读影史就很无聊,读《低俗电影:米拉麦克斯、圣丹斯和独立电影的兴起》就很有意思。
去了解最早一批电影人是如何工作的,经历了什么,后来的电影保护工作者又干了什么,以至于今天你可以下载到梅里爱的全集,或是任何一个你喜欢的老导演的作品,看一部《雨果》远比读一本苦涩的书来得有趣。
毕竟大多数人愿意被少女引路而非老妪。
之前也有一部电影,同样是冲着“奇幻”去看的,看完发现和奇幻无关,就是《仙境之桥》。
我毫不后悔看了这部电影,反而是非常感恩,看了两遍,哭了两遍。
说一个笑话,许鞍华说,让你猜不到下一秒的剧本,才是好剧本。
比如在影院里坐在我旁边的两个老人,说,诶,钥匙怎么掉火车轨上了,其实是在做梦;说,啊,胶片肯定要断掉,最后胶片没断完整的放完了。
好吧,这是一个很糟糕的笑话,证明了这片子剧情有多么不坎坷。
跟《仙境之桥》类似,这也是讲了生活中实实在在的事情。
你要开始接受与你一起做梦的好友去世的事实,也要开始接受梦想与事业被破灭的事实。
但是这些让你快乐的事情存在过,不会跟着时间一起消失。
这部电影3D效果绝佳,画面感大赞,配色非常抢眼,是我看过的最赏心悦目的电影。
:“如果你不清楚梦从哪里来,那么就看看周遭,这里就是梦工厂。
”马丁·斯科塞斯渐入古稀,然人虽老却童心未泯,这次老马玩起了非常规儿童题材。
在切入正题前,简单回顾下老马的影坛奋斗史尤为必要。
你好,乔治·梅里耶!
《雨果》,如果没记错的话,应该是老马第一次涉足温馨的儿童题材。
固然影片是以雨果为主角展开叙事,其故事的核心却不是讲述丧父雨果坚强面对生活并勇敢成长的儿童励志故事。
从人物表演来看,雨果的内心、性格立体感的刻画并不是影片所要表达的重点。
这部影片的特点就在于:通过雨果完成修复机器人的梦想来展开一位电影史上最伟大的人物——乔治·梅里耶。
乔治·梅里耶将表演、布景、情节代入到初生的电影艺术,也建立了第一个专业的电影工作室。
正如影片中乔治·梅里耶所说:“如果你不清楚梦从哪里来,那么就看看周遭,这里就是梦工厂”。
全片共有两条线索,第一,雨果修复机器人的顺序线索;第二,乔治·梅里耶的跌宕起伏人生被逐渐揭开的倒叙路线。
联系两条线索的关键便是机器人。
雨果通过机器人寻找到已经隐姓埋名多年的电影大师乔治·梅里耶,乔治·梅里耶通过机器人以及雨果的真诚逐渐向人们透露了自己从影的坎坷人生。
不知老马有意,还是无意?
片中的机器人是多么的面似奥斯卡金人。
乔治·梅里耶用这个机器人的零件改装成了摄像机,从而将电影带进艺术殿堂。
雨果的工作便是修复机器人、保护着机器人,直至机器人物归原主。
修复机器人的情节含义意指重新发现梅里耶;而机器人物归原主的情节则暗指梅里耶才是电影“梦”的发明者。
影片最后一个段落:乔治·梅里埃影像展在大剧院隆重上映,老马对大师的致敬达到高潮!
大师光芒重新闪耀!
孤独的雨果走向了乐观开朗,冷漠的警察收获了爱情、坎坷的乔治·梅里耶散发大师魅力,影片以皆大欢喜收尾。
或许,对于乐观浪漫的法国人来说,孤独、坎坷、冷漠是那几分忧郁所致,当犹如阳光的真情融化这几分莫须有的忧郁,一切便都浪漫起来!
