比利·林恩的中场战事

如果有人问光棍节这一天什么最抢手，多数人大概会掏出手机翻翻购物车；但如果有人问光棍节这一天什么东西想抢也抢不到，想看也看不着，那必定只有一样东西——就是以4K、3D、120帧标榜的李安新片《比利·林恩的中场战事》。

在此之前，技术问题一直是受到谈论最多的话题，各种技术分析帖也是满天飞。

但事实上，从个人的观感和体验来看，技术在整个观影过程中并没有造成障碍，甚至并不是很容易察觉。

初次能够察觉到的，只是更接近人眼的观感，视觉效果得到了显著增强。

因此，可以肯定的说，李安虽则激进，但并没有革掉电影的命，120帧、4K、3D……暂时抛开这些技术名词不谈（如果可以的话），对普通观众而言，《比利·林恩的中场战事》也绝对是一部可看性极强的电影，实验性可以忽略不计。

更深一步挖掘则会发现，120/4/3这三个数字到底能够带来多少商业价值实在存疑，而它们所带来的技术革新确实切切实实的。

在《比利·林恩的中场战事》里，观众最惊讶的地方和最反常的体验莫过于会看到各种脸红眼睛红、景深控制、快速摇镜，这些想必都是李安为了突出真实感精心设计的机巧。

几处黑白也用得恰到好处，让人想起《少年派的奇幻漂流》结尾减色所暗示的故事氛围（同样让人联想起《少年派》的还有“蘑菇”对印度宗教的提及，让人隐约能够捕捉到李安的兴趣所在和创作心路）。

李安很敏锐地发现了交叉的双线故事虽然在内容上大相径庭，但却都可以用超高帧率、三维和超清三种方式综合提高真实度和临场感，从而间接操控观众情感，而这对于以前动辄就以纪录式风格体现真实的手法而言，的确是完全不同、另辟蹊径了，因此也无疑是对电影语言的再造和颠覆。

从故事本身来讲，《比利·林恩的中场战事》仍旧是一部极为精巧的水准之作。

故事背景设置在伊拉克战争期间，故事的主人公比利·林恩在战场上救下了自己的班长，并和敌人进行了肉搏。

拜媒体所赐，林恩从伊拉克战场回归之后便成为了全国熟知的英雄人物，整个故事便是通过林恩对伊拉克战场的回忆和美式足球联赛中场表演双线并进的方式讲述出来。

在这之中，比利·林恩一生中“最惨烈的时刻”与碧昂斯的表演同时将故事推向了高潮，编剧可谓颇富匠心，节奏上也可谓严丝合缝。

李安的电影，从来不是难于理解的类型。

这部新片也不例外，有些时候甚至是显得过于“肤浅”了。

比如比利·林恩在经过艰难抉择之后最终选择归队，很多人就认为仅仅是“兄弟义气”，或者是“美式主旋律”的体现，其实不然，甚至恰好相反。

影片结尾，林恩在与姐姐的对话中透露了自己的想法，也就是“我多想让你为我感到骄傲。

”“为我感到骄傲”（be proud of me），这句话在英语中简直不能再常用，然而在这里，作者实际是在暗示他在且仅在部队里找到了自己存在的真正价值。

那么，作者也无疑暗示了一层潜台词，向观众抛出了另一个问题：林恩在德州时为什么只是个“小混混”？

为什么在美国本土找不到自己的价值？

关于这一点，电影中并没有透露太多，对于比利·林恩的生存环境也并没有太多交代，但我们还是能够通过极少的描述勾勒出他的家庭情况：他政治上极度保守的父亲，被豪车撞伤却无钱医治的姐姐……这就是一个普通的不能再普通，甚至显得有些落魄和贫穷的家庭（用林恩姐姐的话说，“这个家真是糟透了”）。

