最俗气,最无聊的解答方式。
亨利为什么被追杀?
因为他知道了政府的秘密。
克隆人被造出的目的是什么?
因为亨利是最强特工,所以要克隆他。
背后还有更大阴谋吗?
没有了。
你在预告里看到的内容,基本就涵盖了电影的大部分剧情,追杀开始后,真的就从头到尾只剩下“追杀”这一件事,两方就像龟兔赛跑般一个追一个跑,直到最后大决战。
什么迷案,意外,反转,通通没有,情节沿着一条毫无起伏的直线走,这种早已看过八百遍的烂俗套路根本撑不起两小时的戏剧冲突。
当然,并非所有的类型片都必须要走紧张刺激,依靠高戏剧冲突来吸引人的路子。
比如《银翼杀手2049》,它的故事也平,但依靠出色的人物塑造,对“人造人”对自我归属寻找过程的表现,依然好看。
说起来《双子杀手》和它还有点像,克隆人小克也是人造人,他也对“我是谁”感到困惑,面对要杀的人竟然是自己,他十分矛盾,不知如何抉择。
可他在自我怀疑后,和男主的交锋就是打了一架,话都没说几句,然后回家质问“父亲”一番,便毅然决然的倒戈了。
相比复制人K立体鲜明的人物塑造,小克完全是空洞的。
你感受不到他的性格,有的只是标签化的青少年式冲动,鲁莽天真,只是男主的一个镜像人物。
而亨利的处理甚至更加乏味,作为主角,他只有外在危机,即被追杀导致的生命危险,内心却从未有过质疑。
为什么像《谍影重重》《这个杀手不太冷》这些动作片被奉为经典?
因为它们并不只是动作戏好看,主角更永远会处在艰难的抉择当中。
我该执行任务,还是服从良心?
我该帮助小女孩,还是保全自己?
李安《色戒》中的王佳芝也是典型,她一方面为了国家,接近易先生来暗杀他,可另一方面却又爱上了他,不想他死。
正是这种“两难”,才让人物出彩,电影好看。
反观亨利,他在遇见克隆体后,想法非常单一。
那就是要帮助对方,逃脱被人类掌控的命运,全然没有内心挣扎。
女主角更因此成为一个可有可无,只能用来打架的“逆向花瓶”。
缺乏复杂的情感内核,让故事的精彩程度又降一截。
说实话,我能感受到李安在竭尽全力提升《双子杀手》的思想高度和人文气息。
比如将霸权的父子关系,代入到反派和克隆人之间,试图引发观众对其的反思。
可强扭的瓜不甜,强行拔高的差剧本也不可能真的优秀。
在这种别扭创作模式下,最后电影给人的感觉,用个粗俗的比喻形容,就好像你在交友软件上收到一个肌肉帅哥的约炮邀请。
你兴冲冲的跑到酒店,裤子都脱了,结果人家跟你说,其实我不想ooxx,我想跟你弄点有深度的,咱聊聊文学吧。
你说行,聊文学也可以,然后你已经把杰克凯鲁亚克,威廉福克纳等名字挂嘴边了,准备好跟他讨论英美小说史了。
肌肉男悠悠从身后,拿出一本《悲伤逆流成河》。
3.不得不承认,李安确实失手了。
《双子杀手》当然算不上烂片,至少它的逻辑是顺畅的,没有雷点,没有侮辱智商的地方。
它的技术也是实打实的,4k+3D+120帧,CGI还原始皇20岁的脸。
但是我们对李安的要求,他自己的要求,难道仅仅只是“不烂”而已吗?
李安是什么人?
是华语电影界的骄傲。
他拿过两次威尼斯电影节最高奖,两次柏林电影节最高奖,两次奥斯卡最佳导演。
哪怕放眼全世界,成绩都少有人匹敌。
他的作品雅俗共赏,评论家爱看,普通观众也爱看。
他拥有极其稳定的创作水准。
无论是借同性关系诠释家庭的《喜宴》,用恩仇意写江湖的《卧虎藏龙》,还是视觉绝美,故事又耐人寻味的《少年派》。
无一例外都是既有观赏性,又有深度的佳作。
就算是比较有争议的,像《比利林恩》,其包含的反战主题也很值得品味。
爱电影的人是很难不喜欢李安的,喜欢他的细腻,他故事里的人文气息。
他的片子带着一种东方人特有的含蓄,和四两拔千斤的厚重与犀利。
可这次《双子杀手》,大家都是怎么夸的?
技术太牛逼了!
画面太惊人了!
飞跃!
大胆!
突破!
而真正关键的故事,主题,思辨。
全然避之不谈。
说句过分的,上一次看到类似的讨论情况,是郭敬明的《爵迹》。
各种拿技术做招牌,最后拍成什么样大家都看到了。
当然郭敬明和李安是不可相提并论的,《双子杀手》的技术也是真技术,不是骗钱的幌子。
但我要说的是:当你以技术作为电影唯一的优点去称赞,本质就是否定了它作为电影更根本的价值。
很简单,因为没别的可夸了。
事实上,那些被公认技术牛逼的经典之作,牛逼的真的就只有技术吗?
卡神的《泰坦尼克号》和《阿凡达》,故事难道不精彩,情感不动人吗?
再看李安自己,《卧虎藏龙》在当年的华语片内,绝对是顶级配置存在,摄影和武打戏到现在都没有能超越的。
可我们夸它时,夸的是什么?
是它绝佳的意境,它体现的江湖人情。
《少年派》更不用说,奥斯卡最佳视觉效果。
可上映后大家讨论最多的是什么?
是派口中那个“真正的结局”,故事的隐喻和内涵。
技术本是给电影增色用的,但当它在人们的口中本末倒置,变得比电影本身还重要,我们夸的还是电影吗?
其实去看一些李安的访谈便知,他运用高帧技术,目的也是为了发展电影艺术,让它拥有更多不一样的可能。
别人问他:失败了还会继续拍吗?
李安笑笑:当然拍,只要有人愿意继续投资。
他说希望自己能年轻二十岁,这样才有更旺盛的精力去拍电影。
李安看似温吞好说话,内里其实全是芒刺,他有主见而固执,所以即便65了,依然像个年轻人般努力。
这样的形象,是不符合中国人传统定义的,在大部分人印象里,年纪大了就该好好退休,颐养天年。
可李安偏偏就是个反传统的人,从《推手》到《喜宴》,甚至到《双子杀手》,你都能看到他骨子里的反叛,他的敢。
那么这种时候,还用某种“宽容”态度去对待李安,因为技术好,就原谅电影的一切缺点,生怕他从神坛上摔下来。
这真的是爱电影,爱李安的表现吗?
换做李安,他希望自己的观众是那样的吗?
答案不言自明。
Vol.19,《双子杀手》,李安的第十三部电影长片作品。
这一次依旧是“临危受命”,请多指教。
10月18日,在沉寂了三年之后,李安终于带来了他的新作《双子杀手》。
120帧所带来的技术革新依旧是其最大的卖点。
但和以往的光辉不同的,这一次李安所面临的处境十分尴尬——一方面,本片糟糕的市场表现令其注定血本无归;另一方面,无论是普通观众还是专业的影评人士,对于本片均为两极分化的评价。
视听边界的大胆开拓,亦或是自废武功的文本颓废?
现在的李安,是正在走火入魔,还是放手拥抱未来?
本期金羊观影团共有26位友邻参加,25则短评,均分6.7分
poster by @德卡的羊对于电影进化的一种选择?
从《少年派的奇幻漂流》开始,李安已经在革新电影技术的道路上走了将近7年。
传统3D的“立体感”已经满足不了他的野心,从16年的《比利林恩的中场战事》开始,李安就投身于一种更加先进,更加大胆的技术——120帧拍摄。
这也许是你有生以来在电影院最为流畅顺滑的观影体验:细微到毛孔的面部细节捕捉,高速运动中背景的清晰重现,碎屑与火花在屏幕上的曼舞,以及火焰在流动中与观众超现实的互动。
这些元素是你无法在24帧所能体验与想象的。
那么是否真的如他们所言,李安在技术的苦行中真的找到了属于未来的“影像”?
@ 笑别掩柴扉 ,8/10分,3D 60帧2k版 一场母体/媒介的探讨?观众在120帧的失真与致幻中徘徊,正如男主对克隆体将将挥出去的一拳。
人类最后彼此回归体制的温床,是最“兽性”的冲动。
母体与媒介永远在吸收/同化中反噬主体,又给予主体生命力。
那么,120帧是对电影的异化亦或是赋予电影新生呢?
of course are both ,李安用一场技术的盛典来幻化另一种真实。
@ 不死者 ,7/10分,3D 120帧4k版 “自我”追杀一如自我思辨的内部抗争,联结起来的不止是自我的、更是电影的过去、现在(和未来):两者的孕育与取代,协调与共生(并合伙抹杀了未来电影的极端游戏化 非人化的 苗头),文本映射的是李安对技术,对电影的探索过程。
此外,李安在技术的激进展现中更多地架空自己,剪辑色调构图通通做减法让位给形式实验,用技术捕捉“真实”(以此时的“真实”对比调动视听构造的“真实”),同时以“第三子”来警示技术化的反噬。
不过绕回剧本上……还是不作过多评价了,你我都懂的。
@ 德卡的羊 ,8/10,3D 120帧4k版 文本我就不谈了,感觉其他人说的差不多了。
但是影像真的完全惊掉下巴,有史以来最嗨的观影体验。
栩栩如生的镜头捕捉,丝毫毕现的运动,每一滴水、每一束火花、每一粒粉尘,都在高密度的影像速率下疯狂的曼舞。
或许影像上没有传统电影那种所谓的“质感”,但每当你离开电影的虚幻去回归现实后,都会产生极大的落差。
但是李安的《双子杀手》并不会,这部无限接近真实的作品,不是带你进入电影的虚幻,而是把电影带入可视可听可感的现实,几近于一种真实的融合。
当然技术上还是有限制,近景或是特写时的景深镜头还是多少影响观感,但每一次伟大的蜕变不都是从一次次的探索中来吗?
