爆裂鼓手

（前排提醒：是学术垃圾的搬运） 摘要《爆裂鼓手》是美国重要的剧情音乐片，在镜头和衔接上极具特点，呈现不少经典的剪辑片段，也因此获得奥斯卡最佳剪辑奖。

精彩的剪辑不仅能够实现视觉上的连续性，还能通过画面和镜头组接，强化影片的视听效果，反映拍摄者的意图，进一步起到抒情和表意的功能，承载批判思想，为影片的叙事提供辅助。

文章以剪辑为切入点，通过对叙事内容和叙事节奏两个方面的分析，探究影片的剪辑在叙事层面的作用，并挖掘其中隐藏的导演的作者性和价值取向。

关键词：《爆裂鼓手》；剪辑；镜头；节奏 1 导言《爆裂鼓手》是2014年布伦屋公司出品、索尼经典影业发行的剧情片，由美国导演达米恩·查泽雷根据自己的真实经历改编并执导，迈尔斯·特勒和J·K·西蒙斯主演。

影片被美国电影学会（AFI）评为年度十佳电影，并在第87届奥斯卡金像奖中获得六项提名，最终一举拿下最佳男配角、最佳剪辑、最佳音响效果共三项大奖。

片名“whiplash”是热爱音乐的鼓手Andrew第一次参与校爵士乐队排练时的曲目，英文含义为“鞭打”，暗示魔鬼导师Fletcher极具争议的教育方式。

成长在单亲家庭的19岁少年Andrew一心想成为顶级的爵士乐鼓手。

他幸运地被Fletcher选中进入校乐队，却在其狂躁、喜怒无常的教育风格中陷入对完美的偏执，用非常规手段挑战极限，对音乐的初衷变为和Fletcher近乎疯魔的对决。

故事的情节并不复杂，但整体节奏非常快，人物冲突不断升级。

尽管导演达米恩·查泽雷认为结局实际是悲剧，但精彩的剪辑完美地融合在电影的叙事结构中，在叙事内容和叙事节奏上起辅助作用，既能提供循序渐进的紧张感和大起大落的酣畅感，又能促使观众对影片内容进行深思。

2 叙事内容：斯巴达教育的悲剧电影需要通过镜头来说话。

镜头能够反映拍摄者的意图，因为观众可以从它拍摄的主题以及画面的变化，感受创作者透过镜头所要表达的内容。

在《爆裂鼓手》的镜头中，视角、景深、角度、轴线、光影的特点能够表现出人物在现实和心理上的对立、冲突和融合，并进一步流露创作者的情感倾向。

2.1 视角：主观心理当一个镜头的空间截取让观众认为是角色的目光看到的取景时，就可称之为主观镜头。

[1]在主观镜头中，观众所见与角色所见完全相同时，能够最大程度地感受到剧中角色对世界的感受。

《爆裂鼓手》中使用了大量的主观视角。

一种是人物的主观镜头，焦距、运动、构图以及画面的其他控制因素都反映出角色的主观感受。

Andrew在还未进入校爵士乐队时曾在门外偷看，这一主观镜头存在明显的暗角，符合他趴在门缝上的状态；镜头最初比较晃动，但最后定格在乐队的鼓手身上，符合他的偷看时的视觉状态和人物目标。

通过一组主观视角，便能产生强烈的代入感。

图1 Andrew偷看乐队排练的主观视角主观视角和人物视线相配合，具有极强的连贯性。

在影片结尾高潮Fletcher挑衅Andrew后，他在前台介绍曲目时并没有给正面镜头，而是顺着Andrew的视线给背面镜头；之后Andrew看向其他乐手，乐手的侧面镜头和舞台上乐器的位置关系一致。

每次切换镜头时，都会呈现Andrew的反应，包括神态、视线等面部细节。

Andrew的视线对观众起引导作用，让观众对下一个镜头的画面内容产生心理预期。

由此，既可以达到镜头间的顺畅连接，也能够让观众带入Andrew的视角，感受到他内心的慌乱。

图 2 通过Andrew的视线衔接主观镜头另一种是跟随式镜头。

从人物背后跟随拍摄的镜头，由于观众的视点与被摄主体的视点重合，因此同样能表现出主观镜头的效果。

[2]在Andrew上台前，影片使用跟随式长镜头，让观众仿佛被Andrew带领着参与故事。

镜头的特点如路过Fletcher身旁时却不做任何停留，其中略微的僵硬感传达Andrew的紧张与焦虑。

图 3 跟随式镜头 表现主观效果可以说，《爆裂鼓手》是一部优秀心理学电影，Andrew的心理变化是故事的重点之一。

因此，大量的主观视角为观众呈现Andrew的心理世界，深思影片所反映的社会问题。

2.2 景深：精神状态除了主观镜头，《爆裂鼓手》使用大量浅景深镜头，使主体和背景分离，在突出主体的同时，给观众代入多种不同的情感。

Andrew十分内向、不自信，在被同学说坏话、被老师辱骂时，都没有反抗的行为。

与之对应，影片采用浅景深镜头，反映Andrew的孤立感。

在与喜欢的女孩Nicole对话时，景深较深；对话一结束，景深迅速变浅，Nicole的身形虚化，暗示她并不能让Andrew有太多挂念，这一点在之后的分手原因中得到印证。

同样，在走廊行走、乐队训练时，镜头中只有Andrew是清晰的，人物忽视外部世界，只注重于自己的内心的音乐梦。

浅景深在Andrew敢于还击后依旧存在，或是出于紧张，或是出于恐惧，但都引导观众注视他坚固的精神世界。

图4 浅景深镜头 注视精神世界2.3 轴线：矛盾冲突轴线原理是传统影片剪辑的主流规则，需要在轴线的一侧区域内设置机位，以保证观众视觉和心理上对空间感的认知不产生混乱。

《爆裂鼓手》中既有对轴线原理的遵循，也有对其的突破，主要取决于画面内容。

当场景氛围比较平和时，如Andrew和父亲在影院的对话，以及在餐馆和Nicole的聊天中，影片采用标准的正反打镜头；而当矛盾冲突十分激烈时，导演选择突破轴线原理，用越轴展示画面中的不稳定因素。

Andrew因为节拍问题而接连被Fletcher扇巴掌，随着数拍子的节奏和扇巴掌的声响，人物的左右位置不断变化，连续两次发生越轴。

图5 越轴镜头 激化矛盾冲突在这一组对话镜头，对话速度、剪切频率和节奏都很快。

导演想表现激烈的冲突，体现Fletcher的严厉，如果只采用一边的的镜头切换，人物位置转变单调，难以营造心灵上的震撼。

所以采取越轴的方式，加快节奏，同时带来景别上的刺激，加深观众的心理刺激度。

因为观众更多的注意力在人物的矛盾冲突中，且剪辑点和耳光声重合，所以越轴带来的暴力感很好地掩盖不适和迷茫。

2.4 角度：身份压迫不同的拍摄角度会给观众带来不同的心理感受。

拍摄角度能表现作者的不同创作意图，产生特殊的画面表现力和美感。

《爆裂鼓手》中多次出现Fletcher的仰拍镜头，表现他作为魔鬼导师的身份压迫感。

在Fletcher吼骂疑似走音的长号手Fudd时，几次对Fletcher的大特写镜头都是微仰拍的视角，显现出人物的高大和无形的压迫感；对于Fudd而言，不仅角度是平视，而且画面有一半被Fletcher的手臂遮挡，人物的弱势地位由此显现。