正是在这样看似极简的交代当中，我们可以一窥美国在伊拉克战争期间的社会状况，可以料想美国底层民众生存的窘况，甚至可以看到新总统特朗普胜选的民意基础和潜在必然。

从这个角度上讲，无论是原著还是电影，《比利·林恩的中场战事》对美国近十年来的政治社会状况都有着惊人的前瞻和深刻的认知。

“隔阂”是这部影片的又一大主题，但却也不是通过惯常的方式展现的。

片中，比利·林恩的创伤性回忆很多都起到了结构性作用，另一些则具有高度的讽刺意味，比如碧昂斯中场表演的高潮时，银幕上迎面飞过两颗绘有国旗的炸弹，随后化作了美丽的焰火。

反观此时120帧的比利·林恩，脸上是一脸惊恐，心里是万马奔腾。

正如林恩所说，“一生中最惨的一天给人庆祝，真是一件奇怪的事情”，美国社会与战场士兵的真正隔阂就是通过这样一个又一个细节淋漓尽致地展现出来。

商人的压榨、观众的打趣、赛场人员动手伤人……隔阂、不解、无知、亵渎，无处不在。

归根结底，比利·林恩等一干士兵的真正悲剧不在于经历过悲欢离合、生死考验，而在于英雄不再是人物，而成为了国家符号，英雄的事迹不再是真实，而成为了量贩商品。

他们不得不在社会对他们的“功绩”的反复提及和褒扬中咀嚼一生中最悲惨的时刻，无限接近“他人即地狱”的哲学悲剧。

至于爱情的火花，无非就是一个修饰的音符，为故事增添了一抹浪漫而伤感色彩。

几乎可以料想，《比利·林恩的中场战事》在全球范围内并不会获得一片赞誉一声。

对一些观众来说，它的技术太激进了；对美国观众来说，它的批判太尖刻了；而对中国观众来说，它的表达又太温吞了。

不过，这也正是李安的优势所在。

他似乎完全不在意讨好某一批观众，只是“一意孤行”地选择最合适的表达方式和表达内容，他能够游刃于当代政治社会文化之中，面满笑容下藏着几颗让人心悸的獠牙。

其实，李安到底还是那个李安。

星级：★★★★我并没有感觉到4K 120帧3D版本和普通的24帧2D版本在本质上有太大的不一样，我前后看过这两版，真正让我记住的都只是故事本身。

对于120帧的版本，眼睛所能察觉到的不一样，只是它更亮，更立体，多了一层泛蓝的光（应该是特制眼镜的缘故吧）。

反正第一感觉是一切从未如此清晰过，眼睛很快适应了之后，看电影就像你以前看过了DVD，一下子给你换上了蓝光碟，可以看到了更多的细节，眼睛也不累了。

从观看的角度，它是有益的，但不会给你一种从未见过的奇观式的差异，你甚至最后感觉不到有什么差别。

李安导演一直在提这个120帧的新技术，新技术不是问题，问题是为了这个新技术，他在电影拍摄上的调整。

作为第一个吃螃蟹的人，它的优点和缺点都要靠李安自己探索。

这不是《阿凡达》《奇异博士》那类奇观式的电影，我们不知道它拍起大片是什么感觉，不过这项技术让银幕上的细节异常清晰，演员脸上的毛孔、斑点，眼睛里的血丝都看的清清楚楚。

从细节来讲，那些烧钱做特效的片子，很难想象真做120帧时需要多花多少钱。

像DC的《蝙蝠侠大战超人》那类黑漆漆的电影，电影高潮时的夜戏大战根本就看不到细节，省不少钱。

因为120帧的画面实在太清晰，所以演员基本上就是素颜，因为皮肤的一丁点瑕疵都会被镜头捕捉放大。

所以片中的灯光都尽可能的模拟自然光，看不到具有电影感的打光，整个画面非常的明亮，这让一切显得异常真实，不知道用这样的技术，打很戏剧化的光，片子的观感会不会变得很假。

不过《比利·林恩的中场战事》的灯光足以提名奥斯卡，它的难度就像格斯·范·桑特当年拍《哈维·米克》，看着没有打光，其实大家都知道，真正到了片场，实际的光都不能用，都需要模拟自然光，看着还要像没打光。