如果说这是一部传记片,并不是为雨果立传,而是为乔治·梅里耶立传。
至于影片为什么选择这个角度,或许原因如下:如果以乔治·梅里耶为主观视点讲述大师故事,主观色彩未免较重一些,而从他者的视角出发,用烘托方式则更显其伟大。
这部电影在新加坡上映的比其他国家晚了三个月,所以昨天才去影院欣赏了它的3D版。
必须承认我被其精致的画面和色彩吸引了,无论开场如齿轮般的城市环岛,还是一上来那个在火车站内穿行的长镜头,都透着一种像孩子眼中玩具一样的美。
略微不适应的是穿行镜头前进速度快了点,恍惚中有种坐过山车的感觉。
情节的确是略显沉闷的,我觉得主要是因为不同于大家所习惯的“大片”套路,前面伏笔无数加上点笑料,后面大场面跌宕起伏出人意表。
这里更像一个安静而繁华的梦境,前面的铺垫在于帮你感受这个属于电影的世界,后面再把电影史的故事娓娓道来。
当女孩儿说“I love secret”的时候,梅里埃的夫人说“It is not the sadness child should take”,Hugo说“You should understand”的时候,我觉得这里的演技都足够足够好了。
另外想单独提一下的,其一是通往梅里埃(那个玩具店的老头)家里路上的那8个阴森森的雕像,前后出现大概三次,第一次看到时候色彩渲染的宛若目地的幽灵。
总以为后面会交代一句,比如是以前的电影道具什么的,然而却没有出现。
倒是小雨果自己的梦里好好的惊悚了一把,火车冲出站台的场景在预告片里看过后一直以为会出现在最终的追逐中,却没想到是在梦中梦里,而第二个梦,当小男孩看到自己变成齿轮和法条的胸膛,配合上当时的音乐,我俨然觉得自己穿越到了咒怨的世界,真不敢相信这还是“儿童片”的范畴。
其二是预告片里的蒙太奇运用真是各种误导,虽然似乎这种手法在各种预告片里屡见不鲜,还是让我有一种“错过了什么情节和画面”的感觉。
比如只看预告片,火车站管理员肯定是要撞进蛋糕里的,而小男孩是在慌乱逃窜中撞上的梅里埃的养女,而实际上都不是。
这片绝不仅仅是致敬那么简单。
你真觉得火车站保安的戏份是多余的吗?
看看他是怎么瘸的?
战争啊。
看看梅丽爱是因为什么停止了拍电影?
战争啊。
人们在战争中已经看过了太过的现实,经历过太多的伤痛,谁还会去看梅丽爱的那些美丽幻想呢?
那你以为这是讲战争的?
当然不是了,这是讲电影带给人们的快乐,这是讲老马对于电影的热爱。
现实的残酷与电影的快乐,这就是老马童年的写照。
斯科塞斯在这部电影中将他的现实藏了起来,将那份一直存在于他最心底的纯粹快乐搬上了荧幕,从这个角度说,关于“情感幼稚”的批评越多,他的这部电影就越好。
对于电影最原始的爱以及反过来电影带给人的最原始的快乐,这些东西才是老马想要说的。
正如roger ebert所说,“这不像他任何一部作品,却最接近他的内心。
”也许每一个现实的头脑下面都有一颗纯真到不能再纯真的心。
关于保安那条线我简要说下:保安那条线其实不只是点明“战争”,更是在讲战争带给他的心理(自卑,对于流浪儿的粗暴)和生理(瘸腿)创伤,保安的几段戏立马让这个人物饱满了起来,1.保安第一次想找卖花女说话,然后腿上的支架卡不住了,然后离去。
2.第二次找卖花女说话,谈到了战争,这一段萨莎·拜伦·科恩的表演非常棒,几个表情就把这个人物的内心表现了出来。
3.和小女孩谈到诗人christina,保安的自卑。
4.保安犹豫片刻带走雨果。
5.保安把雨果关到笼子后说的几句话。
这5段是我想到的塑造保安完整形象的几个段落,我觉得缺一不可。
只有保安这个形象丰满了,“战争”这个潜文本才能真正立了起来(当然梅丽爱的那一段也不可缺少),要不然就只是蜻蜓点水无关痛痒了。
这片其实上面这些东西都不是直接打动我的地方,真正直接让我流泪的地方是梅丽爱说“happy ending only happen in the movies”时,看到那一段我一下子就被打动了,这里面透着的纯粹以及那种对于美好的向往仿佛让我看到了老马最心底的东西,一种心灵上的乌托邦PS.当然这片也有一些缺点,不过绝对不能掩盖这部电影的好。