图6 仰视镜头和俯视镜头 体现身份地位不同的位置关系也可以传递不同的情感倾向，仰拍角度越大，传递的压迫感越强烈。

[3]在最后的表演中，Fletcher向Andrew挑衅时，镜头是微仰拍；一曲终了，Fletcher成功让Andrew难堪时，仰拍的角度明显增大，这是他征服感最强的时候；之后，Andrew掌握了表演的节奏，Fletcher的权力下降，角度变小；最后，两人关系在音乐中转变，达成完美默契的沟通，拍摄角度继续减小。

图 7 不同仰拍角度传递的不同压迫感但是，尽管Andrew在表演中不断掌握话语权，但在两人的关系镜头中，他的镜头始终是俯拍，而Fletcher的镜头一直是仰拍。

这蕴含着导演的思想倾向，即Andrew实际上没有赢过Fletcher，他依旧陷入Fletcher斯巴达式的教育中。

这正是影片的悲剧性所在。

2.5 灯光：反传统反励志光线是镜头造型的基础。

由于光线的变化，拍摄对象的形状、质感、明暗层次等要素呈现出丰富的多样性，让镜头通过光影展示意境。

顶光摄影使演员的面部表情很不清楚，眼睛只能呈现出两个黑暗的阴影。

[4]因此，这种布光方式在人像摄影中不受欢迎。

但《爆裂鼓手》多次使用反传统的顶光，体现人物的神秘感和危险感。

有观众认为《爆裂鼓手》是“两个疯子互相成就”的故事，而在影片伊始，相同的灯光效果就已暗示这一共性。

长镜头逐渐拉近Andrew，之后Fletcher进入，白衣的强反光性让Andrew在视觉上处于光明的一方，产生被黑衣的Fletcher压迫的效果。

但实质上，两人都处于顶光下，人物的眼眶、颧骨如凹陷般被阴影笼罩，暗示虽然两人明面上矛盾冲突不断，但在骨子里是相同的，即对艺术的疯狂。

图8 顶光表现神秘和危险按照以往经验，《爆裂鼓手》应当是一篇小人物经过努力与磨难后取得成功的励志故事。

因此，最后的反转才让人措手不及。

但是，影片开头的反传统布光就已表明立场[5]：Andrew和Fletcher都是危险的疯子。

由此，影片通过呈现英雄的悲剧故事，流露出反励志的思想。

[6]3 叙事节奏：螺旋上升在《爆裂鼓手》里，叙事节奏所带来的震撼感极其强烈，因为影片做到了内容节奏与蒙太奇的相辅相成。

内容节奏指由情节发展的内在矛盾冲突或人物的内心情绪起伏而产生的节奏，通常以演员的表演为基础。

[7]《爆裂鼓手》“音乐片”的特殊性导致其节奏的来源有二，即音乐和人物情绪，并通过景别、镜头长度、运镜等来辅助呈现。

3.1 音乐节奏节奏原为音乐术语，指音响运动合规率的周期性变化。

《爆裂鼓手》的故事与音乐密切相关，片中有大量的听觉元素，它们和画面内容之间存在规律性，这种规律形成影片的节奏。

首先，影片在声画上最显著的特点是将强拍作为剪辑点。

剪辑点选在音乐的节奏点上，通过镜头的变化获得视觉上的节奏感，即“让画面跟着音乐走”。

在开头，由于影片的拍摄基本上在洛杉矶而不是纽约完成，所以需要通过户外镜头，迅速让观众相信故事发生在纽约。

在这组空镜头中，几个剪辑点都在旋律的重音上，借助强节奏感的爵士乐，能够十分容易地让观众接受纽约的城市氛围。

图 9 渲染纽约城市氛围的空镜头其次，从宏观层面而言，声画在时间序列上的关系体现Andrew的成长历程。

开头一片黑暗，只有鼓声缓缓加快，乐音为先，让观众预先捕捉到严肃的气息，在片头就给情绪定调。

[8]第一次参与排练时，Andrew的每一个活动都慢了半拍，体现了他深深的不安。

排练后，Andrew怀着不甘，忍受痛苦挑战极限地练习，剪辑使画面上的鼓点节拍落后于声音上的节拍，说明他仍未达到理想的境界。

在最后的反击曲上，Andrew的动作掌握着画面的构图与节拍，达到了追求的目标。

由此可见，音乐的节奏与画面融合，通过Andrew丢失节拍后又找回节拍的细节，讲述人物成长的故事线。

[9]最后，结尾的表演是镜头、剪辑与音乐的综合应用。

镜头的大特写和中近景的切换，以及固定镜头和摇镜头的交替，都伴随着音乐的旋律和节奏。

当音乐节奏短促激烈时，乐手们的特写快速交叉组接，每个镜头的停留时间都很短，紧张感油然而生；当音乐平滑舒缓时，流畅的摇镜头扫过乐手们，缓冲了之前的焦灼感。

慢镜头如安德鲁的汗水在鼓面上跳跃，和快速剪辑的组接能够形成强大的视觉和心理落差，使观众的心理情绪被画面牵引。

剪辑配合音乐的运动，张弛有度地形成节奏感。

图10 舒缓的摇镜头 和 快速剪辑的特写镜头3.2 情绪节奏节奏不仅仅局限于声音，在情感方面也有所体现。

早在蒙太奇理论建立初期，就已证明剪辑具有情绪感染力。

在《爆裂鼓手》中，故事内容和剪辑完美呼应，情感会先上升到一个极高点，随后会稍微回落，下一幕又略微上升，并在这种螺旋式结构中不断高涨，最终升华。

因此，剪辑需要配合故事，在情绪激烈处起到烘托作用。

以Andrew的第一次排练时最激烈的两个情绪点为例。

Fletcher进教室时，呈现的先是闹钟的特写，随后闹钟的取景范围不断缩小；接下来一系列镜头画面是学生起立、老师特写、放书，剪辑速度极快。

大量的特写镜头和学生的情绪相符合，使Fletcher严苛的形象在还未表现时就流露，渲染紧张的气氛，形成影片节奏的变化。

图 11 Fletcher进入教室前的镜头组在因Andrew的节拍问题而大发雷霆前，Fletcher在大全景中迅速抬起手臂收势，下一镜中转为中特写呈现。

一个很短促的动作却使用两个镜头，具有力量感。

之后Fletcher指出Andrew节拍不稳的问题，他在视觉上所占的空间越来越大，从而产生越来越强的压迫感。

由此，观众将”压迫感”和“Fletcher的距离”之间建立起统一的关系，所以在他转身离开时，压力感倏然下降，导致被飞来的椅子吓到，Andrew和观众的节奏被打乱。

之后，镜头失去稳定，映射局势的混乱和Andrew内心的失控；再加上暴力刺激的越轴镜头，人物间的矛盾和冲突达到极值。

剪辑和人物的情绪配合，能够产生新的情绪感染力。

图 12 人物距离和压迫感的关系4 结论《爆裂鼓手》的剪辑在叙事中发挥重要作用。

镜头的主观视角和浅景深的特点，力图让观众与Andrew共情，展现他孤独却强大的精神世界，为从心理学角度解读影片提供了可能性。

在影片中，Andrew和Fletcher是矛盾的两个个体，导演通过对轴线原则的突破，加快节奏，放大两人间的矛盾冲突。

镜头的角度说明Fletcher始终是这组关系中的上位者，因为尽管Andrew最后找回了自己的节奏，但他仍是通过Fletcher遵循的、饱受批评的斯巴达教育方式；究其原因，影片的布光中已略知一二，两人虽然着装不同，居于黑白两极，但都在顶光之下流露出潜藏的神秘和危险，实质上都是为了艺术不顾一切的疯狂之人。

故事终了，却让人久久不能忘怀，原因在于剪辑对节奏的辅助。

电影剪辑带来的音乐和情绪的节奏，丰富了电影的表现力，尤其是《爆裂鼓手》中运用的多种剪辑技巧，如特写镜头的大量使用和快慢镜头的交替组合，使得音乐题材的作品突出了自己的视觉特性。