有些人可能觉得不打光的问题就是容易感觉像纪录片，缺少所谓的电影感，像高清电视，其实这个观点纯粹是瞎扯淡。

为了这项新技术，片子用了很多固定镜头，就连阿富汗战场也是很稳定很流畅的摄影，没有手提或者肩扛镜头。

120帧的流畅画面，眼睛已经察觉不到脱帧和卡顿的现象，这时候太晃动的画面容易让人产生眩晕的感觉。

想象一下，你在万里无云的大白天，乘坐电梯快速爬升到828米的迪拜的哈利法塔顶端，如果你的眼睛从透明玻璃往外看，估计大部分人都会双腿发软。

当电影清晰逼真到这种情况，就会产生同样的效果。

摄影上还用了大量的近景和特效镜头，画面的景深很深，可能是为了画面足够的曝光，摄影机的光圈开的太大。

这也是所谓电影感变弱的原因，不过在我看来，这些相应的技术调整都不是问题，这样一个中场表演的故事，就是一场大型的直播秀，120帧的画面刚好足够有现场感，让人有如临现场的感觉，和全景VR直播有的一拼。

用3D 120帧拍演员的表演，就像把你放到一个话剧表演的舞台上，你隐形于演员之间，他们在卖力的表演，你可以近距离，甚至趴到他们脸上观看。

对于表演，这样的距离有点近的可怕，想象一把刀子刺入一个人的脖子，你看到他在挣扎，看到的眼睛圆睁，白眼球在慢慢充血，一丝丝的从白变红。

这样的技术一旦遇到坏品味的导演，绝对可以让人做恶梦。

好在李安在新技术面前相对保守，选择了很安全的做法，它在细节的呈现和临场感上逼真到可怕。

这个新技术之外，这是一部非常李安化的电影，以前你可能觉得李安并没有鲜明的作者化的导演风格。

直到这一部，你会突然发现，其实李安的导演风格不像其他人一样，在灯光、美术、摄影或者音乐上辨识度很高，李安的风格在于他看待故事的方式。

比如片子的配乐用了云淡风轻感的吉他，配乐非常的克制，和《断背山》如出一辙。

以前大家开玩笑套用李安那句“每个人心里都有一座断背山”“每个人的心里都有一把青冥剑”“每个人心里都有一个绿巨人”等等，其实这就是李安的执迷和套路，他每次讲故事的套路。

就连他在文化上融汇东方和西方，会在表达上如何走钢丝，满足东西方观众，都是同一种套路。

如今这些在《比利·林恩》之后，你突然能摸清李安的套路了，我觉得在这部电影之后，李安也是我心目中作者化风格极强的大师了。

李安讲故事，每次都是个体的选择，也不是理智上最正确的选择，每个故事到了李安那里，都有他看待世界，都有他思考的方式。

李安对这个故事的看法还是他那套要靠个人去领悟的讲法，他用120帧的新技术，让你离男主角比利·林恩足够的近，让你尽可能的去站在他的角度，去感同身受。

它提到牛仔、石油、战争、反恐、爱国和个人自由，但这不是一部传统意义的反战电影，更不是《美国狙击手》《拯救大兵瑞恩》《父辈的旗帜》那类的美式主旋律。

它对美国社会主流的意识形态提出了质疑，但并没有给出答案，最后他聪明的选择回归到比利·林恩这个个体，给这个普通的个体指出方向，但当个体的悟性扩大到群体，你会发现方向好像就不管用了。

所以李安这次的钢丝走的不够稳，美国主流观众可能不太买账，但对反恐战争没什么经验的海外观众，特别是东方观众应该更很容易接受。

在对待战争的态度上，比利·林恩最后终于主动选择了，但战争和爱国这事，终究还是属于大众的。

身为士兵，他只能回到战场，拿起枪，去尽自己的职责。

在这个故事里，比利·林恩周围的人不能了解他，他的家人不能，一见钟情的拉拉队女孩不能，他最亲密的姐姐也不能。

人们对待战争，都有自己的理解，这一次李安用120帧的高清画面让你近距离的观看战争，认识比利·林恩，你也同样很难理解战争是什么，只有像比利·林恩一样，亲自上了战争，你才能真正明白，这就是电影真正想说的。