文章也没什么条理,大家将就看吧
它讲述了一个生活在火车站,每天给火车站的钟上发条和校准的孤儿雨果卡布莱,坚持不懈地从他父亲临终时留下的遗物--一个机器人中寻求线索,同时得到好朋友伊莎贝尔的帮助,最终他成功了,找到了家,还激励了一位曾经的电影明星走出人生的阴影。
雨果成功了,因为他有目标。
“确立目标是成功的第一步”,然后想方设法向目标努力。
他看到伊莎贝尔有给机器人上发条的钥匙,便带她来到他从来不给人看的住在火车站的家,只为得到钥匙;机器人画出图纸后,他在电影大学图书馆数以万计的书籍中搜索信息;他还拜访了一位对乔治梅里埃颇有研究的博士。
当一个人,他愿为他的目标绞尽脑汁,付出如此巨大的努力时,他很难不成功,雨果亦如此。
电影中有些话语也给我不小的感触。
i'd imagine the whole world was one big machine,machines never come with any extra parts,they always come with the exact amount they need.so i figured if the entire world was one big machine,i couldn't be an extra part.i had to be here for some reason.and that means you have to be here for some reason,too.这几句,很有感触。。。
去岁在巴黎,数次路经蒙帕纳斯(Montparnasse)车站,已看不出1960年代改造前的风貌。
1895年,这里曾有火车出轨事故。
再次与这车站相逢,在马丁•斯科塞斯首部3D电影《雨果》(Hugo,2011)里;火车事故也再现于主人公、12岁孤儿雨果的梦中。
影片改编自布莱恩•塞尔兹尼克(Brian Selznick)获得美国童书凯迪克奖(Caldecott Medal)的绘本小说《造梦的雨果》(The Invention of Hugo Cabret,2007)。
布莱恩与电影渊源已久,此书受到法国导演雷内•克莱尔电影《巴黎屋檐下》(1930)影响;他常为在影院看见自己姓氏出现于影片首尾而自豪——表兄大卫•塞尔兹尼克曾为好莱坞著名制片人,重要作品有《金刚》(1933)、《乱世佳人》(1939)等。
《雨果》编剧约翰•洛根(John Logan),与斯科塞斯合作过《飞行家》(2004)。
影片叙事线索与重点多元、交叉、转移。
1931年,巴黎,男孩雨果在蒙帕纳斯车站这公共空间孤独、秘密地生活(为避免被警察送去孤儿院),如《巴黎圣母院》、《歌剧院魅影》的儿童版,一丝狄更斯小说《雾都孤儿》或《远大前程》痕迹。
雨果的钟表匠父亲在火灾中丧生,管理车站钟表时间的伯父酗酒而后失踪。
精通钟表机械的雨果承担起伯父的责任,并试图修好父亲从博物馆带回的机器人——这是他与父亲、与过去美好生活的唯一连接,而且他相信,会写字的机器人会带给他来自父亲的讯息。
雨果不时在玩具店偷一点零件,被脾气暴躁的店主乔治严厉责罚。
雨果因此认识乔治的养女、同龄孤儿伊莎贝尔,并同她一起探寻机器人的、及乔治的秘密,而这探险,通往早期电影重要奠基者乔治•梅里埃(Georges Méliès,1861-1938),及一段珍贵的无声电影史。
在传统胶片电影遭遇数字技术冲击、电影学者惊呼“电影已死”时刻,斯科塞斯以时髦的数字3D与电脑特技技术向传统电影的辉煌过往致敬,意味深长。
耗资一亿七千万美元的巨制《雨果》于“感恩节”假期在美国上映,评论界反响甚佳。
卡梅隆的《阿凡达》(Avatar)几乎具“分水岭”意义,使得美国影评人将之后的3D电影时期称为“后‘阿凡达’时代”。