当然我不会觉得这是电影的未来,但至少未来的电影中,不应该没有这样的组成部分。
@ 下次开船 ,8/10分,3D 60帧2k版 广义来说,“父亲”的角色可以有三个指向:老年威尔·史密斯(肉体)、克隆计划领导者(精神)以及美国Gov.(多次借角色之口,明示暗示美国Gov.近些年的作为)单单讲个人际遇的话,落脚点是俄狄浦斯式的弑父、宿命、轮回。
若是提及个人与gov.的关系,则。
@ 海鸥马步 ,8/10分,3D 60帧2k版 李安最近几年在做卡梅隆的活吧或者帮他过渡。
视效体验作为电影的承载介质再次被强调并显现出其独一无二的影响力。
似乎可以算是目前3D动作片最前沿的作品了,颗粒感的撞击与完美图像好舒服。
故事旧派但内核很中式家庭,而且全片基本都是正反打或者错位简洁又老道。
@ tabokie ,7/10分,3D 120帧4k版 高清+高帧带来的过量视觉细节并不必然削弱电影文本轴向的表达,本片流露的复古化叙事特征当然是有意为之,自断肢体证明观点的同时纪念性地透过尖端之眼回视潮流,双子隐隐点题。
技术角度,为超视力做减法着重复原主观视觉,杀手们的窥探和视角争夺,泛滥特写人像,大力虚化全景,以及镜面和屏幕伪像的使用,或多或少都是这条基本指导的演变。
动作戏中短暂的快切序列形成瞬时失焦,在整体影流中格格不入,也局限了高帧使用写实笔法。
溺水和人魔镜头疯狂加色加深度,配合超高清材质,形成全片视觉甚至通感高潮。
本片的体验远非完美但其创造的异质性无疑说服了我,个人而言这或许会是未来影院观影的唯一动力。
@ ಥ_ಥ🦔 ,7/10分,3D 120帧2k版 I want you both, or three. 我从未如此喜欢一位黑人男性,眼里的光看得清清楚楚。
第一次水中下沉的气泡,amazing。
还有摩托在小巷内追逐,我太热了,一直很热。
克里夫欧文完完全全认不出来。
@ 无色无味的气体 , 8/10分,3D 120帧2k版 技术>剧作,没想到本来通常以剧作取胜的李安这次反了过来。
发现李安在构图时很喜欢运用镜面反射来营造情绪和人物关系,例如《断背山》中的车镜,《色,戒》中的柜镜,本片中多次使用了此元素,车镜和摩托车镜都在塑造紧张气氛,而楼中镜的设计暗示了两人的关系。
几场打斗戏都非常惊艳,尤其是古堡底下照着亮光的互搏,追逐戏也实打实的体现出李安出色的调度。
但剧本确实是拖后腿的一环,非常的稀碎,尤其是对于年轻的“我”人物的刻画和转变都是极其失败的,间接地导致父子关系的建立是不成立的。
但比较有意思的是,两个“我”之间的关系和对话。
@ ┣━┳━┻━┫ ,8/10分,3D 120帧2k版 如同神一样轻盈简练地跃动着身姿的第三子直接将过去的温吞虚伪的情感构建扯碎,他从火焰中徐徐站起、走在飞溅绽放的火星之中的绚烂画面“超越清晰”形成了“跃过真实”的恐怖幻象。
我们都知道他是谁,我们都似乎做好了迎接这种错位的准备,可复杂对视后小克不自觉抬枪的动作还是暴露了一切——这是所有人想要回避却无从回避的鬼魂(一如技术本身)。
向电影语法的一场无情背叛?
诡异,实在是太过诡异。
在观影途中,除了对于画面细节的惊叹之外,我还感受到了一种异常的不协调感。
不知道是只有我,还是其他人都有这样的感觉:在很多画面内,用双眼所感受到的景象十分“不统一”,往往是近景的面部特写与远景的虚焦在视觉上几乎一样“立体”,在画面上甚至没有远近之分、景别之分。
如果说的再夸张一点,这部电影在本质上,是没有“景深”这个概念的,真的太恐怖了。
这样的一部实验性质浓厚的电影,真的还能被称为是“电影”吗?
@ 铎mao猫 ,5/10分,3D 60帧2k版 李安失手,承认专注技术忽视电影本身有什么难的?
无法接受没有电影感的电影,有这种技术反而更想看高帧率拍出来的porn,而不是十八流的好莱坞烂俗概念科幻动作片。
@ 和光同尘 ,6/10,3D 120帧4k版 观看的顶配,从第一眼就把观众引领到了影像本身,诚然这是好的,可是粗暴的剧本只是不断呈现技术。
扬言是“电影未来”,在过分强调真实的基础下,如同cg一般的过场把律动的真实硬生生扯出来。
不否认也不讨厌完全类型化是为了迎合市场,以此才能继续革新。
可是能否挑选一个更加优秀的剧本来呈现?
@ 法式曌影 ,6/10分,3D 60帧2k版 几处惊喜,全片败笔。
李安看得出来很努力在做技术革新了,但问题是,电影真的有必要做成这样吗?
这是真正的技术革新吗?
当年“比利'林恩”特意看了120帧都没看出任何创新之处,这部选60帧更是觉得毫无必要。
剧本简直俗气老套到骨子里,不过惊喜的是李安仍然把自己的人文情怀成功嫁接,于是它至少还显露出一丝生命力。
全片的所有文戏老气的只剩沉闷(或者说几乎所有戏份),而高帧率的清晰度反倒削了一层电影的质感。
只剩中间一场动作戏几乎惊掉我的下巴,李安的顶级执行力完全显露,镜头被赋予了灵魂一般游走,把动作拍出了灵动感又不缺凌厉,并且将人物的第一次对峙通过镜子进行压缩串连起两个空间,一个变焦镜头变换主观和旁观视点简直可谓绝妙啊!
李安可不可以不要再执念再这无意义的“技术革新”中浪费他惊人的才华了啊!
至少革新也拿个好本子啊!
@ 身不在场 ,4/10,3D 120帧4k版 仿佛看到了未来游戏界的CG制作水平,在这样处处设限的拍摄环境下,还不如以全CG拍摄一部影片,人类在高帧数下的不自然表现永远是短板。
动作戏情感戏更是一塌糊涂,由于看不见旧时的动态模糊,史密斯和克隆人的追逐场景你甚至不能感受到哪怕是一丁点的速度感。
一些为了展示新技术而刻意设计的场景也纯粹沦为了发布会上DEMO的存在。
电影产业是在技术的不断升级之下快速发展,但电影美学却并非如此,声音与色彩让创作者们看到了电影在创造现实渐近线方面的潜力,哪怕是近年来大家褒贬不一的3D技术在很大程度上也向我们展示了其在景深构造和观看体验方面的截然不同之处。
120帧+4K+3D格式和当年宽银幕、气味电影的技术一样,在本质上只是一次试图将观众再次拉回影院的奇观化手段,当我们在美学的层面上看不到一丝一毫的进步时,这些技术也就完全担不起电影之革命之名。
如同那些匆匆忙忙修筑而起的Cinity影厅,它们也行能让你看清一切,却看不到电影的未来。
@ 妳的世界几点,6/10分,3D 120帧4k版 这顶多算是好莱坞商业片的一般水准。
但因为120帧 cinity 却又变得不一般,cinity提升了3D的亮度,而120帧的清晰度宛如真人就活生生站在你面前。
总觉得这部算是李安的一次技术实验(比利林恩那个是野心,不纯是玩票),这次完全是商业片试水,以此投放市场,看看反馈怎样(安叔的勇气可嘉)技术>一切,所以这部并不那么李安。
电影里面当然也有李安的东西,比如人欲望的压抑,挣扎和膨胀,人文的关怀和反思,父子之间的关系。
视效上完全是第一人称玩动作游戏的既视感,很cool,尽管打斗有点健美操(120帧呐!
),但代入感很强,身临其境非常嗨。
当然了,故事文本太弱也是不争的事实,文戏确实也无聊,至于克隆人的探讨也就是蜻蜓点水。
@ chaos ,5/10分,3D 120帧2k版 高帧加上3D,对焦使得背景虚化更为立体,甚至连人脸抖动的纹路都能看清,细节流畅得好像按了慢速播放,but so what?