最后我们看到的是一个男孩的成长，用去参加橄榄球比赛中场秀的时间，看这个男孩在人生的重要节点上，学会主动的选择，走一条自己认为正确的路，其中透着的不是爱国，不是军人的职责，不是英雄主义，是一个出身社会底层的美国小镇青年在生活面前的无奈。

他需要归宿感，他需要在生活中找到一个比自我更大的东西，最后他觉得他找到了。

0、电影上映一个多月前，我在台湾采访了导演李安。

稿子见http://ent.qq.com/a/20161017/033103.htm?t=14769493342601、采访的时候，李安说这个电影的主题在拍摄过程中改了好多次，像打乒乓球一样，你发球过去，它又打了回来，所以改了很多次。

很可惜采访他的时候我还没看电影，没法就内容提问。

我一直在想最后李安确定了自己要拍的主题到底是什么呢？

毕竟，这是一部本身就很好看的小说，也是蛮清晰的小说。

我不知道在拍摄过程中，电影是怎么把球打回来的。

后来其他媒体关于李安的采访一直没有涉足这点，很遗憾。

2、我一直都说，这部电影很像塞林格的故事。

但其实小说像《麦田的守望者》，而李安的电影则像《九故事》。

经由李安的过滤，这其实是变成了一个更加纯净又更加伤感的故事。

李安的比利更加有少年感。

有兴趣的观众可以去对比原著里比利和拉拉队队员在后台亲热的那段对话，和电影的对比，就知道李安是如何在这个故事减去了尖锐、刻薄、世故，而放进了青涩，温柔、宽容。

李安是如何让自己回到了19岁来理解一个少年的世界？

李安是如何来理解少年？

李安其实从来没有真正拍过少年。

在我眼里《少年派》不太算。

为什么他在62岁的时候，想要回到一个少年的世界里？

3、这当然不是关于“反战”的电影。

李安事先自己知道这部电影大约会被扣上“反战”的帽子，然而他也说，这场战争左派右派都不讨好，没有人说这场战争的好话，他实在并没有必要去拍一个“反战”的电影。

其实李安很怕这部电影被理解成“反战”，但这还是发生了。

因为观众实在太需要从一部电影里寻找“立意”，“立意”让我们达成共识，“立意”让我们完成对社会的认知和对自我的认知，找不到“立意”会让我们不安。

4、在我眼里，这就是关于一个人的故事。

“成长太痛了”，这是我所能感受到的层面。

而“军人就是军人”这个层面我不太感受得到，我对成长有体验，对战争没有体验。

但我猜，“军人就是军人”这句话的意思不是说什么“比利天生就是战争机器”，而是，我们如今所呈现的所有面貌，都由我们过去的经历塑造。

战场塑造了军人，这是一个不可逆的改变。

你经历过战场，你成为过军人，那就是你生命里永恒的一部分，你必须拖着这阴影前行。

战争把人们分成两种：一种上过战场，一种没有上过战场。

你从此永远无法完整的理解那一半人。

5、我不知道你们注意过没有，这部电影是没有关于他人的镜头的，这是一部纯主观的电影：所有的镜头，要么在拍比利·林恩，要么就是在拍比利·林恩看到的世界。

除此以外，没有其他的镜头——李安用情绪来传达情绪，所以既不对“渴了”做出解释，也不对“哭了”做出解释。

但实际上，他放弃得更多，他放弃了所有解释的技巧——导演们都是有很多技巧的，比如他们经常拍一大片天空，一只鸟寂寥得飞过天边，然后镜头转移到主人公，于是你就明白了，主人公很孤独。