不但好莱坞知名导演纷纷对3D技术跃跃欲试(斯皮尔伯格的3D动画《丁丁历险记》将在美国上映),之前的卖座片如《狮子王》及《泰坦尼克》也重新以3D版本面世。
除了商业考量(加3D佐料再炒冷饭,且3D电影票价更高),这3D潮流是电影应对其他媒介挑战(如电视、网络、游戏、“小屏幕电影”等)、争取新一代观众进影院的举措,如百多年电影史上声音、彩色、宽银幕、立体声等多次技术更迭。
有评论者认为,3D电影也许如1950年代,只是一时风潮——虽然技术有显著进步。
而3D电影立体维度的仿真,只是带来更多感官刺激,而将观众更“婴儿化”,不会带来头脑、思维上的冲击,如“水杯里的风暴”,被晶莹地包裹住。
当然,如何尽可能有想象力和创新力地使用3D技术、发挥其视觉特长,是导演和评论者在思考和争论的问题。
《雨果》获得好评,恰是因为斯科塞斯及创作团队技艺娴熟精细的、惊人的视觉创造力和表达力。
多位评论者认为《雨果》是斯科塞斯“视觉上最出色的电影”。
影片耗资巨大,在伦敦郊外Shepperton摄影棚搭景,搭出高度仿真的1930年代法国蒙帕纳斯车站,高大空阔,细节精心设计,一丝不苟。
演员休息时漫游其中,使得表演状态停留在巴黎那个魔幻世界。
除了艺术指导丹特•佛莱提(Dante Ferretti)的奇思妙想,摄影师罗伯特•理查森(Robert Richardson)灵活穿梭于这布满人群和机器零件迷宫的高难度、多细节运动摄影长镜头令人错愕惊叹。
人群中可见当时徜徉于巴黎的爱尔兰作家詹姆斯•乔伊斯(James Joyce)和爵士音乐家金格•莱恩哈特(Django Reinhardt)。
场景、色彩、摄影的空间立体感不掩饰“人为性”和奇幻色彩,如原作小说。
电影记录、数字重构与现实再现的关系,虚虚实实。
有些摄影机运动为数字制作,并无真的摄影机实体存在,而人群也是数字制作的结果,一种类似鬼魂的无实体存在。
这会影响到我们对电影影像本体“写实性”的重新考量。
斯科塞斯这位69岁的导演初次拍“儿童/家庭片”,没有《出租汽车司机》、《穷街陋巷》、《愤怒的公牛》、《纽约黑帮》、《无间道风云》等充斥男性荷尔蒙气息的血腥暴力,但也是关于受伤害的人,及被遗忘的电影史,对儿童来说或许略严肃、悲伤、复杂而冗长(或如斯科塞斯所言,他试图从12岁女儿的视角来观察世界和阐释故事,更适合12岁或更年长的观众)。
此片不拘形式媒介,类型混合,有惊险悬念(尽管陷入故弄玄虚的俗套)、情节剧、浪漫剧、追逐闹剧。
斯科塞斯苦心孤诣,“借物言志”,力图将自己对电影和电影史的挚爱和迷恋包裹以“儿童片”糖衣传达给年轻观众,“从娃娃抓起”。
没有他们的兴趣和支持,电影将不复存在。
无怪数位评论者将此片称为斯科塞斯与电影的爱情故事、他写给电影的情书。
因此这也成为极具私人感情和色彩的电影。
斯科塞斯幼时曾患哮喘,不能与同龄人出门玩耍,只能坐在纽约“小意大利”的公寓里看电视里的老电影,或如雨果那样躲在窗后看街市百态:看电影中虚幻世界,观察/偷窥周遭世界。
最早影响到他的关于电影与电影制作的电影是英国导演约翰•博尔廷 (John Boulting)的《魔术盒》(The Magic Box,1952)。
他也如雨果重新发掘梅里埃,发掘出几乎被遗忘的英国导演迈克尔•鲍威尔(Michael Powell)和他的《偷窥狂》(Peeping Tom),并建立非盈利机构“世界电影基金会”(World Cinema Foundation)资助老电影修复。
而鲍威尔的遗孀塞尔玛•斯昆梅克(Thelma Schoonmaker)便是斯科塞斯长期合作的剪辑师。
斯科塞斯在《雨果》中重建梅里埃的“造梦”玻璃屋摄影棚(世界上第一个摄影棚)及他拍摄《月球旅行记》场景,并如希区柯克一样短暂现身银幕,客串出演一位摄影师。
《雨果》也传达出二十世纪二、三十年代关于现代社会和“现代性”的重要话题,即火车速度带来的刺激和危险感、机器与人的矛盾关系(人类既享受机器带来的便利,又恐惧被机器异化)、时间/钟表在都市生活中的意义(作为现代资本主义生产和生活方式规训的象征,控制工作和余暇时间,也涉及城市空间和社会阶层构成)。