克隆设定掐头去尾流于表面,结局更看不到一点深入的情感刻画。
诚然有弑父镜面元素的高度解读空间,但这是真正融入于电影且自然真切的传达方式吗?
用动作类型片来承载这种被扭曲化了的概念传达是不可行的。
可以解读,但于我绝不是合格的、能引发自然情感共鸣的类型载体,所以是失败的。
我宁愿李安老实拍一部爽片,也不想看到牵强符合的意象表达。
高帧带来的震撼只持续了十分钟,文戏武戏都索然无味。
120fps可以拍任何类型的电影,但绝不是这一种。
@ 伏眠 ,6/10分,3D 60帧4k版 电影是需要灵魂的。
如果灵魂只剩下一个伟大的帧数,附带着粗糙的逻辑激烈的战役生硬的剧作,那可真是太可惜了。
60和120这两个数字可以用于定义任何一段伟大或者平凡的影像,但这两个数字不能让任何一段平凡变得不凡,也无法为任何一段伟大加冕,技术终究只是载体,仅此而已。
@ 西卡里奥 ,6/10分,3D 120帧2k版 看到最高版本的第一秒与具有实感的动作场景时,也许或许我们就如百年前第一次看到《火车进站》的观众一般,对眼前影像具有高度敏感的感知能力与对其的贪婪信任,把对观众的吸引力重新还于了影像本身。
虽如此,我也不完全认为这就是“电影”的未来,高帧率下人物的运动就如同CG制作出一般,如此虚假感与动作场景结合如果说尚可的话,那么文戏部分的全程特写就完全是技术实验的牺牲品了,放之更广阔的电影范围,提高影像的被感知力的同时使影像的内容变得虚假,如果未来的电影变成这样,那电影同时也就终结了。
李安与他的技术,在未来究竟何去何从?
无论《双子杀手》的视觉效果有多震撼,技术革新有多超前,对于电影和它的运载本身,我们始终无法忽视以下两点:一,在商业上,这是一部非常失败的作品。
无论是北美还是中国,其票房表现都不尽如人意。
二,在故事上,就算可以在枯燥的故事中解读出“俄底浦斯情结”,这仍然是一个无比枯燥且矫情的好莱坞烂俗故事。
无论是资本方,还是成千上万的普通观众,想必都不会继续为李安的“技术革新”所买单。
那么,李安能否争取到下一次自我证明的机会,而他所作出的尝试,对错与否,真的可以交给时间来判断吗.....
@ 浮草 ,6/10分,3D 120帧2k版 不懂运动影像看不出高深之处。
援用艾略特的话“一个造出新节奏的人,就是一个拓展了我们的情感并使它更为高明的人。
”我完全支持巴赞倡导的完整电影,更鼓励技术革新,我也非常支持李安将这项技术实验进行下去,但头发毛孔看的更清晰的今天,内心有探索的更清晰么,这项技术拓展了情感并有高明的表现了么。
我并没有太感受到。
从剧作来看,节奏、完成度是可以的,镜像、自我、弑父、父权甚至可以做政治隐喻时代解读,但整体依然只是普通类型片的水准。
所以“创造一种形式并不是仅仅发明一种格式、韵律或节奏,而且也是这种韵律或节奏的整个合式的内容的发觉。
”@ 意识流螺丝刀 ,7/10分,3D 120帧4K版 李安此次最为显著有开创性的创新即是:将技术赋予了某种作者属性,技术切实地成为了作者表达的一部分,呈现出的效果也着实迷人,借开头火车出站一瞬间给人带来的身处站台上的恍惚感,李安完成了同卢米埃尔的致敬;高帧数下的动作戏结合导演精彩的调度营造出的迷幻而让人提心吊胆的氛围被无限放大,电光火石清晰可见乃至是切实可感,在完全沉浸的基调之下完成了对主体和克隆体共生关系的探讨,也因而在第三个克隆人头套被揭开的那一刻造成了全场惊呼。
然而“故事”这个概念本身就必然伴随着某种抽离,文戏在本就蹩脚的对白之下显得尴尬和多余,技术托起的文本本身过于套路,对于情感的渲染与呈现亦过于浅薄,使的作品离开了技术便平庸不堪。
因而引发的对于技术的探讨也愈发发人深省,如果说高帧数的最终目的在于观者的完全沉浸乃至于消解“导演”的存在,以狭义“真实”作为广义“真实”的佐料,那么本片的充其量就仅是一次探索而已,至于电影世界是否需要这样的探索,就留待时间去评判了。
@ 香香菲舞 ,5/10分,3D 120帧4k版 从《少年派》开始,痴迷于玩最新技术的李安,就逐渐放弃了一些早期佳作中,灵魂的细腻之处。
《比利林恩》更是某种执迷不悔的探索。
李安骨子里的叛逆,不仅是随处影片中随处可见的父权讨论,也凸显在每一次新作的新锐特点追求。
所以,《双子》的选择,更像是李安过了花甲之后,一次笨拙却不服输的潮流之举。
剧本的浅薄已经不需要再做深究,120帧在配套设施和技术不完善的情况下,眼球在观看过程中模糊,也不知是激动还是感慨而就。
有点心疼李安的执着,如此身价的导演,探索着电影界中的下个里程碑,奈何时间节点不是每次都符合他推举的节骨眼啊。
对他的下一次仍旧有期待,但对他的《双子》终究怎么也喜欢不起来。
@ 卡佛啪啪卡夫卡 ,7/10分,3D 120帧4k版 一场依靠高强度视听推进的inside out,一生二,二生三,意外精致的复合结构。
中年独身者内部欲望的滞留,刽子手枪下的过往的幽灵,被赋予了形体成为实在反过来haunt这座本就淫秽的忒拜城,只是这一次的闯入者并非俄狄浦斯。
双子再到三子,你来自于我,却不再成为我,恰恰是因为另一个父亲,因此这一场弑父有没有成功,又得另当别论。
而比探索视听语言的边界更重要的是,李安的作者性标的或许已点滴融入技术本身:不以技术接近真实,而是拥抱技术的虚假,以技术的“非人”穿刺真实的人的世界。
@ 幽幻 ,7/10分,3D 120帧4k版 先不考虑剧作上的问题,观看120帧这种全新的有一种身临其境的爽感,得天独厚的优势带来前所未见的真实,甚至,超越了我们所定义的“真实”。
固然,我们仍不知道这种失真感是好是坏,但它给人造成的视觉冲击足以称赞。
李安在挑战着电影的未来,即使不一定成功。
@ 果樹 ,6/10分,3D 60帧2k版 这依然是一部过程电影,真心觉得有点可惜。
对于叙事上的不足,或者有另一种视角,在这一部电影中,内容本身就是为了形式而让位了,于是在文本层面只选择了最有效率的路径。
如果这个故事放到一款游戏中还有人会多加诟病其问题吗?
高帧率对镜头的束缚带来的电视感真的是问题吗?
那又如何看待追逐戏、自我互视等具有游戏感的桥段对于全片的加分?
从这个层面上看,当形式的实验性一再被突破,第七第八第九艺术的壁垒是否也被突破?
@ 六个月亮的六 ,6/10分,3D 60帧2k版 抛开技术噱头来看,这不还是那个挣扎在父与子母题上的李安嘛,只是用了更财大气粗地方式来讲一个陈旧老套的故事。
可能是没有选择顶配放映场的原因,所谓的沉浸感并没有感受到太多,却总是被以往看好莱坞商业片时感叹的“这都是钱啊!
”所短暂地抽离开。
这几年的李安走上了电影的另一条路,他一意孤行地探索着电影新的出路,无法评判对与错,只有喜不喜欢。
那很可惜我不喜欢。
仅打分:@ 思路乐 8/10分,3D 120帧4k版@ 失意的孩子 ,8/10,3D 60帧2k版 历期评分TOP5:1.《痛苦与荣耀》 8.0;2.《同义词》 7.7;3.《风中有朵雨做的云》 7.6;4.《你的鸟儿会唱歌》 7.5;5.《太空生活》《江边旅馆》 7.4;下一次见,估计就是《兰心大剧院》了。。。。。
PS:昨晚排版问题引起各位阅读不便,现在于10.23号凌晨已修改完毕,望各位谅解。
在电影中为一个角色“增龄”只需通过局部化妆便可以轻易实现,演员再通过腔调、举止、目光的表演,让角色要具有说服力,这样就能真真假假、虚虚实实。
但“减龄”则难得多,不是靠化妆和表演就能轻易解决的。
《双子杀手》中威尔·史密斯扮演的Henry(左)和CGI的克隆Junior(右)如果51岁的威尔·史密斯想要年轻态,就要把干燥、暗沉、粗糙统统赶走,油腻、暗淡,全都不要!