但是《比利·林恩的中场战事》里几乎没有任何这样的镜头。

6、李安一定是刻意没有这些镜头的。

然而我不知道，这是他对120帧的理解所致，是他对结果已经胸有成竹。

还是他也并不清楚，这只是他的一次实验？

7、但这样造成的结果是明显的：因为导演没有解释，你只能自行代入理解。

它非常考验观众的“敏感度”。

而每个人的敏感和李安的敏感都肯定不是同步的，每个人从不同的镜头里感受到的情感浓度也不一样。

所以你被这幕镜头打动，他被那幕镜头打动，或者他无动于衷，情绪是很难同步。

情绪是一种无法解释的东西。

8、比利对着两位班长说自己追打姐姐未婚夫的段落，和比利对着姐姐说一群在巴格达发了财的厨子和自己以及蘑菇的尸体同机回美国，都没有用闪回画面来交代，而只是让比利——说出来而已。

闪回画面是讲故事，而让镜头一直对着陈述这件事的比利林恩，是为了让我们更清楚的看见这个人。

9、不过有些镜头拍成这样，仅仅是因为技术上做不到：120帧的摄像机有一个冰箱那么大，使用的时候肯定很多是受限的。

这部电影有些部分，肯定是属于“不得不拍成这样”范畴，这方面，没必要急着歌颂每一个镜头的正确。

10、这部电影非常非常让我困惑。

我不知道未来电影是不是都应该这么“不解释”，我不知道“解释”是会带来伤害吗？

是会带来什么伤害呢？

作为一部电影的观众，我们是真的完全不需要达成共识吗？

在更多的120帧电影出现之前，我真的不知道答案。

看这部电影之前，心里一直很疑惑，《比利·林恩的中场战事》究竟是一部怎样的电影。

因为围绕这部电影的全都是120帧、3D、4K这些字眼，依我看来，电影是蒙太奇的一门艺术，所有围绕在电影内外的元素都可以成为艺术表现形式，当然技术手段也不例外。

但之前还从未有一部在未公映之前如此大张旗鼓的无数次将技术手段摆在第一。

一度我以为，这部电影只有技术看点而已，但是，120帧，又不是所有人能看到，全球只有五家电影院能够罩得住，也是老生常谈。

不，这很不李安这有一句话叫做“3D，是商人赚钱的道具，是大师拍电影的工具”，用于形容李安再恰当不过。

作为一名电影营销人士，等看完这部电影之后，我才了解到，为这部电影造势的唯一方式，或许只有技术手段。

因为真正的好电影，就是看完有千言万语，但是却常常无从说起。

这些不是电影卖点，却是《比利·林恩的中场战事》（以下简称《中场战事》）的内涵。

这部电影看了两遍，一遍120帧，一遍普通版，至于二者区别，大家说得太多了我这也无需多言了。

但当所有人在力挺技术革新、120帧、3D、4K等等。

我偏不，我就是要研究这部有着高新技术的作品技术之外的内容。

那么这部电影，究竟讲了一个怎样的故事呢。

这部电影《中场战事》，究竟想表达怎样的内涵呢？

李安，是迄今为止，唯一一个，既能拍好中国片，又能拍好外国片的华人导演。

这个颇具人文精神的导演，用句俗话来说就是“文化人”。

他的作品中有着深谙中式传统文化的《喜宴》《饮食男女》，也有用武侠文化打开世界之窗的《卧虎藏龙》。

《断背山》《少年派》让他两度封神奥斯卡。

在东西方文化差异的面对。

对于这个能够通吃东西方的导演，他最大的杀手锏就是人文。

反战吗？

不！

主旋律吗？

不！

一场华丽丽的中场秀，伊拉克战争中的国家英雄，被邀请至球赛的中场休息时亮相，就是这么一个简单的故事，但表达的内容多种多样。

有人认为，这是一部反战电影，老生常谈。

也有人认为，电影是在向西方世界谄媚，美国的主旋律。

这其中无非是一个左或者右的站位。

但对于一位人文系导演，想必来自东方的李安，没有必要在西方世界站队。

人文精神，是这部电影的核心。

电影中，这群来自伊拉克的英雄在中场表演中都面对了什么呢？

满嘴跑火车的制片人，利益为上的老板，萍水相逢的拉拉队员，在短短的一天之内中，经历了从受捧、受拥护、被邀请、被开玩笑、被遗弃、被围殴，这帮大兵们，用一句北方方言来形容，就是“生瓜蛋”。