达米恩·查泽雷通过剪辑在内容和节奏两方面的作用，在视听盛宴中载入反励志的负能量：追求艺术的道路是孤独的，其中的美好和艰苦只有自己知晓。

由此引发观众深思，唤起悲悯之心。

[1] 大卫·波德维尔，世界电影史[M]，北京：北京大学出版社，2014：p.142。

[2] 朱尉，贺清，运动镜头的功能和表现力[J]，青年记者，2008年，第32期:p.73。

[3] 甄桢，张苇，论动画电影镜头角度的心理暗示作用[J]，艺术与设计(理论)，2019年,第2期：pp.122-124。

[4] 李瑞，戈登·威利斯:电影光线的心理大师[J]，电影评介，2018年，第6期：pp.60-62。

[5] 杨箫箫，《爆裂鼓手》对惯性传统的"逆反"[J]，青春岁月，2018年，第11期：pp.94-95。

[6] 安莹，从反类型叙事看达米恩·查泽雷的作者性[J]，电影文学，2020年，第10期：pp.66-70。

[7] 赵世佳，刘学政，论电影叙事节奏的来源及关系[J]，电影文学，2020年，第18期：pp.20-26。

[8] 李稳，4K数字电影剪辑技术研究及应用[D]，长沙：湖南大学，2015。

[9] 王文涛，奥斯卡最佳剪辑是怎样炼成的——论电影《爆裂鼓手》的剪辑艺术[J]，电影评介，2015年，第6期：pp.31-34。

学术垃圾搬运完毕感谢看到这里的您（T▽T）

时隔多年的update:How to truly listen | Evelyn Glennie---原文分界线 一开始我还带着不屑，因为影片呈现出的爵士乐团跟我所经历的完全不一样。

侮辱性的语言和暴君式的指挥，活脱脱把爵士乐团变成了血汗工厂。

作为学古典音乐出生的音乐生，我一直很向往爵士乐团的自由欢乐，羡慕爵士乐手才华横溢的即兴演奏能力。

这样颐指气使的指挥出现在交响乐团里反而不会让我觉得奇怪。

但是能够如此霸气地人身攻击+满嘴粗话的指挥我还真没见过，因为所有的指挥101入门课都会教你”How to be a good conductor?” 而在这个问题下面列出的1-100条答案里绝对不会出现“insult the percussionist's jewish mother”这一条。

直到我听到了这句台词： - “Dying broke and drunk and full of heroin at the age of 34 is not exactly my idea of success.” - “I'd rather die drunk, broke at 34 and have people at a dinner table talk about me than live to be rich and sober at 90 and nobody remembered who I was.” 我开始被这种追求极限追求完美的情绪被点燃，看到了几年前的自己以及内心偏执的那一面。

看到他滴下的血就像看到我手指上厚厚的茧，只恨它们没有更厚，厚到可以让我成为“one of the greatest”。

看到他忍住心里的痛苦面无表情地跟女友分手，而女友含着泪确认”你觉得我会阻碍你的成功么？

“我激动地想替男主回答“yes！

yes！

yes！

”因为在我们的生活中，每天大部分时间都花在练琴，学习，思考，甚至创作上，而这些都需要独自一人完成，像修行与打坐一样。

我在男主身上看到了我身边人的影子，因为没有办法达到自己最完美的状态而抑郁，焦躁，性情大变。

“Not quite my tempo!! Faster! Faster!!!”然而无论是Andrew还是Fletcher，都像台机器一样。

没有情感和乐感的机器。

音乐不是一场男子100米决赛，音乐的好坏更不是依据快慢来断定的。

你可以带着感情去跑，你也可以想着“待会儿我要吃什么”去跑，你也可以放空去跑，最后看的反正都是秒表上的数字。

严格遵从谱子上标注的四分音符=208，不代表你能演奏出最动人的音乐。

演奏家就像魔术师一样，能在此时此刻的现实世界里创造出的另一个平行空间。

钢琴家可以无视黑暗中的上万只双眼而沉浸在一束黄光之下，单枪匹马如入无人之境。

此时的他可能身处1830年的波兰，或是1750年的维也纳，指头下正在创造一个脱离了当下的声音世界，慢慢地，一点点地把听众卷进一副历史与情感的长轴。

真正的Charlie Parker并没有被Jo Jones用cymbal差点砸成脑残。

在他的自传里，Cymbal只是砸在了地上，发出叮咚的声音示意他滚蛋 。

第二天他也没有洗心革面化身机器人开始疯狂加速，而是在接下来的一年里开始了系统的学习，包括音乐理论，以及大量地听大师的演奏，慢慢变成了融会贯通的大师之一。

Miles Davis也并没有因为专辑里常常出现椅子轻微吱吱叫的声音把录音师炒鱿鱼，这独特的录音室噪音反而成为了佳话，音乐评论员们不停津津乐道，赋予其“爵士乐的时间感与空间感”。

Dave Brubeck漫步在1950年的土耳其，来自异域的灵感穿过了一个奇思妙想和才华横溢的大脑，从而诞生了美妙的五拍子爵士乐“Take Five”。

这才是音乐的灵魂。

整部电影唯一能让我感到灵魂的一刹那，是当Fletcher在酒吧里弹琴的时候。

脸上的表情像极了一个正在享受音乐的演奏者，那随着不和谐的小二度音程而挑起的眉毛，和回到主和弦时的解脱的笑容。

至于Andrew最后旁若无人的报复和令无数观众血脉偾张的独奏，放在现实生活中只能对他说一句good luck了。

少年，无论你手速再快，也仍然无法成为Charlie Parker了。

因为你没有灵魂。

一.对于Andrew和那个女生提分手。

我表示深刻的理解也赞同。

有所得即有所失。

重要的是，这位她并不能使他得到安慰或者在这条道路上支持理解他。

在我看来 她。

不适宜也不合适。

二.在艺术这一行当上，我并不觉得Fletcher趋于变态或压榨，他已给出了选择。

不是滚，那就证明。

想起了那天，我在德国弗赖堡城市列轨上，和家人打电话，哭到掩脸下车。

对于这样的导师，他所做的一切，是为艺术，为音乐负责。

只是看你自己做出的选择而已。

那时候我想，我已经能接受最坏的结果了，那为什么不能去试一把呢？？

现在当我回过头看，那段日子，每一天 都在发光。

三.你们说Andrew偏执、尖锐，和家人、朋友起冲突。

但我想，这也是每个人不同的选择，不想甘于平凡，让人看不起，那就需要反击，我觉得很酷！

四.至于最后那场卡耐基的音乐会，Fletcher肯定是抱着毁灭Andrew的决心了，因为他毁了他在音乐学院寻找下一位明日之子的目标。

但，天才总会惜才，看到最后鼓手的爆发，相视而笑，冰释前嫌。

五.至于影片中，并无刻意放大听众的反应及掌声。

其实两位主人公都是在和自己的较量，并无打算迎合主流的口味。

半夜看完电影，上豆瓣mark一下写了个小短评就准备睡了。

打开网页面对8.8的高分和清一色的好评。

我不禁有点不淡定了。

在这里写一点自己的想法。

毫无疑问本片演员和乐手的发挥以及剪辑都是一流水准。

就冲把Caravan的演奏过程剪的如此过瘾就绝对值得一看。

但是片子的价值观我只能用“极端病态”来形容，因为实在扭曲到了极点。

Andrew和Fletcher两个看似普通的人碰撞在一起后，却产生了宇宙大爆炸般强烈的效应，令本片高潮迭起，精彩纷呈。

不过想想也对，俩偏执狂的“自我实现”和“相互实现”，这过程不可能不惊心动魄。

最后结局也可以说是皆大欢喜，尖锐的矛盾与冲突不断的“whiplash”Andrew，最终成功的让他一鸣惊人，而Fletcher也终于培养出了他心目中的Charlie Parker。