李安新片《双子杀手》中23岁的威尔·史密斯的制作工序非常繁杂,非普通CGI制作可以比拟,最终的效果也比他当年演《茶煲表哥》(1991)时还要嫩。
《茶煲表哥》(1991)中的威尔·史密斯,时年也是23岁其实,“CGI减龄”这些年并不少见,它在漫威电影的倒叙场景中越来越普遍。
《蚁人》(2015)中1989年部分的汉克·皮姆,就使71岁的演员迈克尔·道格拉斯瞬间恢复到《华尔街》时的样子。
《蚁人》中的老年汉克·皮姆和1989年部分的汉克·皮姆往前追溯,我们可以先从《终结者2018》(2009)谈起,片中出现了惊鸿一瞥的阿诺·施瓦辛格年轻时代扮演的T-800机器人,面部采用了《终结者1》(1984)时的阿诺,身体则属于替身演员的。
对当时来说,表情捕捉塑造的数字人类,面部并不能维持太长时间,一是开销巨大,二是如果时间过久很容易露出破绽(它的效果与真人还是存在一些差距,更像《最终幻想》那种3D渲染的“真人”)。
《终结者2018》到《创:战纪》(2010)时,61岁的演员杰夫·布里奇斯与《电子争霸战》(1982)时的自己同框。
布里奇斯表演年轻的自己时,其面部表情被细分为52个表情基准点,再回传给电脑,还原出他30岁时的样子,由此成为影史第一位与亲身扮演的年轻自己同框的演员。
但这个数字化人物,面部还是能看出太多破绽——冷冰冰、表情木讷,体会不到真情实感,观众一眼就知道它是假的。
幸好这个角色活在全数字化的虚拟世界中,还可以解释的通。
《创:战纪》中真实的杰夫·布里吉斯(左)和CGI制作的年轻化的自己(右)
《创:战纪》中老年与年轻的杰夫·布里吉斯,孰优孰劣一目了然“冷冰冰、表情木讷,体会不到真情实感”的缺点放到2015年的《终结者:创世纪》中却再合适不过了,它正符合了披着人皮皮囊的机器人的基本特征。
《终结者:创世纪》则再度还原了《终结者》(1984)开场阿诺出场的经典场景,真是深深的回忆杀。
这位年轻的“T-800阿诺”仍然是由替身演员充当肉身“扮演”的,面部再通过后期技术被替换成施瓦辛格当年的面孔。
布雷特脸上贴满表情基准点,来还原年轻阿诺的样子这个CGI的阿诺已经比六年前的《终结者2018》进步太多,起码在剧照和预告片中很难看出破绽,但在大银幕,尤其是给到特写镜头时,就会发现它不似真人。
如果仔细看他的脸,会发现鼻子微微弓起,脸部也稍不对称,特别是做表情的时候。
《终结者:创世纪》里真实的施瓦辛格(左),和CGI制作的年轻化施瓦辛格(右)片中有安排一场施瓦辛格跟年轻的自己(两个T-800)对决的动作戏,但时间短暂,夜景的动作细节也是糊的。
众所周知,同年上映的《速度与激情7》(2015),保罗·沃克因车祸离世,特效公司用表情捕捉使演员“复活”。
保罗的两个弟弟来做哥哥的替身,再从保罗生前作品中精选出片段,用CGI制作出多角度的脸部模型和所需要的多款虚拟表情。
最后将表情串联,生成短短几秒钟的动态影像。
除此之外,保罗的声音也被采集出来,在弟弟的帮助下,完成配音。
《速度与激情7》里CGI的保罗·沃克,在观影时仍然能看出是CGI制作的最近的例子还有漫威的《惊奇队长》(2018)和今年马丁·斯科塞斯的《爱尔兰人》(2019),这项技术被用来让主演以年轻时代的自己出现,这就是标准的“CGI减龄”。
《惊奇队长》里年轻化的局长,已经取得了实质性的进步
《爱尔兰人》里年轻化的罗伯特·德尼罗,仿佛也回到了《赌城风云》的岁月技术永远是进步的,为什么说这次的《双子杀手》是质的飞越呢?
毕竟,这部影片的介质是120帧+4K+3D,如果有缺点,在大银幕上会一览无余,数字人物更容易看出破绽。
特效部门不仅是对男主角威尔·史密斯的面部“减龄”,而是制作了整个身体,即便是面部,也有肌肤、骨骼、眼睛、牙齿光泽的再造,所以李安不太愿意将之称为普通意义上的“减龄”。
为了呈现出年轻威尔·史密斯(片中的角色是特工Henry的年轻版克隆人Junior)在电影中的最终效果,要先对演员进行动作捕捉,然后再进行调整,有时候也会用他之前的电影素材甚至是年轻时代的家庭电影做参考。
几乎将他在众多影像资料中的情感特质和言语动作全都转移到了这个数字人物身上,让他的言谈举止变得近乎完美。
《双子杀手》中CGI的克隆Junior最后制作出来的Junior,无论镜头给到中、近景还是特写镜头,他都经受住了考验,并且Junior的性格不同于威尔·史密斯本人甚至主角Henry的性格特征,而是一个率直天真的战士,始终保持一种彬彬有礼的年轻人的特质。
《双子杀手》里的朱尼尔之所以不属于“减龄”,优势就在于此,它不再是那种“冷冰冰、表情木讷,体会不到真情实感”的数字人物,而是具备所有人类拥有的复杂情感,和人类一模一样甚至还胜过真人。
片中一场Junior在克里夫·欧文面前流泪的哭戏,就特别令人动容。
威尔·史密斯“表演”Junior要知道,《双子杀手》也是李安继《比利·林恩的中场战事》(2016,以下简称《比利·林恩》)之后,再度用120帧高频率+4K+3D的技术完成的。
就电影而言,帧速率(fps)指的是每秒所显示的静帧格数,随着帧速率的增加,观众的情绪反应亦随之增加。
有句老话说得好“摄影机每秒都在撒谎,每秒24次。
”说的就是这个。
我们以往看到的电影都是传统的每秒24帧显示的平滑运动,这种标准已经对大家的观影习惯根深蒂固,在下意识中接受了。
改变帧速率也会影响观众的情感体验,因为随着投影速度的加快,情绪反应亦随之加快了。
记得当初《比利·林恩》推出时,索尼影业给出的官方称谓是“沉浸式数字体验”(Immersive Digital),国内还说它属于“未来电影”。
它的优点是拥有超真实的清晰度,能使流动画面更流畅,解决摄影机平移中产生的画面抖动,带来更舒适、立体、敏锐与真实的观影体验。
《比利·林恩》中的体育场烟花场面不过如果过于沉浸式,电影会变得不再像电影。
当初《霍比特人1:意外之旅》(2012)的48帧反响不佳,多数人抱怨它太像高清电视而不是电影。
简而言之就是对比度太低,在高清规格下,我们根深蒂固的电影质感的暗部变亮了,而48帧又使我们对24帧所产生的平滑动作也变得流畅了,大家惯性上认为的电影美学就消失了。
那还只是48帧,其实,电视和游戏画面几年前就有4K+120帧呈现,只有电影还抱残守缺使用因为古老的因为成本限定的24帧,所以会有观众感觉电影像电视和游戏,加之电影所感受到的巨大威胁就是流媒体的电影和剧集夺取了电影观众,让李安产生了危机感,跟上时代的电影技术,避免大银幕艺术的消亡是重中之重。
李安在《比利·林恩》中尝试用3D表现人物的面部细节李安曾说过自己是电影系的学生,他对待新技术也一样。
他在《比利·林恩》上映时曾说过:“其实我对120帧也没有准头,是摸着石头过河,像重新学走路一样。
我觉得电影很久没有变了,需要一个新的开始。
”就像电影诞生之初,观众看《火车进站》(1896)时,也会有身临其境的躲闪,因为它对于当时的观众来说太真实了。
所以,我们不该用传统标准去看待新技术,因为传统标准对我们已经根深蒂固,新技术还无法形成新的审美标准。
电影诞生之初如此,从胶片时代到数码时代如此,从2D规格到3D规格如此,现在从24帧到120帧依然如此,它们总会经历一个过程。
技术变革给未来的电影带来了无限可能,李安说他想发展数字时代新的美学、新的美感。
在《双子杀手》中,60帧/120帧的动作场面看起来像当前的运动游戏和射击游戏,因为大众对于电影感的进步需要适应。
《双子杀手》吸引李安的另一个重要原因是他可以同时用动作捕捉的数字角色与高帧率共同打造一场精心设计的动作场面。
120帧能够比24帧拍出更清晰的打斗,演员的每一个动作和面部表情都清晰可见,因为它的前后景深都是实焦。
关于这一点,我可以用两场戏佐证——当Danny和Junior见面时,花园前景有个石雕,你既能看到石雕的细节,又能看到远景两人见面的场景;之后,Henry和Junior在库特纳霍拉人骨教堂地下搏斗,你同样能看到前景一个头骨的细节和远景两人对峙的场面,使用画面内无与伦比的纵深,李安的镜头构成使观众可以看到画面不同景位的细节。
利用观众的眼睛在高帧率画面下可以捕捉到任何动作的特性,让前后景的动作戏相互竞争来博取观众的注意力。
如果放在以前,拍摄这样的镜头还得用"裂焦滤镜"(split-focus diopter)这种半凸透镜片才能完成。
《双子杀手》里的双史密斯对峙这场两个威尔·史密斯的近身搏斗戏,在银幕上只有短短四分钟。
李安和他的团队在后期却花了九个月的时间调整和完善,只为追求拳拳到骨的逼真。
李安解释说虽然这场打戏的编排节奏无法改变,他们增加了一些刮擦、失手和打斗来突出逼真的残酷感。
除了这场打斗戏,片中还有一场精彩的摩托车追逐戏,前置的调度、视角的切换、第一人称到第三人称的转变组成了一种全新的视觉语言和体验。
之后Junior又把他的摩托车当作武器,一次次扔向Henry,让他躲闪不及,观众会有如同玩游戏一般身临其境的体验。
《双子杀手》里的摩托追车戏120帧+4K+3D对于布光、打光的要求也更高,因为画面中所有位置都清晰可见,这为布光增加了太大的难点所以,片中的夜戏通常是日拍夜,再靠后期调成夜色,这样观众就可以无尽地窥视蓝色夜晚的全部细节了。
李安近几年致力于通过新技术重新发现新的电影美学和讲故事的方式,他确信“观影体验,远不止讲故事而已。
”——这是李安的原话。
看《双子杀手》的时候,我可以很明显感受到李安汲取了前作《比利·林恩》那些成功或者失败的经验。
我一直记得,李安筹备更久的关于拳击电影《马尼拉之战》原本应该是他首部以120帧+4K+3D拍摄的影片。
结果,《比利·林恩》和《双子杀手》都拍在了它前面,相信李安在《比利·林恩》里尝试的用3D表现人脸的细节,和《双子杀手》120帧对动作戏的处理、打光的方法等等都能在未来的《马尼拉之战》中得到更加充分的发挥,让我们拭目以待!