来的时候一无所知，走的时候一脸懵逼，很多人或许都搞不清这一天都发生了什么事。

然而结束之后，他们还要匆匆赶回伊拉克。

按理说，血气方刚的小伙子们，乘兴而来败兴而归，遇到这种事情，想必很多人都会脱口而出“老子不干了，爱谁谁”。

那么这部电影就成为稀松平常的反战片了。

然而最后，比利·林恩还是放弃了假的医疗证明，跟大伙回到了战场上，难道是在歌颂这帮平民英雄，不计酬劳，也要为国效力吗？

那就成了主旋律了。

两个世界的奇幻漂流在这么一个简单的故事下，电影的信息量其实很大。

从枪林弹雨的战场，到载歌载舞的中场秀，以比利·林恩为视角，这帮大兵们来到一个陌生的世界，那些无法与世界产生联结的感觉，在大量情节中被一一展示。

或许当所有故事结束之后，所有人的脑中都是一个个“黑人问号脸”。

我们打仗究竟为了谁？

我们应该是英雄，为什么如今却成了这个样子？

之所以成为这样的原因就是，就是因为当下这个美国大环境，任何人无法左右的事实，就是“Who care”你是谁。

就像美国大选针锋相对一样，不妨让我们回溯当年伊拉克战争时期，美国的民间意愿，有的支持有的反对，一场战争，能让美国政界从中获利，也能让华尔街那帮人怨声载道。

在这个时候，战争英雄的光临，是正确的人出现在错误的时间上。

残酷的战争和荒诞的表演，双面人生究竟哪个是真实的，哪个是真正的归宿，我们究竟有没有选择。

主角与大兵们在一天内的遭遇，却是整个美国社会的剪影。

现在正在打仗吗？

跟我无关。

我管你是什么战争英雄还是什么高级人物，我们所关心的，就是作为老板的我，能不能挣到更多钱。

作为制片人的我，能不能接到下一单有噱头的生意。

作为工作人员的我，能不能顺利让中场秀顺利结束。

作为粉丝的我，能不能看到真命天女，能不能让我支持的球队获胜。

你们从哪来，回哪儿去吧，该干什么干什么战争与表演，你都无法左右中国有句俗语：“用得着你，你就是孙猴子；用不着你，你就是猴孙子。

”不比二战时期美国民众群情激昂，不比越战时期一边倒的反对。

如今这个时代，美国人的危机感不在强烈，“战争英雄”这个头衔已经好久不见了。

你之所以上战场，就是因为你是一名士兵，你救人，是你应该的。

我之所以揍你，就是你们装逼，阻碍我们的工作。

总之，他们不该在这里出现就像比利·林恩，之所以参军，是因为给姐姐报仇，而不得不入伍。

电影开场悍马车中，几位都将自己入伍的原因说了一遍，理由五花八门，但没有一个是传统意义上的那种“热血青年”。

电影传达的，有着人生的选择，也有着无法左右的环境。

只是一场作秀，比利·林恩们已经被作秀哄抬到这个地步，假如这个时候选择退伍，这才是大新闻。

摆在他面前的只有一条路，身为士兵，理应回到战场，也不得不回到战场。

一场作秀，几位所谓的“战斗英雄”，终究是政治家、商人赚钱眼球和商机的道具而已。

用完之后，就没人管你们了。

李安的人文情结在这个大环境下，没人在乎你究竟干了什么。

举个例子，好比键盘侠，无论你费了多大劲干了怎样怎样的大事，自我感觉很良好。

然而对方打一行字就可以否定你的一切，你上哪说理去？

李安在这部电影里，关注的就是这里。

既不反战也不是主旋律，而是平心气和的描述一个事实。

而120帧，只是一个让你身临其境，切身感受的角色心境的手段而已。

有个特殊的设定，当处于第一人称视角时与对方交谈时，镜头拉得很近，几乎就是面对面的感觉，对方脸上的痦子皱纹看得一清二楚。

这在很多电影中都不会见到这类取景，就是为了让你拥有一种VR体验一样。