这些主题和意象不断出现在当时剧情片或“城市交响曲”电影中,火车场景令人想起法国阿贝尔•冈斯《车轮》(1923)、让•雷诺阿《衣冠禽兽》(1938);机器和机器人则有德国弗里兹•朗《大都会》(1927)、美国卓别林的《摩登时代》(1936);时间和钟表有德国瓦尔特•鲁特曼的《柏林,大都会交响曲》(1927)、苏联吉加•维尔托夫的《带摄影机的人》(1929)等。
中国当时也有电影突出“钟表”意象,更多社会批判色彩,如沈西苓《上海二十四小时》(1933)和蔡楚生《新女性》(1935)。
钟表匠、魔术师与电影导演分享一些共性,精密协作,制造幻觉。
电影或可令时间停止,而时间/钟表,是电影(尤其胶片时代)真正的敌人:它令赛璐珞腐蚀毁坏,令观众趣味变换。
时间对老电影无情,默片时代百分之八十至九十的电影已烟消云散。
当“敏感脆弱”的胶片电影渐次为冷漠坚硬的数字电影取代,也失去短暂而不稳定的美感和缺憾感,没有暧昧和感性,温度和柔软,在冰冷中获得永生。
《雨果》在视听风格方面大放异彩,但叙事有些牵强附会和机械,情绪表达也流于表面,被技术遮蔽。
有评论者称“人物像罩在玻璃罩子下,更具象征性而非真情实感,痛苦和恐惧只是环境中的元素”。
另外有趣的一点是:在面向美国观众的电影中,法国文化等于异国情调加英式口音的英语对白。
但无论欧美,近一两年“关于电影的电影”不断出现,成一种“电影寻根”或“电影考古学”潮流,如西维亚•乔迈关于雅克•塔蒂的动画片《魔术师》(2010)、迈克尔•哈扎纳维希乌斯(Michel Hazanavicius)关于默片明星的《艺术家》(The Artist),及西蒙•柯蒂斯(Simon Curtis)的《与玛丽莲的一周》(My Week with Marilyn)。
正如《雨中曲》在彩色有声时代回顾有声电影初期,在胶片遭逢数字电影时代,这种有意识的“自反性”,思考电影史、电影技术和传统本身,不无怀旧色彩,暗示着过去与未来的维度,也搅扰着电影的“万神殿”。
经典童书《造梦的雨果》改编。
是我翻过一遍再没看过,但当时却很感动的作品。
原著书籍是全铅笔的素描画面,文字很少。
就目前改编的电影来看,也完全遵照了原著。
——所以你们其实是没有画分镜的吧!!!
作为一部改编电影来讲,《雨果》非常中规中矩。
画面还行,故事还行,表演也还行。
看到最后也如原著一般,确实感动到我。
其实它的意义更多的是在对电影先驱们的致敬吧。
有人看不懂,有人大捧,都能理解。
作为献礼片,它已经很到位了。
看不懂的,想必是因为站的角度不同,把它当作普通的美国影片来看。
至于有人问:为什么一部美国片是英国口音但是又在巴黎?
我想说:原著是美国人撰写绘画的,讲的一个发生在巴黎的故事。
估计导演觉得英国口音在现代大众意义上讲,更容易让人联想到一战那个年代吧。
原著在此http://book.douban.com/subject/3026354/
Film is history, with every foot of film that is lost we lose a link to our culture, to the world around us and to ourselves. – By本片导演。
很多专事数码修复的工作室引此句入宣传片。
Martin Scorsese是电影人,是导演,但首先的首先,他是影迷,从最早的彩色片到3D时代不离不弃的影迷。
有很多家伙也自称“影迷”,不一样的意思。
有些家伙是“批评电影的迷”,与其说从电影本身中得到乐趣,伊拉更喜欢拿电影来亮摆自己的“品味”显示自己多么一本正经,一本正经到看完《丁丁历险记》之后必须一本正经地说“技术不错,但故事太没有深度了”,我问“什么深度?
你不是看过原作漫画么?