李安正在为威尔·史密斯的面部对焦
01杀手 李安的新片《双子杀手》是10月18号在北京上映的,上映的时候因为我不在北京,也就没有去看首映。
结果这就跟我拖稿一样,随便一拖就是二十多天—— 前两天,我才跑去电影院看了最高规格(3D/4K/120帧)的《双子杀手》。
《双子杀手》,豆瓣7.1看之前,我的期待值很低很低。
因为之前在网络上看到很多对这个片子的差评。
这些差评来自且不仅来自于各大媒体的著名评论人。
差评的理由基本上是且不限于是: 故事俗套,打斗无聊,毫无新意。
我真的是怀着忐忑的心情走进影院的。
看完,我的心落地了。
我可以非常确定地评价这部作品:深刻而优美。
一点儿也不觉得失望。
但与此同时,我也确实理解了很多对《双子杀手》的差评: 确实从剧情层面来说,这不是一个好故事。
从受众层面来说,这也的确不是一个特别大众化的作品。
什么叫大众化作品呢?
最近比较火的美剧《致命女人》就是一个典型的例子。
《致命女人》,豆瓣9.3其实从故事内核来说,它跟《双子杀手》一样,也是讲多方「博弈」、讲「夺人性命」、讲「自我成长」的一系列故事。
但你看《致命女人》就会非常轻松,跟着剧情线索走就行了—— 这样的美剧,其实它是诉诸人的生理刺激的。
演员、台词、服装、剧情…… 你放心,编剧和导演已经想好了一万种不让你犯困的套路他们绝对有的是办法让你兴奋。
《致命女人》在网络上被广为流传的一张截图而文艺片,或者说优秀的文艺片,往往相反—— 它们更倾向于给观众以心理刺激。
(注:这里文艺片主要是指导演的作者性比较强的电影) 这种心理刺激,往往又是需要本身有较为主动的思考习惯和思考能力做支撑的。
它不仅是故事,而且是理念、趣味、视角,甚至哲学等多种因素综合作用起来的有机体。
你得本身对这种东西敏感,才会嗨,否则,那些东西就会失灵。
所以好的文艺片对观众的观影素质要求,是会更高。
《双子杀手》其实就是这样一个作者性很强的电影。
它包含了李安的许多个人甚至是私人的表达。
同时,也因为它运用了新的电影技术,所以它是一个极富哲学性的作品的同时,还极富实验性。
如果不习惯动脑筋、不善于观察细节、也不热衷于主动获取信息的话,看《双子杀手》觉得无聊,是必然的。
因为李安确实不会拍爽片——或者说,他爽的点跟大部分人爽的点不一样。
他没事儿喜欢思考哲学问题,但是试问,有几个人愿意在电影院里看威尔史密斯纠结两个小时:「我是谁」「我从何而来」「我要去往何处」呢?
但李安不管。
这一次,他比以往都要来得更笃定、更强势,更疯狂。
他不仅完全不像一个65岁的老人,反而好像真正开始了自己真正的青春期,开始思考一个真正属于青春期的问题,那就是:「我」的未来。
此处,「我」一方面指电影,「我的未来」也是电影艺术的方向;另一方面,「我」也指李安自己。
「我的未来」也是在指李安个人的历史——在创造电影史的基础上,所书写的个人史。
他坚信120帧的优越性,他坚信《双子杀手》的艺术价值,他坚信自己是对的,其中必有一个原因是,他太清楚了:即便错了,这也必将载入「我的未来」。
这样的诱惑,远大于金钱,远大于地位,远大于奖杯—— 远大于那些他早已经唾手可得的东西。
「未来」,或者说「史册」,是真正的高强度的刺激,它能无限地满足李安那已经非常人所能想象的阈值。
所以,李安六十五岁了,但是他拍片的激情却越来越饱满,越来越像一个真正的杀手。
这不是因为他天生神力、精力过人,而是因为他想到了自己要去哪。
在大家感慨「李安老矣,尚能饭否」的时候,殊不知,李安已经在那个通往「未来」的战场上,杀红眼了。
正是因此,他才开始直白地表露自己对剧情、对故事的不在乎——故事,是自古就有的;但电影这个东西,却是依托于摄影技术以及放映技术的产生,而产生的。
电影史绝对不是一部剧情片史,而是一部「如何定义电影」的实验作品史。
过去一百年,电影人们是在通过不断地去定义「电影是什么」,来给电影创作者以创作方向的;电影艺术是在这样的推动下一步步走到今天的形态的。
李安深谙此道,所以,他开始重视电影技术创新,他开始索要导演「真正的权力」。
「那观众有兴趣的,其实是人物和情感;你拍电影拍得多了不见得对这个开始有兴趣,(用)那些东西去满足好像变成你的工作一样,而不是你的权力。
」
本文,我们就来简单地窥探一下李安。
不是那个钝感的、宽厚的、温吞的李安,而是那个锐利的、激进的、杀气逼人的李安。
02自我 有句老话叫,小孩子才有杀气,大人都只看利弊。
我总觉得,李安是在从拍《少年派的奇幻漂流》开始,重新获得那种——孩子气——杀气的—— 那好像是一种,终于开始可以直面内心对「满足他人」的烦厌的痛快。
我(拍那么多电影)到现在,其实我对于观众想要什么,感到一点烦厌。
生活有时候特别有趣。
有些人自小就是那种不好惹的刺头儿,长大后反而渐渐被磨平了棱角; 可也有些人,从小含蓄隐忍,长大后却逐渐发现自己原来獠牙锋利,是断然不好对付的食肉动物。
李安,无疑是后者。
他2017年接受杨澜采访的时候,曾经说过,自己不可能像昆汀·塔伦蒂诺那样拍电影,原因是:「我想每个人都还是有个限制,虽然大家觉得说我做片子,好像什么都可以做,不是这样的。
」
刚说完自己有限制,转身就做出了《双子杀手》。
跟并不赚钱的《比利林恩的中场战事》一样,李安还在坚持没人看好的: 3D/4K/120帧。
这个时候,我才仿佛读到李安在采访中没有说出来的的下一句话,那就是: 昆汀·塔伦蒂诺也有他的限制,他做不了我现在做的。
昆汀·塔伦蒂诺以我看来,才是真实的李安:你以为他是没有战斗力的「猪」,但他确实艺不惊人死不休的「老虎」。
他从《少年pi》做到《双子杀手》,从24帧做到60帧、再做到120帧,他还不满足,还要在这个基础上,再不断加码。
现在,他已经用特效制作出了真人演员来演戏了,这种突破常识的想象力和独行背后承担的压力,年轻和热血得让人羡慕。
(除了技术难度之外,李安还背负着巨大的票房压力,《比利林恩》的最终票房收入甚至无法补足投入的成本)
《少年派的奇幻漂流》,豆瓣9.0陈文茜问李安:《双子杀手》这个故事为什么打动你?
李安回答道: 不是故事。
其实我觉得,故事你可以瞎编。
故事,是你把你的主题阐释出来的一个载体、一个工具。
有的人看故事,就是看故事(情节发展);可是对我来说,故事只是一个承载体,一个结构上的工具,没有它你没办法开场,没办法收场。
那《双子杀手》这个故事也好,其实主要是一个构想,而这个构想就是「复制人」。
它是指人跟自己打斗、挣扎、互相毁灭、然后互相扶持(的一个过程),(我是在)把一个内省的东西、抽象的东西,把它具体化。
这就是《双子杀手》在探讨的内容。
它的立足点,其实是概念层面的。
而这个概念,之所以能打动阅片无数、拿奖拿到手软的李安,我认为最主要的原因是:内容上,他可以在《双子杀手》这个故事里,延续他要讨论的「自我」的这个议题。
早期李安的作品,比如像父亲三部曲,其实还是在讲社会、讲家庭关系,讲相对来说宏观一些的事情的。
它们都很写实,它们把人与人之间的东西,拍得明明白白但《卧虎藏龙》之后,李安就开始更多、也更强烈地进行「自我」探索了。
李慕白、绿巨人、少年派…… 这些人物,哪一个不是李安自己?