影片在Andrew技惊四座的敲完Caravan的最后一个音符后戛然而止。

多么热血，多么励志。

跟老派成功者的鸡汤相比，这种另类的成材之路就好比烈酒一般。

是不是喝起来很爽，很过瘾？

但问题在于，代价是什么？

男主Andrew，一个踌躇满志的大一小鲜肉，平日在乐队里表现谦逊；闲暇和父亲一起看电影；照顾父亲的零食偏好绕着葡萄干吃爆米花；勇敢的追求自己心仪的女孩。。。

然而这样一个阳光男孩遇到Fletcher之后什么都变了。

有人说Fletcher和Andrew都是“不疯魔不成活”的典型例子，是，你有着你高尚的追求，甚至到了痴迷的境界，你为了你伟大的目标可以抛弃一切。

于是我们看到遇到Fletcher以后，Andrew被激发的成功欲像黑洞一般，吸走了他身上所有的美好。

阳光男孩迅速变成了一个嘲讽亲人，抛弃爱人，辱骂队友，在练习中自虐的暴躁偏执狂。

其实我们也可以理解，你因为不被认同而嘲讽亲人，为了全身心的投入而抛弃爱人，在残酷的竞争压力之下辱骂队友，练习的刻苦了一点...这些尚合乎情理。

但你出了车祸还要拖着满身是血的身体硬上，为了保住自己核心的位置甚至不惜毁灭自己的肉体。

如此的代价，就算能换来成功，真的值得推崇吗？

Fletcher作为一个老师，随意羞辱践踏学生的人格、尊严。

你可以说这是魔鬼训练，这是因为他太执着于要“whiplash”出一个当代的Charlie Parker。

但他结尾给Andrew下套，绝对跟激励没有半毛钱关系，完全是因为得知Andrew在背后告他状之后想彻底废了他。

有些人还对Fletcher存有一丝幻想，帮他洗地说他其实是想以Charlie Parker的传说为蓝本，置Andrew于死地期而令其后生。

我觉得这根本说不通，这跟Charlie Parker的故事不一样。

让你准备A实际正式演出演B，还是在能决定你职业生涯且过目不忘的观众面前，如此Andrew就不可能像Charlie Parker一样被羞辱之后回去哭一哭奋发图强成为一代宗师，这交代的很清楚，男主一旦现了眼之后他就彻底废了。

这种一看就是要往死里弄，没有给他留一丝后生的余地。

而且Andrew在盛怒之下小宇宙爆发自己回台上直接开敲《Caravan》的时候，Fletcher的反应是气炸了，表情像是吃了屎一样，还跑过来威胁要挖掉男主眼珠...明显是恼羞成怒的表现。

他的初衷如果真是激励，他这时候应该表现的是惊喜的欣慰才对。

只不过后来男主的表现太过出色，把他也惊艳到了，态度才转变。

还有人说，“那Fletcher为什么不带预备鼓手连同自己一起毁？

” 他们那个乐队是要给音乐节开场的，按理说是挺关键的一场演出。

就算这样Fletcher居然都不带替补鼓手，说明他就是想让Andrew毁了这个开场，补救都没法补救的那种。

台下坐着这么重要的观众，结果你把这个演出毁了，同台的这帮职业乐手下来还不把你生吞活剥了？

（而且还不是敲错音那么简单，是根本就不着调，甚至Andrew有可能被认为是诚心来捣乱的）如此一来不仅在观众眼里Andrew完蛋了，在从业者的圈里Andrew也没法混了。

在前面的部分，Fletcher曾经表达过他当不当指挥其实无所谓，但他无比看中的导师的位置，因为他迫切的想发掘一个当代Jazz传奇。

而Andrew的举报令他失去了这个位置，夺走了这个偏执狂继续追求他执念的可能。

那么他丧心病狂不计代价的想报复Andrew也就说的通了。

我认为编剧之所以这么设置片尾的桥段，是想最后让Andrew因暴怒而爆发，他打通了任督二脉一般的超神发挥技惊四座的同时也惊艳到了Fletcher，然后师徒一笑泯恩仇（估计也只有这样才能一笑泯恩仇。。。

），二人共鸣共奏，完美落幕。

试图借这个漂亮的转折彻底洗白充斥了整部电影的负面基调。

这么设置爽是爽，但对于影片病态的价值观没有任何改观，相反到令其变得更加扭曲。

极端的情绪或许真的能激发人的潜能收获超凡的效果，好比强烈的国仇家恨令一个人卧薪尝胆，奋勇杀敌，最终成为一代名将，爱国英雄。

但这事儿若以艺术为载体，是无论如何不可能成立。

为什么？

因为艺术是具有灵魂的。

仇恨、怒火能把你push成Jazz大家？

这是在侮辱爵士乐。

你以为可以做到高速而精准的敲打出每一个音符就能成为爵士鼓大师？

不可能的。

优雅、随性、率真的爵士乐精神在你身上一样也找不到。

爵士乐手的精益求精应该首先建立在享受音乐享受演奏的基础上，而你浑身充斥了负面情绪，为了”be one of the Greats“不惜摒弃自己的灵魂。

这样的你就算技艺再高超，到头来也只不过是一个灵魂破败不堪的打鼓的，甚至不配被称为一个爵士乐手。

我是觉得所谓“不疯魔不成活”的成功理念本身没什么错，但若偏执到病态的程度，就与普世价值相悖了，是不应该被认可的。

不能说“你别管我是怎么成功的，反正我成功了就行”。

况且成功了并不代表就是正确的，一个人杀了人之后天衣无缝的毁灭了证据而逍遥法外，他也可以被认为是成功的。

Sean Casey难道不成功吗？

才华横溢的林肯中心首席小号。

结果却逼疯了自己，上吊自尽了。

我原以为片子设置如此尖刻的人物冲突是为了对这种病态的成材之路进行反思。

但它并没有。

所以《Whiplash》这部电影虽然很精彩，可你要说它是一部好电影，我不敢苟同。

=========================================================================== 有评论说导师都和蔼可亲，大家整日陪女友、陪家人，该吃吃该喝喝，哪里还会有鬼神之作？

确实是这样，乐器的训练其实就是肌肉记忆的机械训练，并不是什么令人愉悦体验。

我记得我小的时候学乐器也有过因为一个高音怎么也吹不稳暴躁的想自虐想砸乐器。

而我所学的尚且只是皮毛，如果像男主那样想在爵士乐这条路上达到极致，当中所要经受的痛苦与煎熬更是我无法想象的。

但我同时也记得，在每个团员的努力之下，一个几十人的乐团配合越来越默契，演奏效果愈发完美的那种开心和满足；记得我想到自己竟是如此美妙乐章的一个构成部分的那种享受和感恩。

有人说“看上去随性和慵懒是建立在对于乐器炉火纯青的掌握基础上”说的没错，但这也并不意味一个才疏学浅的菜鸟就无法享受音乐的美好。

虽然要达成“鬼神之做”可能要经受非人的痛苦，放弃很多常人无比珍惜的事物。

但我认为即便是这样“音乐的美好追求”也不应是被放弃的一项。

这不是一个【我放弃的越多得到的就越多】的等价交换。

我觉得音乐大概是天底下最公正的判官，你的努力一定会得到回报，你赤诚的热爱一定会收获享受和满足，然而如果你对音乐只有一颗充满功利的心，那么在前面等着你的一定是灵魂的堕落与迷失。