原作就这么些深,所以才流行吖”,伊拉于是更加一本正经“电影一定要有深度有意义能发人思考”,然后一本正经地去打差评。
当然每个人都该有自己的态度和看法,只是这种一本正经的同学,跟吾辈,不是同一种“影迷”。
电影,有极端一本正经的,亦有非常轻浅浮华的,但无论哪一种,都在现实和梦想交接的那条地平线上,有些离梦近些,有些挨现实紧些,如此而已,吾辈,都是爱造梦的人。
意大利都灵有家电影博物馆,不是“资料馆”那种性质的“博物馆”,里面摆放着最早的视觉trick,最早的西洋景,最原始的动画,一直到蓝屏技术和3D兴起。
顶楼的罗马厅里散放着沙发躺椅,架着四面屏幕,循环播放一些古早片的华彩片段。
全是没有深度的东西,但是远比Disney梦幻,一个超离于现世的存在,每次路过都灵都忍不住要进去玩,每次去玩都雀跃不已。
人类最好的玩具,可以益智,可以火暴,可以浪漫,可以狂想,你想要什么,这里都有。
岂不比专一的一本正经欢乐得多。
梅里爱的电影,当今看来情节幼稚画面粗糙颜色……呃,都是一帧帧手绘的,在《火车大劫案》和《一个国家的诞生》确立了电影语言规则和剧情片结构之后,这位最早把视觉魔术融合奇幻情节搬上屏幕的造梦大师被时代所遗忘是必然的。
但近百年后,他的作品被搜集被数码修复被再度放映,有些东西,任时间流转总归在那里。
从大屏幕上看《月球旅行记》就像在都灵电影博物馆里亲身进入视觉魔术一样,孩童时代的雀跃感在成年后如此的稀罕,梅里爱生前许不知道,他和他的电影将会被永远怀念的,就像那些万花筒,那些西洋景,属于电影的最初记忆。
而本片,根本是修复版《月球旅行记》的巨型宣传片(于是在巴黎,这两部电影同步上映呃),是大影迷MS向梅里爱表达“儒慕之思”——每个人都有自己特别的存在意义,每部电影也一样。
3D技术只是献礼的一种——影厅里的小孩在看到m&m’s的3D广告时仍然会情不自禁发出惊叫,就像百年前的巴黎观众看到屏幕上的火车加速朝他们的方向驶来一样。
对于提升本片的观看性用处倒是不大——机械迷大概会喜欢3D版本的各种齿轮吧。
剧情展开的关节全靠人物的固执,比如:我虽然非常想要那个笔记本,但我就是不告诉你那是我爸爸的遗物,抑或:我知道你们这两个孩子一定会追根究底,但我就是不告诉你们我老公曾经是电影人,这也算是此类型儿童绘本的特色之一了——情节不能太曲折必需单线发展,且基于故事的暖色底调不适宜有纯正的“反派”(站警蜀黍更多是作欢乐调剂用的),只好靠这种“你听我嘛”“我不听不听就是不要听”的戏剧推进。
只是重复的次数多了就略露出计穷相。
影片中20世纪初的巴黎,配上Hugo“孤儿”的身份,莫名有一种Dickens的腔调(根据车站距离铁塔的方位和距离,推断应该是Montparnasse站,虽然车站内的布置更像北站——好吧,我太认真了),画面虽美,但这一笔撇得有点远了,这到底不是说着法语但全世界乱走的丁丁,既然是建立在诸如一战结束,乔治·梅里爱生平这种真实的时间背景上,地理和城市风貌还是保真些好。
但是这些也没那么重要。
我本来以为《安赫利卡奇遇》会是最后一部使用古早视觉魔术技术的电影,但是本片抱着追念的情绪不但拍了火车入站和爬大钟的场面,在Isabelle跌倒后还神奇的出现了古早蒙太奇。
重现了梅里爱的视觉魔术,和他开创的“停机拍摄”技术(现代看起来你毛的太理所当然的做法,在当时代可是了不得的创新)。
还有影片开头美得冒泡的追踪长镜头。
喜欢看古早片的返祖派影迷,会是MS的soul matePS一个也算古早片的消息:Studio Galande在周五晚上22h10和周六晚上21h重映《洛奇恐怖秀》(VO,Dolby SR)。
illimite的收(le passe不收)。
cult片的爱好者不要错过哟……我一直想在大屏幕上看这片儿不知道多乐的说
我真想跟老头子说,你知道一个叫海明威的人么?