《色戒》《断背山》《比利林恩》这所有的片子,哪一部不是在讲:李安的理性与感性。
真的,他其实不太关心别的。
他这一生的艺术创作,就好像完全是一个双手互博的过程。
他对于日常性问题的思维层面是很清醒的,但是他依然寻找着自己灵魂深处触不可及的幻觉。
所以《双子杀手》里才有这样的镜头:
模糊。
浓郁。
骤变。
好像人生不可测的历程。
那种矛盾与复杂、那种你溶于我、我塑造你的生命必然,都被李安藏进这样的画面里。
它很写意,但它就是我这样的人,看到会爽的地方。
李安是从做《少年派的奇幻漂流》开始,越来越喜欢玩这种捉迷藏的:不是藏什么故事,而是藏一点… 好像不能用语言精准描述的感觉。
大家没有发现吗?
《少年派的奇幻漂流》其实就根本不是一个故事,它没有什么真正意义上的情节上的高潮可言。
它只是一场对于外人来说,无法窥探的海上漂流。
它是一个秘密。
这个秘密揭开来就是,李安在说:我「杀」我自己。
(我在不断地对「自己」进行迭代)就这么点东西。
《卧虎藏龙》也讲的这个,《双子杀手》也讲的这个。
但是在那个打自己的过程中的痛苦与挣扎,好像能从他的心里,连接到我的心里。
我没法简单地用语言形容这种连接的产生,但是,我曾经历的某种痛苦、某种困惑,以及某种绝望与希望的拾取,都被唤醒过来。
这就是我给李安、给《双子杀手》打五星的原因。
我觉得我看完获得了一点点安慰。
而这种安慰,我从他的每一部作品里,几乎都获得了。
所以,我赞同李安自己表述的:「一部一部作品,大家看我在变化,其实我好像,只是在拍一部很长的电影。
」
而这部很长的作品,是无限向内的。
所谓的120帧,说白了,也是李安斧凿自己内在的一个工具。
这就跟挖井一样,挖到少年派,他发现工具不够用了,于是找一个新的。
03真实 人人都在问他,为什么要用120帧来拍电影?
拍《比利林恩的中场战事》时,全球还只有4-5家影院可以放映120帧、4K、3D的规格时。
全球的导演,此时都还在用每秒24帧的方式拍摄电影。
——为什么还是要这样去做呢?
对此,李安具体说了三点。
第一点:「就是很想看啊」。
「想要做到最好的舞台、最好的灯光,看会是什么样子、要怎么演、最好的观众是怎么样」。
想看,就做。
李安坦白自己的欲望。
谈到120帧,他也承认有时候「非常无奈」(因为几乎没有人理解), 可是也因为它而非常兴奋,所以他有兴趣去探索它。
不仅是要做《比利林恩》和《双子杀手》,未来如果有条件,他还会继续这样去做其他电影。
在没有遇到120帧之前,李安说他从没有想思考过,为什么要用24帧拍摄电影。
后来去想,才发现原来因为对于彩色有声片来说,24帧只是最低规格,而非最优规格。
大家只是习惯了这样的做法。
但,这种情况又会维持多久呢?
李安,做出了他的思考,他也选择了120帧作为实验的方向,并且现在加入了「创造真人演员」的部分。
对此,李安说得很清楚:尝试120帧,不等于放弃24帧。
正如我们现在有彩色片,不等于我们放弃黑白片一样。
2011年奥斯卡获奖作品《艺术家》即为黑白电影而这些信息,其实并没有被有效地传递给大众。
120帧与24帧,似乎被理解成了一种对立的存在。
第二点:针对不同的放映规格,李安全部都进行了单独的创作。
也就是说,拍摄的时候,李安用了最高规格去进行拍摄,但是在制作的过程中,考虑到放映设备的问题,他依然依据不同放映规格的特性,去单独进行了制作。
「当我每做一个降格、每做一个放映(的时候),我都就着它的特性,重新创造一遍,甚至是2D版本,有120格有24格的,我都去重新把它那个打光等各方面,重新调整一次。
」
「其实艺术有时候会有一个补偿作用,当你没有什么东西去补偿它的时候,它本身就有价值在里面。
」
李安的意思是3D/4K/120帧,固然是针对他最近两个作品最佳的观影形式,然而:一个本身就富有艺术价值的电影作品,绝不尽然依赖于放映的形式。
换句话说,李安仅仅只是提高了电影制作和放映的规格,但是他并没有去真正意义上去挑战电影的叙事的语法。
说白了,觉得120帧好看的人,也不会觉得24帧就不好看。
第三点:3D/4K/120帧这种高规格的技术,实际上是为了让观众对「人」的阅读更深入。
「3D其实应该用来拍人脸,因为我们人生在彼此看的时候,就是这种方式。
」 「扫描对方用两个角度,同样的方法,然后我们人是能看得更清晰,只是没那么大。
所以我觉得3D应该用在戏剧上,而不是动作上面,现在正好相反。
」
「3D最应该做的,就是对脸的阅读」「它不光是捕捉细微的表情,而是在这个清晰度下,即便所有演员都没有化妆,但是她们的气色你看得进去,拍的时候,他内在有的感受,你都会跟他感同身受。
」
「(这个技术)感染力很强,它不用靠演或者靠台词来告诉你,他的感受是什么样的。
」「在这个技术下,演员要真的有足够多的东西给观众看才行,他的眼睛里面要让观众能够感受到人物活过来。
」
这一点,其实也是李安对于120帧的追逐里面,最重要的一点支撑,那就是:他所追求的技术,实际上也是他所追求的「真实」。
换句话说,李安认为,我们现在看的电影,远远不够真实。
那么,什么是「真实」呢?
李安从表演层面聊了这一点。
他的意思大概是,在2D、慢帧率的情况下,我们对于演员的宽容度其实也会比较高,因为低帧率下,演员与演员之间表演的细微差异,并不容易被发觉。
但是当拍摄规格变成了3D、4K、120帧时,演员与演员之间的表演差距就会被急剧放大,演员的表演细节一定会随之在人眼中更清晰——这种清晰意味着,演员表演的一切都会被放大,这种放大尤其包括对演员表演时心中的空白的放大。
而这种空白,实际上就是表演上的一种「虚假」。
因为我自己看了好几次120帧的放映,加上我本身对于「表演」也有一点点自己的研究,所以这个观点,我非常认同。
没有为什么 ,就是能感受到。
当我看《比利林恩》时,比利林恩站在舞台中央,李安给了他一个360度的旋转镜头,我深深地被那个镜头震撼了。
我深深地感受到他与那个世界之间的距离。
我也深深地感受到他无以抗争的无助。
我第一次看《比利林恩》时,前半个小时我只是觉得特别清晰,但是其他的感觉并不强烈,我还跟朋友确认了一下这就是120帧吗?
直到我被那个镜头撼动。
如同李安所说,高规格的放映其实是增强了人们的感知能力,它让电影的里的世界跟真实世界之间的界限更短促,也更模糊了。
李安:不止看得到,还感觉得到。
主持人:对。
李安:那种感觉是很奇怪的,你看得到的东西你可以分析,感觉到了却说不出来。
我是基于第三点,给《双子杀手》打五星。
其实真的不是说别人不喜欢,我就喜欢。
而是,我在电影院里看着老年威尔史密斯跟青年威尔史密斯在摩托车上较量的时候,我看着他们彼此看着彼此的时候,我也感受到一种无以言喻的时空感。
那种时空感仿佛比我过去理解的三维,要更三维。
我有一点点进入到老年史密斯身上的感觉。
对,这甚至都不是一种进入人物,而就是「进入演员」。
并且在这种进入中,我能够非常迅速和强烈地获取导演意图,进行自我寻觅。
所以我才说,我对这个电影的评价是:深刻而优美。
我看着青年史密斯一次次打倒老年史密斯,我看他们激烈的打斗,却听着神秘安稳得如同一场独舞的背景音乐。
我臣服了。
五体投地。
我作为一个观众,我给电影打分,一定都是尊重我的体验、以及综合认知的。
我打的高分电影,一定是我认为它的亮点,足够亮,亮到了一种特别的程度;低分同理。
绝大多数情况下,我都会给出我自己评判的理由,而这个理由对于其他人是否适用,我不在意。
我在意的:是作品给我的内心留下的「痕迹」,是它对「我的自我」产生的塑造;是创作者与观众交流的意图是否「真实」。
那么又回到那个问题,什么是真实呢?
我不知道,或者说我也只是模糊地知道,李安也是模糊地知道,所以我们去采取一些方式验证我们的推测——比如说,「杀」掉过去认知,建立一个新的。
也是最近,陈冲与许知远有一个谈话。
陈冲问许知远: 现在的年轻人追求真实,但与此同时,在中国最好卖的一个软件是什么?