这就好比一个杀手苦练枪法，为了啥？

为了杀人。

杀人才是他快乐的唯一源泉，这跟枪其实没有太大的关系。

“be one of the Greats”才是唯一能让Andrew感到快乐的事，这跟音乐其实也没有太大关系。

所以在在电影中只关于享受音乐的描写屈指可数：Flecher被学校解雇之后在酒吧中弹奏时悠然自得的神态是他唯一一次“享受”的表达（结尾的时候看到Andrew“成魔”的惊喜大概也算一次吧）；而Andrew只有在结尾癫狂的爆发之后才第一次在演奏中露出满足的微笑。

剩下时间就是无尽的谩骂侮辱自虐仇视报复，再没有一丁点的快乐。

为什么？

这是因为你的刻苦、你对极致技艺的追求若不是源自对音乐的热爱，而是源自你无限膨胀的功利心。

所以不到最后成功一刻你都无法真正感受到快乐。

可是成功了又如何呢？

短暂的快乐过后等待你的将是独孤求败式的孤独与无尽的虚无。

而你穷尽了所有换来的“鬼神之做”真的就能流芳千百么？

我持保留意见。

因为我觉得牛逼到极致的技艺≠牛逼到极致的音乐。

=========================================================================== 还有很多评论说，这部片子只以客观的姿态讲了一个故事，没有站队，怎么理解全看观众。

我觉得不是。

因为讲故事的人有无数种手段可以左右听故事人的体验，从而影响他/她对这个故事的态度。

爆裂鼓手畅快淋漓的结尾就是一个明显的偏向性桥段，至少从效果上看是这样的，成功让很多人把这部电影当爽片看（说好的悲剧呢？

）。

幕后采访导演说这个故事悲剧性大于胜利性，那你又是怎么展示给我们看的？

师徒二人合奏一曲惊天地泣鬼神的Caravan，然后戛然而止，截去了观众的掌声，所以就是悲剧了？

Andrew跟父亲（被人加戏说成是“诀别的”）拥抱，然后在台上敲完鼓后对着夕日的仇人导师笑开了花（被人加戏说是“成了魔”），所以就是悲剧了？

这些都太牵强了，实际的结果就是很多人看完后觉得这部电影“燃爆了”。

是不是又要怪观众的水平低呢？

《爆裂鼓手》被提名奥斯卡是情理之中的事。

但这部电影在奥斯卡众多主旋律入围片中，显得有些另类，它还不同于那部首先因为拍摄形式的个性而被人称道的《鸟人》，《爆裂鼓手》是从骨子里就透露着一股与众不同的气息。

这或许源于它的独立电影血统。

在此之前，《爆裂鼓手》已经获得了北美最大的独立电影节圣丹斯电影节的最佳影片。

其实，《爆裂鼓手》讲述的是一个太常见的故事，一个热爱打鼓的少年安德鲁进入了一所音乐名校，被著名魔鬼导师弗莱彻相中，将其引入自己的爵士乐团，开始了一段摧残式的训练。

如果只拍摄这个艰苦卓绝的训练过程，那么这部电影将毫无悬念地失败。

而年轻导演达米安•沙泽勒把这个过程内化为了一次心灵对抗的旅程。

少年学生安德鲁和魔鬼导师弗莱彻之间有一种近似SM的关系——当然，与性无关——一个为了鼓技甘愿身心极度透支的学生和一个满口脏话、为人刻薄但技艺优异的伯乐，他们二人之间形成了一种表面上互虐但心中却互相尊重、赏识的怪异情绪。

《爆裂鼓手》的前半部分充分演绎了什么叫做“不疯魔不成活”，而后半部分，影片开始急转直下进入了对人性深处的挖掘。

因为一次意外，安德鲁的表演失败了，和导师吵翻，但弗莱彻一贯的刻薄和恃才傲物也树敌太多，安德鲁在旁人的鼓励下匿名举报了这位曾经把自己带入天堂又打进地狱的老师，称其教学过于极端，导致很多学生的精神问题。

影片的叙事节奏从此由紧绷开始变得放松。

安德鲁成为了一个普通的打工青年，安稳无聊地过日子。

其实，在这一段故事中，导演回应着之前的一个伏笔，也回应着一个深植的主题。

安德鲁出身于普通家庭，家人与音乐毫无渊源，所有亲人对他的音乐梦不是嘲讽就是无视，他们更乐于谈论其他孩子的橄榄球赛也不屑于过问安德鲁的音乐野心。

某种程度上说，安德鲁在练鼓时的全情投入是以一个人对抗全世界，用一种不知道结果的对梦想的无限接近去对抗庸常。

这是《爆裂鼓手》前半段的主题。

用一种极端的，带有自我摧残意味的努力去表现梦想。

当然，也这引起了影评界对于这部电影的诟病，有评论认为导演将艺术拍成了竞技体育。

但不可否认，梦想本身就潜藏着癫狂的特质，更何况，很快，导演就摧毁了这种一直昂扬的情绪，给人们展露了残酷——庸常胜利了。

但这并不是结束，电影的优秀之处在于，它继续向下挖掘，用几个另外的反转抵达了人心深处不可琢磨的微妙地带。

在一个小酒吧，安德鲁偶遇前来演出的、已经被大学解聘的导师弗莱彻，后者邀请他入伙参加一个演出。

这是一个冰释前嫌的设定。

人们本以为会迎来阳光的走向，但这却成为对人性的又一次探底实验。

表演现场，满心欢喜的安德鲁发现，导师骗了自己，乐队要演奏的根本就是另外的曲目，只有他自己在舞台上不知所措。

弗莱彻走过来轻声对他说，“我知道是你干的。

”原来，这只是对他当年举报自己的一场报复。

梦想的光芒，现实的残酷，人心的冷暖以及人性的险恶，坚持、付出与回报，这一切都在《爆裂鼓手》中被微妙地呈现。

最终，安德鲁没有屈服，他在舞台上展示了自己曾经拼命练习的一段鼓技，让导师也为之动容。

这才是真正的和解，他们用一种对抗的姿势完成了一次看不见的拥抱。

《爆裂鼓手》更为伟大的层面在于对于成功的解释，它绝不是那种以功成名就论英雄的价值观，电影中的鼓手从未将自己的未来捆绑于具体的金钱和名声，而始终是对于这项事情本身的热爱。

这是对于梦想最好的阐释。

中国之所以无法拍出这样的有关音乐梦的电影，就是因为虽然有几千万琴童，但基本上，他们全都是由于父母追求名利的目的而被逼无奈的选择。

那种没有梦想光芒照耀的残酷练习注定只是苦行。

扮演导师的J•K•西蒙斯和扮演学生的迈尔斯•特勒都不算有名。

但他们这一次的表现确实出众。

颜值并不太高的小鲜肉迈尔斯•特勒经过之前那部《好景当前》和这一次的演技飞升，正在迈向他的星途，而演了一辈子的老戏骨J•K•西蒙斯或许真的能获得奥斯卡的垂青。

（by 杨时旸）

看这部电影有两个感悟，第一、嫉妒和怨恨可以激发人的斗志，但是热爱才能把人带到更高的层次。

一开始老师的一句话，一个眼神Andrew都很在意，在意到不敢表现自己，不敢将自己的真正情感激发出来，这时候的Andrew是活在老师的“节奏”中，老师说的最多的话也是 “not quite my tempo”。