他因为写不出东西又得了性病,干脆自杀了;你连淋病都得不动了还活着干嘛?
艺术家是一个非常独特的职业,它和邮递员、IT工程师以及银行高管不同,不是受人委派,而是自我认知、自我发现的结果,自愿承担的一件工作,将自己的感悟以特定的艺术形式加以表达和转述。
从某种程度上说,这个职业不存在其他工种才有的入职、升职、退休的过程,也不存在不可兼职、同业竞争等等限制条约;有点类似于卖笑行业,全凭自愿。
然而,这个行业在不断壮大的过程中,不仅上限无限向造神的方向逼近,下限也早已超越卖笑行业的娱乐和敛财功能(天上人间倒闭之后,北影的价钱上调了不少);所以这种赖着不走的人也愈发明显(斯特里普亦是如此。
) 无须从巴赞说起,就从片中致敬的乔治•梅里埃本人在后期的电影理论中,也主要强调电影就是“一场梦”,讲述一个故事,无论是虚幻还是真实,其目的都是触动人的情感,激发人的带入情绪。
老马的这个故事何其糟糕!
一个小孩子,身世飘零,匠艺精湛,住在巨大的钟表里,泡比自己大的姑娘,很好的开头,结果竟然都是为了烘托一个中年事业危机自我否定和放任的老屁。
这个故事就像这部片子本身,最好的技术团队使用最先进的技术和最好的人才,讲了一个不知所云的故事。
奥斯卡委员会神目如电,发了六个最佳技术奖,从最佳音效/视效/艺术指导到剪辑,就是没有导演、编剧、演员什么事儿,因为这是个非常差劲和牵强的故事。
以向过去致敬的名义,重现诸多过去的场景、诸多经典影片中的桥段,诸多类型片中的元素,陈腐气息铺面而来难以呼吸。
不得不说,从技术角度,这部片子很不错,但是跟阿凡达相比,想象力和创造力的差异实在不可以道理计;只能说算是货架上最贵的货而已,我也就不评论了,钦此。
拥有时 请珍惜 失去时 请铭记
被儿童3D冒险片的宣传误导了,其实一部厚重迷人的早期电影史——乔治梅里爱的传记片,正是孩子们冒险的最终答案。梅里爱最后说Happy ending只存在于电影里,这次老马给了梅里爱一个电影之外的Happy ending,对早期电影史的致敬也是功德圆满了!老马也客串了一把给梅里爱夫妇拍照的摄影师。★★★★
除了特效和男女主角,我没发现亮点
看不下去。。
怀旧情怀是个不错的题材,可是除了视觉效果实在看不到太多优点和亮点,剧本的平淡让人最多只能给到三星。
何止梅里爱,还包括电影本身、电影史、电影保护修复、电影与时间、电影与人类情感等讲解。一颗星是加给看不到的3D效果——回头去香港,但好像也赶不上2.23上画的3D版了……
1颗星给小盆友
这个”梦“我看不懂,也许是我老了……
曲高必定和寡,看不懂的人很多,不是魔幻片,而是献礼片。
《雨果》跟《艺术家》一样,本质上都是怀旧。开始以为影片在怀念工业革命刚开始的那段童话故事般的时光,后来才明白这是一部关于电影的电影,看见那么多老电影,古董、鼻祖级老电影出现在眼前时,那种激动,只有最纯粹的影迷可感。
根本就没兴趣继续看下去。。。
无感。小男孩刻意抽动的表情,做作的剧情也就只配技术奖,平庸的故事讲述靠怀旧情怀来弥补这是各种蹩脚翻拍剧的手段吧。男主反复叫嚣的通过机器知道父亲为什么死的动机要最后也不了了之。提他妈妈也就是为了说明他怎么就成了孤儿。女主孤儿纯粹为了牵线。科恩和克里斯托弗李还不错。总体不爽减一星。
乍看是一个小男孩的奇幻历险记,到后面才知道其实是一部向默片时代大师致敬的片子
除了画面就是光影。
画面控
= =,不知道如何评价...
7
马丁·斯科塞斯拍的奇幻儿童片,一股甜腻的铜臭味扑面而来
画面很美,仅此而已。
刻板的情怀