许知远说:修图的对吧。
陈冲说: 对,所以就是(我们现在)对真实的质感有一种失去,它是通过一层(滤镜)磨光了以后(来被看待的),这不是对生活本身的一种关注。
这种东西,容易得多啊。
你在里面,有安全感。
我深以为然,我也相信——真实,就是去往「不安」。
我这一代人,包括我自己在内,我经常会觉得自己对于「安全区」的沉溺是过量的。
所以所有人生的决定,当你要用自己的良心去做分析,用自己的良心去感受对错,会很艰难。
但是这个其实是人应该有的。
嗯。
所以,其实短暂的对错并没有那么重要。
重要的,还真的就是人不断地正视自己、不断地寻找真实的过程。
即便没有真实。
但有趣的是,「寻找真实」也是在「创造真实」。
这就是电影,或者说艺术特别值得玩味的地方。
有时或许是我太过敏感?
我总是能在李安的电影里,看到他一遍又一遍地解构自己,重建自己,拆胳膊卸腿,动作利落得让我常常忍俊不禁:像李安这样天天「杀」自己的杀手,真是睿智又可爱呀我也要去试一试。
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下午在外媒关于《双子杀手》的报道和评论中读到一句话:Too much realism is the natural enemy of illusion.——这句话可谓一针飙血,直指问题核心,也勾起了我探讨这个议题的欲望。
千百年来,西方绘画是一门在二维画布上创造三维错觉的艺术,一般意义上的自然主义和现实主义是西方绘画的传统。
但是,除了少量运用Trompe-l'œil技法的静物画是追求以假乱真调戏观众,绝大多数绘画都不追求百分之百地复刻物理现实,它们追求的是从观众视角的心理现实。
我们说伦勃朗的肖像画栩栩如生,简直把人画活了,不是指他画的纤毫毕现,连画中人的每一个毛孔都仿佛在呼吸。
事实上,他很少使用如此细腻的手法,他大量使用粗砺和厚涂的笔触,根本就看不到任何毛孔。
当观众在一个布展和打光都很专业的博物馆里看到他的作品时,却明显地有一种画中人随时要从画布上走下来的心理真实感,这种高潮迭起的审美体验就是观众需要的。
这种心理真实感的营造,是通过光影色彩的巧妙调配、人物情绪和场景戏剧性的悉心刻画综合而成的,而不是通过追求物理上与现实的精确相似性来达到的。
事实上,一幅看上去跟照片一模一样的画登不上大雅之堂,你不过是技巧高超地抄袭了一张照片罢了。
西方当代艺术中的照相现实主义,也不是复刻照片,恰恰它是超越了照片的真实感,衍生出一番新的审美趣味才得以成立。
(当然了,有些中国艺术家追求画得跟真的一样,只能另当别论。
)一言以蔽之:非不能也,是不为也。
以达芬奇或者伦勃朗所掌握的天才技法,他们完全可以把一幅肖像画到百分百高保真的程度,但是他们没有这么做,正因为如此,他们是伟大的艺术家,而不是平庸的画匠。
他们懂得艺术的真谛和取悦观众的秘密。
这一点,恐怕正是李安导演所陷入的误区,他从不懈追求心理真实转向了极端追求物理真实,并将其视之为一种革命性的创新,一味地指望观众来适应这种全新的观影方式,却丝毫意识不到脱离了心理真实的视觉革命,或许只是在缘木求鱼。
对于《双子杀手》的视觉呈现,具体分四条来讨论。
第一,对于片中大量的非动作场景,镜头所呈现出的高度物理真实严重缺少心理真实感,那些日常场景带给观众的感受,与我们的日常感受不符。
比如说,我们走进一个房间,在快速扫视之后目光会被某个显眼的物品所吸引,从而自动忽视了其他物品,而不会是像在本片中,由于背景里有大量的物品是清晰可见的,观众的注意力就容易被分散(特别是在没有对白的片刻或者对于英语听力不错的观众),但实际上这些物品并不存在电影语言上的指示性;类似地,当我们跟一个人面对面交谈时,我们的主要注意力就是对方的眼睛和嘴巴,而纤毫毕现的电影却让观众会注意到特写镜头里演员脸上的毛孔甚至睫毛的根数,这些琐碎的细节信息跟电影有什么关系呢?
观众掌握了这些信息有什么意义呢?
这就回到了一开始说的伦勃朗的肖像画,观众进电影院是欣赏演员的表演,不是观看毛孔的呼吸。
正是因为心理真实感不存在,观众看到这样高度物理真实的场景并不会有身临其境感,反而觉得它“太假了”。
这正是标题那句话的含义。
如果物理真实就可以带来身临其境感,古希腊剧场里的演员为什么要戴上面具呢?
电影片场的演员为什么要额外扑粉化妆呢?
艺术中的现实主义与现实不能直接划等号。
第二,对于片中的运动场景,存在的问题是类似于第一条的。
人类的眼睛天生就无法看清高速运动中的物体,我们一直也就是这么在看世界,那么你把远处一列高速行驶的火车上的乘客都让观众看清的意义是什么?
无效的镜头语言,只能沦为抖机灵式的奇技淫巧。
还有摩托车追逐那场戏,我相信很多观众都领略过无数好莱坞大片里惊险刺激的此类场景,其中高速飞驰的惊险感,很大程度上就是靠视效上的运动模糊(motion blur)配合音效上的各种嗖嗖嗖来营造的,结果到了《双子杀手》里,观众看到了全程运动清晰的一场追车戏,我们像交警调用慢镜头监控录像一样把过程看得清清楚楚,就差认定谁是交通肇事者啦,可是惊险感还剩多少呢?
技术进步固然可以超前并引领观众,但观众作为具有特定生理构成的一种生物,也注定了技术必须要以人为本。
否则的话,干嘛不大胆创新地用人眼看不到的非可见光来拍电影?
或者用蜜蜂的复眼视角来拍电影?
技术上都可以实现的嘛,可是这些跟人有什么关系呢?
第三,对于片中的打斗场景,镜头所呈现出的高度物理真实不一定要符合心理真实,毕竟观众都明白动作戏是假的,是与日常生活经验有距离的(平时围观旁人打架我们看不清每拳每脚)。
那么可以将其理解为一种艺术上的全新视觉语法(比如当年《黑客帝国》里惊艳观众的360度旋转场景),但此处仍然存在一个问题:观众一定要把动作场面的一招一式都看清吗?
比如张艺谋在《英雄》里玩慢放式的武打动作拆解,想传递的是片中角色的武学和哲学理念,那么李安导演你的意图是什么呢?
本片中几场打斗戏本身谈不上多精彩,如果看清一招一式对审美不构成额外的增益,不会让大脑中更多的神经元产生兴奋,那么它就再次沦为奇技淫巧。
反过来想,诚然有不少粗制滥造的动作电影里的打斗场面确实糊观众一脸,但仍然有不少优秀的动作电影做到了在24帧的条件下让观众看得赏心悦目,最经典的例子当属《七武士》,黑泽明采用了多机位摄影加镜头时间上的部分重合。
如果24帧已经存在解决方案,为什么一定要换成120帧呢?
就算帧数确实应该与时俱进地增加,为什么一加就是120帧呢?
如果说当年的24帧是囿于条件的武断选择,那120帧经过了科学论证吗?