老师的一句表扬他会微微一笑，老师的冲他怒吼他会默默流泪，因为别的鼓手被表扬，他会当面顶撞老师。

老师甚至故意安排其它鼓手跟Andrew竞争上台的机会，从始至终他都活在老师“话语中”。

这种嫉妒和怨恨态度激发出一个一心想成为最优秀的鼓手，Andrewq只能自己当第一，别人不能比得过自己，所以他每天刻苦练习，创可贴用了一片又一片就是为了让敲鼓的速度比别人快。

但是成就Andrew的还是他自己，Andrew是怀有真正热爱的drummer，这种感情超越了与别人竞争的动力，别人上台需要乐谱，而Andrew在没有谱的情况下上台演奏，乐谱早已经在他的心中。

在最后上台演奏的时候，Andrew才真正找到了自己的“节奏”，这段演奏的乐谱只有在Andrew心中，最后老师终于愿意配合Andrew心中的乐谱进行指挥。

Andrew抹杀掉了之前的自己，他不再是一心想成为第一的鼓手，而是真正找到了自己的“Tempo”。

这个节奏象征着别人评判和眼光，当Andrew不再在将老师的“Tempo”当成自己的“节奏”，不再追随别人的眼光和评论，而是自己创造出属于自己的“Tempo”，这才是真正的大师技艺。

第二、There are no two words in English language more harmful than "good job".这句话的含义并不是让人去刻意追求完美，而是每天都要对自己有要求，每天哪怕进步一点点。

永远不要停留在别人口中的“good job”.那是别人标准，而真正的标准应该是由自己来定。

我想成为什么样的人只有自己知道。

在生活中有很多时候我们不知道该如何选择，我们会考虑经济原因，家人朋友的态度等。

其实做选择时你只要在心里定一个目标，看看自己做的选择是否理目标更近。

坐落于纽约Fordham大学和林肯中心旁边Schaffer (现实中的Juilliard) 音乐艺术学院，据她的一年级新生——爵士鼓手 Andrew Neyman——所说，是全最国最顶级的音乐学院。

Andrew热爱爵士鼓，梦想成为Buddy Rich、Charlie Parker那样的传奇式人物。

正如他所期待的，他被学校的著名爵士乐队指挥Fletcher选中。

可是这位Fletcher老师，对他的乐队成员非常凶狠，对于Andrew这个新人也是百般折磨。

Andrew的汗水模糊了梦想，还影响了他跟自己Fordham女友的关系。

这就是电影Whiplash的故事基础，我基本就复述了一下预告片。

-音乐、拍摄和剪辑首先要赞音乐。

电影的一大特点是展现了爵士乐“爆裂”的一面。

其次是电影的节奏跟它的音乐贴合得非常好，使得电影有着爵士味道的韵律。

这部电影剪辑给我的感觉，没有一帧画面多余，没有一个镜头失意。

Andrew在敲鼓的时候，有时候他的脸和表情在镜头中央，有时是特写手指手腕，有时被敲打着的鼓、被抖动的鼓棒才是画面的主角。

慢镜头配合人物局部表情也用的恰到好处，非常巧妙的把人物关系、人物情绪、人物心态表现了出来。

总之导演很厉害，给了我们这些门外汉们能够体会到的不能再全面的打爵士鼓的感受（除了手把手真干）。

表演+台词演员们的表演非常赞，配角们就不说了，反正没有让人分心的表演。

电影的核心，就是学生Andrew和老师Fletcher.Andrew的表演者Miles Teller是近两年升上来的小生，我非常喜欢他主演的The Spectacular Now，他在里面的表演特别微妙精细。

但之后他对自己为了扩大知名度演的Divergent不满意，所以他说他特别珍惜Andrew这个角色。

Miles Teller从小就是鼓手，但他是摇滚鼓手。

大家可以谷歌一下，摇滚鼓手和爵士鼓手拿棒子的手势是不同的。

Miles Teller说，一上来，他都不能想象，换一种手势敲鼓怎么办得到？

但是经过短期特训，他还是展露了自己的天赋。

我对如何评价鼓手水平一无所知，但我个人认为，在这部片子里，尤其是最后一场戏，Miles Teller的表演简直成仙了。

我真的不能想象有人可以打得比他快。

除了敲鼓的技巧，他对于人物的精神也拿捏的非常准。

内在精神的表露，并不是全靠大幅度的动作，和听得到的台词，他的汗水、泪水、任何一个细小的表情，甚至小到嘴角上扬或下弯的幅度，都特别纯粹。

（对于看过的朋友，我有一问：你觉得那句single-tear的台词，是发现他可以流一滴泪之后临时加的，还是剧本就那样，Miles Teller专门配合演出来的？

）老师Fletcher的表演者是J.K.Simmons. 这个人物是好人还是坏人？

我本来觉得他不坏，只是要求过分严格，手段过度狠辣罢了。

不过电影并没有特别清楚的告诉你。

他在很多时候就是个十足的asshole，full of shit，而在某些瞬间又让你觉得，好吧他好像还是可以信得过的。

可见这个角色非常的复杂。

这个家伙好像没有几句话不骂人的，有时候频率快得我都处理不过来了，还有时候我心里会说，咦，居然还可以这么个骂法。

我特别想举出全电影他第一次骂人的那句作例子，不过鉴于我看的时候笑喷了，还是请大家等等自己看吧，否则少了个享受。

提示: 用到了双关 (double entendre)。

Simmons的表演非常好，首先这个人物70%是靠台词展现的，他把台词说得非常好。

其次，学生们都怕他是需要个理由的——学生们对他的胆怯演得非常传神，而对面的Simmons就要把他可怖的一面演得更传神。

他做到了。

Simmons这张脸颊上左右两片肉皮，就像一斗牛犬。

他那穿透力极强的眼神再一瞪，脸部肌肉一紧，嘴唇一咬，你马上就知道要打雷。

我觉得Simmons最起码可以拿个学院最佳配角提名吧。

最后，其实他的戏也有缓的时候，那些戏里面Simmons的演技是好得一塌糊涂。

电影的台词非常有绳命力。

打岔：如果你一直只看戏不看词，你永远找不到能激活你的好电影，或者你只能喜欢变四一辈子。

台词很多地方非常滑稽，而不滑稽的台词通常能表现人物特点。

大家要好好听台词哦。

最后想提出，大家有没有觉得女配最后出境的那场戏的摄影、节奏、谈话主题、反应人物个性的方式，都有点The Social Network第一场戏的感觉呢？

电影主题谈它的主题之前，我想先提一下一部1973年的电影"The Paper Chase." 那部电影讲的是哈佛法学院第一年新生们的幸存经历。

里面有很多自负、自尊、很在意别人看法的法学生。

里面同样有一位喜欢刁难、讽刺、让学生精神颠簸的Contracts老师。

那部电影的最后，主角熬过了一个学期，考前苦苦复习，赴考时胸有成竹，考完后镇定自若。

考试后，他意识到了，不管跟这个老师有了对自己来说印象多深、对自己多么有影响力的接触，不管自己花过多少力气向老师证明自己的能力，不管他到底对自己说过怎样刻薄的话，老师对他一点印象都没有。

而当成绩单寄来之后，主角把它折成了飞机，连看都不看，就投向了大海，毫不在乎。

虽然我的Contracts老师很幽默，但是我依旧要面对繁重的阅读和频繁的课堂问题。

我始终提醒自己尽力就好，不要在乎别人怎么想。

多谢那部电影，我在法学院的心态还不错。

(-How about your employment prospect? -Well... Shut up.)但Whiplash的主题却不是这样的。

法学院不是音乐学院，后者更重视硬性的、可以数量化打分的技术。

正是因为如此，在音乐学院成功、在爵士鼓上有所造就，“只尽力就好”的心态可能就不是100%的适用了。

在Fletcher的折磨、操控之下，Andrew的技术得到了非常大的进步，而电影的主题就是在探讨成功——动力——负面打击三者的关系。

负面打击真的必要吗？

真的是唯一的培养独一无二的巨星的办法吗？

负面打击真的能化为足够多、足够有效的动力吗？

这种方法对人人都适用吗？

是不是不受用的人只有泯然众人这一种命运呢？

有梦想有追求的人，面对老师、教练的虐待，是忍受，希望变强，还是大步迈开“老子不干了”呢？

承担了这么多打击，获得的“成功”是如何定义的？

这样的“成功”值得吗？

主角最后一场戏，到底是老师的调教所导致的，还是因为他自己心里放开了？

这些是电影让我们想的问题。

电影的结尾还算开放，这些问题的答案并没有完完全全的交待给我们，也不应该全交待给我们。

我能想到的另外一个小主题，便是社会赋予不同职业不同的价值，以及这种风气的可憎之处。

电影中有一个简单的餐桌戏，主要是表现主角性格的。

但在这场戏中，我们看到，大人们在心里，给孩子们的在各自学校、不同领域里的表现，赋予了不等的重量。

这种不同的标准，既随机的来源于大人自己的爱好，也受到“毕业以后能找到什么工作赚多少钱”这种物质框框的影响。

写作、音乐，有这种梦想的人的生活固然辛苦，但他们才是我们精神食粮的来源。

然而呢，我们却因为我们中的大部分人不重视他们，因为他们赚不了钱，而就接受他们不重要了，从而就使得他们更赚不了钱，恶性循环之后，随着他们的生活水平一起下降的，是我们的情商和智商、是我们理解他人和思考问题的能力。

想想主角Andrew在学校受了多少委屈、付出了多少艰辛，而迈出校区，各种澎湃便被市井的嘈杂所淹没，只有他不认识的电影观众最了解他，他在自己的故事里却被孤立，这不禁让人感慨。

--大家如果有条件的话，建议一定看一下Whiplash。

它只有1小时46分钟，在质量和含义上都非常的上乘，给观众带来情绪上过山车的同时，还能让你享受爵士乐。

如今我的脑海中，Whiplash的旋律还在绕来绕去(哭，它的拍子到底在哪儿啊)。

Miles Teller能不能获得大奖、甚至奥斯卡奖呢？

我当然希望他的事业更好，但是我还没有看奥斯卡季的其他电影，所以不好说。

唯一希望的就是他能保持良好的心态，不要Shia LaBeouf掉(Yeah that's a verb now)。

另外，Teller是新版《神奇四侠》里面的Mr. Fantastic, 希望这部reboot剧本够好，能够一雪前耻，同时将Miles Teller的知名度扩散到全球。

假设这样一个问题，如果上帝给你选择两种投胎模式：一种是过天才的一生，你将被自己才华所带来巨大的名利地位财富包围，但是你年纪轻轻就会死去。

另外一种是，过一个正常普通平凡的人生，上班下班家庭子女，你会健健康康的寿终正寝。

你会如何选择？

我想每个人的答案都不会一样。

天才倒底需要搭配几分勤奋才能完全绽放自己的光芒？

逼迫自己努力的程度，要如何界定才叫做“过分”？

老师的作用倒底是什么？

我觉得这部电影想表达的恰恰是一种 励志与反励志之间的灰色，不，应该说是黑色地带。

我在看得过程中很亢奋很激动，但在这热血沸腾之后也体会到了一种近乎自我毁灭性的东西。

记得听过郎朗的一个采访，他的父亲对待他练习钢琴的态度就是弗莱彻这种几乎残暴的泯灭人性的高压逼迫，郎朗几度出走甚至一度试图自残来迫使父亲放弃逼迫他练习钢琴。

如今郎朗成为了全球著名的钢琴家，再被问起对这段过去的岁月的感受时，他自己表示，那是一段残酷的岁月，但说实话，如果没有父亲的那种逼迫也许无法成就今天的自己。

我当时很期待主持人问一句：如果可以重新来过 ，你还会选择这条残酷的钢琴家之路吗？

可惜她没有问。

无论是郎朗也好，片中的鼓手安德鲁也好，他们既是这种残酷教育方式的受益者，也是受害者。

说实话我们对世界上那些天才的内心又有多少了解呢？

如果能重新来过，我们到底是希望世界少一个英年早逝的天才，还是希望多一个普通的鼓手。

当然世界上还有极少极少一群人，他们既有天赋，也最终经受住了这种高压教育，抵达了大部分人类都无法抵达的高度，在我们看来他们也许是”熬出头了“。

但是影片中自杀的那位学生的故事也告诉了我们，这种方法不适合所有人，甚至不适合绝大多数人。

少有人在你把他往死里打以后，还能绝处逢生，大多数人不是被打断了，就是处于正常的自我防卫——跑掉了——远离危险。

电影里老师的弗莱彻本人，是抱着极端偏执的“天才如果放弃了那就不是天才”这种念头来教育学生的，在他看来，这种自我防卫是懦夫的表现，这当然是非常片面的，虽然片子里没有讲述他的童年，但我想他的童年一定也经历过什么非常极端的事件，才会在教育中把这种疯狂的控制对名利的执着当成自己对学生的鼓励，秉持着宁可折磨死99%的学生也不放过一个天才的暴力教育学。

他不关心学生的心情，感受，只渴望得到结果。

而有趣的是，天才学生本身往往也是极端且性情不怎么正常的。

安德鲁在他的诱导和逼迫下，通过牺牲爱情，人际关系，诚信直到自己的生命安全，以及所有也许他自己都不知道被牺牲了的东西，终于来到了天才的大门口。

他天才的能力终于被激发了出来，但是在我看来他完整或者说健康的人格已经开始爆裂。

中文里的“执着”似乎还是个褒义词，但我觉得形容影片后期的安德鲁，尤其是弗莱彻，他对音乐和天才学生培养的执着可以说已经到达了obsess（痴狂与极度偏执）的地步。

凡是不按照他的节奏感觉来的，哪怕鼓点正确，对他而言也是极大的不正确。

但音乐是可以不被私有的，不同的乐手对同一作品的不同演艺恰恰造就了爵士如今的多样，没有个人理解和个人演艺，就不会有后来的bebop,free jazz 以及Fusion jazz。

弗莱彻的这种天才推进模式，照我看来也只能造就一种在演奏技巧上的天才，这样的天才未来是否也具有创造性，我就不知道了。

他口口声声拿charlie parker做例子，反而很是讽刺。

现代很多父母试图把自己有天赋的孩子往天才的道路上推，我认为这种行为很危险。

而这个影片也正恰恰把高压培养天才的这种教育方法的两种极端结果展现在了我们眼前，每个人都是不一样的，作为老师和父母，我们到底是想孤注一掷的期望自己的学生/孩子可以经得住这样的高压终究成为天才，还是选择鼓励，循序渐进地将有天赋的孩子推到一定的高度，然后看他自己的造化？

我一直认为，一个身心健全的人，不可能心里只有单一的东西。

这种对单一东西的追求——鼓技的登峰造极，必然会同时毁掉他心里其他东西。

对他而言现在不重要的，并不代表以后就不重要。

我在看到他以”你会成为我的绊脚石“为由跟女朋友分手时，心生厌恶。

但也在看到他不断刻苦地练习时，心生赞叹与怜悯。

我甚至对老师弗莱彻的所作所为，无法产生完全地否定，不到最后一刻，对一个角色的感受分分钟在起着变化。

这难道不是一部好影片所能呈现的那种了不起的多层次体验吗？

一部好电影并不一定会在看完以后让人觉得心情舒畅，人性是如此复杂，所以当我在看完一部电影后感觉自己对人性有了新的体验，那正表示这是一部对人有启发的好片子。

可惜我看到很多人都在单纯的评论电影里人物的道德程度，而忘记了这是一部电影啊！

组成一部好电影的要素还有很多，脚本，剪辑，音乐，美术等等，综合而言我都认为这是一部起码值4颗星的，有独特风格的好片子！

就像评论一个建筑的好坏，你不能因为这房子的地板颜色不符合自己的口味而完全忽略其他要素，也许更不应该因为一个角色的道德指数跟普世价值观有极大的出入而将整部电影所有部分全部打低分。