更何况你拿出的最终产品并没有什么惊世骇俗的效果。
第四,目前对于120帧的运用还存在一个明显的短板,就是摄影机没有相对应的技术更新。
我想很多看过120帧的观众应该注意到了,演员的一举一动常常存在一种不正常的微小卡顿感,在日常一般性的动作中尤其明显。
按说提高帧数就是用来解决卡顿问题的,但却造成了新的卡顿:这是因为虽然帧数更多让演员的动作更连贯,但是摄影机却没能保证同步的连贯,当摄影师操纵的摄影机不是沿着某个方向精准地匀速移动,或者在移动过程中产生了任何微小的抖动,就会造成画面的卡顿。
在《比利林恩》里,由于好歹剧情丰富、画面色彩鲜艳,我还能比较多地忽视这种卡顿,但在《双子杀手》里,由于剧情老套无聊、画面暗哑无光,这种频繁存在的卡顿就加剧了我的出戏。
因为它“太假了”。
最后想说的,也是我在看过《比利林恩》之后就说过的,我绝不是技术上的保守主义者,相反,我无比乐见为电影带来革命的新技术。
症结在于,李安导演执着的这个新技术并没有带来什么开天辟地的新革命,至少两次答卷都不令人满意,甚至是问题多多。
在我看来,他很可能犯了一个方向性的错误,观众所追求的绝不是把什么细节都看得清清楚楚。
否则的话,我也可以立个flag,开发一种新技术,不仅能让观众看清演员脸上的毛孔,而且连毛孔里的螨虫都能看清,那绝对是一个更加接近物理真实的视界,但它却跟观众的心理真实渐行渐远。
希望李安导演不要在迷途上越走越远。
8.0 3D60帧,这么多年受够了3D无时不刻地折磨自己的眼珠之后,终于享受了一会这种早就老去的新技术,而且今天又一次感受到真实是一种恐怖。电影说来说去,还是一部父子关系电影,太合我意。无数电影人绞尽脑汁在银幕上表现人物内心冲突,而李安则简单粗暴地做到极致,我们根本不需要追踪人物的历史,只要听这个人说自己如何如何苦,然后再看他和“他自己”撕打在一起几分钟就够了。在结尾之前,和看《比利林恩》时一样,感到一种贯穿全程的幼稚,但这种幼稚是老人回首式的幼稚,《双子杀手》结尾的幼稚,则是突然跳楼一样堕落到小学生作文水平。最后还是那句话,当所有人在思考电影是什么的时候,你偏偏不,这样会显得酷一点。
四星半。《双子杀手》昨天国际评分开分,不是太理想,但我坚持自己对于李安的判断:这部电影的最重要看点,并不在于拍了什么故事,而在于用什么样的方法/技术手段去讲故事。这是关心故事和奇观的观众,通常会忽视的切入点,他们不晓得,安叔要做的,以及怀揣的雄心,其实是要重生一种新的电影语言概念——它可以放置于各种传统商业类型当中,正如《比利林恩中场战事》《双子杀手》和未来的《马尼拉之战》中,并配合道道地地的李安作者风格,比如对父子关系的一贯探索。讲真,想到一种面向未来的电影语言可能由我们华人开创,我是激动的——戈达尔说,电影始于格里菲斯,终结于阿巴斯。安叔要做的,就是当21世纪的格里菲斯。
如果不是看120+3D+4K的话,我可能还会因为其中动作戏的设计给个3星,但是……片头一开始有一堆和故事内容结合得比较好的展示3D与120fps的镜头设计,但是越到后面越感觉到这片子追求的电影美学是错的,1.38亿美金制作成本拿个零头逼侯孝贤拍个3D片怕才是唯一拯救3D电影美学的方法…如果这个片子在国内票房能救起来那只能证明3A游戏在中国的普及程度已经导致观众欣赏口味落后全球了…话说这编剧到底是有多爱神海系列?一路致敬到尾。这片子拍摄难度其高无比但是展现出来的结果,不止是故事,连技术和艺术上的创新都极其无聊…
我有点怀疑李安自己也不知道该如何定义这部电影,剧情没有丝毫推动力,人物刻画单薄而缺乏情感,动作显既科幻又实际,我甚至无法理解布达佩斯这个城市在电影里存在的价值,最可笑的是连51岁这种低级梗也玩了二次。最后一段毫无意义的对话让人喷饭…感觉李导演连克隆人是人这句话都没有批判清楚,哎,可惜。宣传里,李导讲面对年轻的自己讲什么,我的回答那就是"什么都不讲"
李安还是在用电影做严肃的人文表达,但是水平和你瓣煞笔文科生基本持平。这种表达在《推手》里真正找到了一种生成机制,但是这部电影里表达=自恋。这不是一部很烂的电影,但是在李安个人的作品里,是最差劲的几部之一。附带的意识形态表达和对技术的探讨,都极大妨碍了主题本身,导致文本逻辑都是混乱的。
#影城CINITY 120fps/4K/3D的技术水准远超《比利林恩》,有时感觉电影银幕只是一扇落地玻璃窗。《双子杀手》本应该是《双子人》,一个关于被创造出的克隆杀手转化为有情感和弱点的人的故事。结尾悖论般的代“子”弑“父”可能包含着对未来的矛盾看法。
纪录电影销毁表演,VR技术抛弃剪辑,120帧祛除摄影的迷惑性。于李安而言,电影的未来在于消灭“导”“演”,以创造实境取代引导视线,将观察摄取而非观看接收的权利交予观众。双子杀手这一后现代幻象式符号被一种极端朴素保守的方式呈现于银幕之上,在时间漩涡之中反复震荡。为什么李安的哲学未能贯彻到底?剪辑与表演被过度依赖,120帧的上限远不止于此。
之前就说过,我一点都不期待剧情。我再把第一次看预告片的想法写一遍:李安这个年纪和成就,完全可以像大部分导演一样躺着吃老本,停留在自己的安全区里。而他一个,连电脑都不会用的人,还在尝试新的技术,新的类型。这次的感觉是他在尝试打破电影真实与虚假的边界。120帧+3D+4K太真实了,没有任何多余的调色和花哨的摄影剪辑技巧也都太真实了,真实到感觉虚假,但又觉得神奇。(原谅我语言能力有限)最后想再说一次,认真拍电影的导演很多,但李安是真正认真对待电影的人啊。Respect。
#6666留给安叔。虽说有着极为症候的“认贼作父-指父为贼”套路,仍然是一个放到过时的剧本,但是也是试水新技术的一个相当合适的体量。已经在相当程度上解决了[比利·林恩]的高清电视感问题,最用力的地方实际是观众很难意识到的地方——观看3-D的舒适度问题,对负视差区的极为精确的控制(稍稍浮出银幕一点)加上120FPS,真是有史以来最舒服的3-D体验。影片完成了各种奇葩场景的技术测试(摩托车那场戏还是浮夸了一些)。史皇的演技控制得也是很到位(不浮夸真的很难……)。大概是拿了匈牙利的资助所以非得去风景名胜来一段,但是里面的那些你/我的梗还有那个槽点无数的尾声段落,简直是刚从学校毕业的编剧新手的贫嘴水平。不过这种片子谁还要关心剧作啊!但是!2019年一定要被写入电影史的片子恐怕就得是[狮子王·真狮版]和[双子杀手]了!
还是原始社会好,艺术就是开开心心地在墙上画牛,没这些乌七八糟的东西
故事情节太无聊了 动作戏也只有那个长镜头不错 可能是我这放映机不行吧 这镜头还没美过少年派 而少年派已经是六七年前的作品了。
太失望了!知道你这部片的核心是技术,所以对剧情已经毫无期待,然而最能凸显技术的动作戏也非常业余且观感极差。虽然李安想要试图开拓,但如此的质量显然无法展现技术必要性的一面。其实还是挺希望李安能找到这项技术的突破口,只可惜这样糟糕的成绩很难打动未来的投资方。
剧情虽然有点老套,但是导演的功力是在的。120帧的逼近感和真实感,以及一个演员的少年,青年和中年同框,已经很过瘾了
4.5。估计上映后是争议很大的一部电影,我其实不太喜欢上一部比利林恩,所以比起来我觉得这一部要好太多太多!60帧确实超出想象的范围,但120帧4K可能更加流畅?等我二刷!不太确定这是不是“未来”,但动作场面、追车场面都确实很精彩!最后,我想说我一直更期待的是搁置的那部《马尼拉之战》!(二刷120帧4K过后我还觉得蛮喜欢的,推荐120帧,看60帧的时候还吐槽说感觉像看蓝光卡住了一样,120帧确实非常流畅了)
制作技术已经如此天下无敌,故事就应该简单粗暴点更好,可惜了。
豆瓣超前点映,传统的“摄影机每秒撒谎24次”,感谢盗梦3D60帧的谎。正片120帧会二刷对比。#不搞科技的武指不是好导演#,这片子故事和特效都值得看。1故事:我们年轻时总想把所有事和人都看透,弄明白,不明白就慌,一慌就死磕,过来人管这死磕叫南墙和黄河。 长大了才明白,这慌就是青春,等你TM不慌了,你也就老了。但让你再活一次,相信我,这些南墙和黄河,你还是会死磕。你拽着跟我说你还年轻,没事,再过30年,你就也不照镜子了。2特效:真人特效吓到我,上次被吓还是《爱,死亡和机器人》Love, Death & Robots。两场打斗太爽了,枪械追车和骷髅地窖肉搏,呼哧哧的能听到风那种,上次看得直往后躲还是《突袭》。这片子就是李安说的:“观影体验,远不止讲故事而已”,你不去影院会后悔。现在相当期待《马尼拉之战》Thrilla in Manila(2020)
美国太村了没地方看 120fps + 3d + 4k。我是支持李安的技术革新的,年纪大了总得做些自己想做的事,这也才看清李安的天命不是家长里短不是江湖武侠而是技术与真实。如果能克服技术先行,进一步探究人和自己的关系、衰老、“父子”与自我,加上拉康的镜像理论,《双子杀手》讨论的话题就很深刻了。在这里,人被劈成的两半不是阴和阳,而是年轻和年老。BTW 如果大多数西方观众欣赏不来李安在技术上的野心,那 tech-savvy Asians 的春天要来了!附上 indiewire 优秀的文章:https://www.indiewire.com/2019/10/gemini-man-ang-lee-interview-promise-digital-hfr-3d-cinema-1202180316/
一部节奏紧凑、合格流畅的好莱坞商业片,但也仅此而已。大家似乎都想知道:如果克隆一个你,和你本人会不会完全一样,当然不会。你们虽然基因一样,生理层面一样,但出生时间不同,出生环境不同,因此星盘不一样,性格就会不同。比如说你是一个日摩羯月处女升金牛的群星土象星座的人,克隆你的诞生时间却是日白羊月射手升狮子的群星火象,那么克隆你比你本尊要外向冲动得多。
3.5 不比好莱坞这几年一些乱七八糟的续集重启好?
用金刚狼3、终结者、月球等等玩腻了的老梗,李安这是举起石头砸自己的脚。