我认为这是很片面也不专业的评价一部电影的方法。

最后这部影片让我想起了那个天文学上的超新星爆炸而产生黑洞的现象。

我一直都不太理解倒底什么叫“ 恒星剧烈燃烧所产生的巨大质量的自我坍塌”，看完这片子以后，我突然对天才的诞生有了新的理解。

当宇宙发生绚烂的超新星爆炸时，有时候也会制造出在超新星自身中心因为巨大引力而产生的黑洞，没有什么可以逃脱黑洞的引力，就是超新星本身也不行。

在天才诞生的同时，毁灭也诞生了。

看到前面一段，觉得大学生就是好欺负，要换我早砍人了。

看到中间那段，觉得大学生才是阴三儿。

看到后面那段，觉得什么都不重要了，什么励志啊远大理想啊勾心斗角啊魔鬼教练啊SM师生情啊全都是屁话，只有一个东西是最重要的：自由！

自由来自哪儿？

不是来自于什么功成名就，而是来自于这个过程中的突破，一层一层剥开自己的壳，把人性流露出来，是高度得不容反驳的专业！

按道理说，励志片的弱点在于精神很感动现实很被动，但这部片子几乎真实到可以做教材，虽然不一定有个教练会天天骂娘跟嘴炮似的，但当你彻底投入一个事情，你不得不跟你的小女友说白白。

说正事，我看完首先思考的是，一百分钟左右的片子，为什么那么好看。

前提当然是叙述拐点控制得好，但后来才发现，每一个叙述拐点都是一次伪命题的批判（如果只是拐点控制得好那就只是一部中规中矩的娱乐片）。

最开始是一个大学生进入一个上档次的乐队，一开始还觉得自己挺行，后来被神经病教授骂了一顿，于是他回家苦练，你以为是励志片，还以为主题是不打不成材。

但剧情急拐直下，他居然因为一次碰巧到有点生疑的事故成了第一鼓手，你还以为主题是做人得有手段。

但是又错了，然后是一次临时考试，他玩命，重回首席鼓手，你以为是主题是搞爵士乐的不容易，或者舍命陪疯子之类的。

然后，你再错了一次，他临上场前出了车祸发挥失常，最后实在憋不住把教练扑倒了（当然还是没干他一顿），然后他决定不玩了，校方也开始介入说，你不是第一个被虐的，你说出来，我们帮你，我们已经决定收拾这个以虐学生为乐还装的自己特专业的傻逼。

你以为主题是做音乐得先做人。

又是错的！

学生和老师重逢，说了些掏心窝的话，他上台了，被魔鬼老师涮了当场出丑，但他决定扳回一城，最后回到台上，以一种老子豁出去了的姿态夺回现场掌握权，最后完成了一次完美的演奏。

我还以为主题又变成做人得靠自己呢。

其实全是错的，这部片子真正的主题就是：都是错！

所有关于人的主观意见和主观模式的全错！

那些伪命题经常出现在我们的意淫里：老师狠就能激发学生？

一次打击之后就一定有一次飞跃？

人生一定有转折？

人心还是向善的所以刀子嘴一定是豆腐心？

为了功成名就必须牺牲那么多？

疯魔就一定能成活？

错错错错错错！

最关键的是专业，是高度专业带来的自由！

其他的都是次要的：你要打鼓那你就是鼓手，你不行就回家练去明天再来，真不行那你就是不行，没人心疼你，这是乐队不是中国励志电视节目。

最重要的是你在打鼓时，被鼓声沉溺乃至溺毙，那就是全身心投入的专业！

教练你好狠？

学生我好疼？

同学你篡位？

评委你好毒？

这ＴＭ跟打鼓有什么关系？

忘掉一切，教练骂娘，家人不理解，同学心机比你还要重一点点，乐队成员都没一个好人，都不重要，此刻，命就交给这套鼓了。

那么，做这么多，只是为了成为林肯中心首席么？

错！

在舍命陪疯子面前，名利多可笑，我怕我都挨不到那一天，我只是沉浸在那个无我状态里面压根不想出来！

好了！

最关键的问题来了，那些吐槽的，基本就是吐槽在道德层面上：宣传这种价值观好么？

宣传这种可以说是没人性的价值观？

毫无疑问，只有你舍命全心投入在一件事上才会有大自由，而不是背包客的小自由。

但是，自由比人大，还是人比自由大？

绕我问一句，人类有那么伟大么？

平庸去死率性而活，大部分人都会选择率性，但如果我把率性两个字换成“着魔”呢？

人们的道德观马上变风向了，他们会说，没必要吧，身体要紧，差不多行了，饮食还是要规律的哟，做人别逼自己太紧.......整部片子最让我觉得真实到后背发凉的，就是这种彻底鄙视教条说教的叙述手法，我乃至于怀疑导演对教练在酒吧的那段关于“客套容易错失天才”的真心话并非那么真心，那毕竟还是主张棍棒底下出大师。

所以这部片子的结尾，我没听见观众的掌声，一次完美的演奏是老子自己的事，老子忘我享受它，而它结束在鼓手的最后一击。

痛快！

个人对最后一段的解读 弗莱切和男主角安德鲁在酒吧有一场对话，他们有提到了以前查理帕克的故事，因为乔伊琼斯用钵差点把查理帕克的脑袋削去，然后又在后台的冷嘲热讽，才刺激了后来查理帕克的牛B。

弗莱切在之前的选人培养人等方面很苛刻，但他自认为乐手还只是“good job”还不错的阶段。

弗莱切在这场对话中有说道，他还没有遇到一个他的查理帕克。

意思就是说还没有遇到像查理帕克这样的人，更不会去干削对方脑袋的事情，如果真的遇到，这样的偏执狂是有可能是去这样做的。

电影最后的片段，正好对应了查理帕克的故事。

只是用钵差点削去脑袋换成了没有曲谱甚至后半生被毁的压力。

第一首曲子只能随着乐队的节奏走，只能说是差强人意。

安德鲁自己也觉得是被耍了。

但是和父亲的拥抱后，他转身回头了。

这里面回到在酒吧和弗莱切的对话，“因为下一个查理帕克永远不会气馁”，而之前安德鲁多少多次的被打击，甚至在和他女朋友分手的原因上，都证明了，他想且正在努力成为最出名且伟大的鼓手之一。

安德鲁重新回到舞台开始了他自己的表演，冲破束缚。

表演了一小段之后，弗莱切就已经开始要咧嘴笑了，因为他知道遇到了他的查理帕克。

开始指挥整个乐队完成了完整的表演。

当一曲已经要结束的时候，连灯光都黑了以后，这可能是他们开场表演的结束，但安德鲁没有结束他的表演，然后弗莱切看着安德鲁然后点点头，此时弗莱切明白了，他的严厉苛刻，甚至有施虐的倾向对真正的“查理帕克”这样的人来说还不够。

弗莱切才在安德鲁solo的阶段不断的点头，是对安德鲁的认可，也开始作为真心的帮助安德鲁压榨出所有的潜力。

安德鲁的尽情发挥后在电影的最后几秒，两人对视，会心一笑。

安德鲁明白了弗莱切的良苦用心，弗莱切知道他遇到了他的查理帕克。