大兵们来了又走了，用徐志摩的话说“不带走一片云彩”，当然也没有留下任何印象。

唯一的牵挂，就是家人盼望大兵们的回归，至于那个萍水相逢的拉拉队员呢，得知对方的想法之后一脸失望，是与爱人分别的那种失望？

或许，她只是觉得你最后的想法不够英雄，我的少女心想要的，只是一个“英雄”的你而已。

或许，在如今这个时代，“英雄”这的名字，只有在应付这件事上管用。

没人在乎你是谁，真正关注你的，只有你身边的人。

但却又不得不与他们的期望背道而驰。

还记得片中，伊拉克战场上，有一尊人身象头的佛像吗？

这是象头神迦尼萨，在印度教中代表着命运之神。

传说是一尊凶猛之恶鬼神，后来依佛法，引率九千八百大鬼军，镇压三千世界，奉守三宝，成就一切善事，在印度很多地方，也将其奉为财神。

或许这尊佛像，代表着士兵们所期望达到的一种境界。

战场上英勇杀敌，载誉而归，收获人财。

但是，命运之下，这个期望在中场表演之后，又剩下什么呢？

恐怕从返程中，悍马车中鸦雀无声的大兵身上能够体会。

爱人与战友，家庭与战场，一场乱入的中场秀，就像一场梦一样，一名士兵，更清楚的认识到自己，其实只是小角色、小把戏。

120帧？

则是让这场梦更真实而已。

从视觉效果来看，这部电影所带来的感触其实不能用惊艳来形容，颠覆性的沉浸体验仿若打破了人与银幕间的隔阂，让人从视觉上仿若身临其境般的走进了主人公比利·林恩的世界，以此从他的视角为出发去面对战争，去看待家庭，去审视国家所诱发的思考，构筑了电影极为出色的内在纵深，但技术的革新在电影中其实又一把双刃剑，能否不单只是注重那新奇的观感，而真正走进李安煞费苦心希望将观众带入的人物视角，感悟到其厚重的人文关怀，成为了电影对观众的要求。

　　电影所构筑的核心并非是反战，而是一个年轻人他在经历战争后的成长与选择，透过电影技术所达到的人物带入感与克制内敛的叙事中细腻的情感把控，不经意间思绪已然足以被这一看似波澜不惊的故事所打动，被塑造成英雄的比利·林恩，他风光无限下的孤独成为了最为动情的内在，于此中电影也令人真正走进了他的心灵世界，反英雄主义的人文关怀在李安的这部电影中是如此的耐人寻味。

这或许并不是李安最好的佳作，但却是他最为敢于创新，并将技术与艺术合二为一，视觉与人物心理高度统一的难得之作，以此令观众走入比利·林恩的世界，方才倍感真实真挚。

实拍也有“恐怖谷”——《比利林恩的中场战事》120帧观感2016年11月13日本文也就简单讲讲120帧技术，不谈故事。

观影地点是上海影城。

首先要感谢李安，“山就在那里”的精神，让我们有幸看到传说中的120帧画面。

《比利林恩的中场战事》，是《阿凡达》、《地心引力》之后，又一部能让人在电影原教旨主义上有所启发和思考的电影。

不过，李安做得不像卡神和卡小神（阿方索卡隆）那般，在电影3D上有非常成熟的实验和思考，继而在电影表现中显得圆滑和保守；而是勇敢地把120帧的优点和短板都一一露出，反而给人一种“你们观望吧，我先冲了”的生猛劲儿，非常像罗伯特泽米吉斯的《贝奥武夫》和《极地特快》在CG人物和动作捕捉技术上的探索，元气淋漓，但是可以认为是失败了。

《贝奥武甫》和《极地特快》，包括最早的《最终幻想》，都证明了一点：现在的技术还无法真正突破CG人物的“恐怖谷”效应。

之后的《阿凡达》、《猩球崛起》，都理性地往后退了一步而获得成功。

接下来的《创战纪》、《速度与激情7》、《本杰明巴顿奇事》、《终结者4、5》让老人变年轻、让死人复活，也都是浅尝即止，不敢大肆张扬。

今年的《圆梦巨人》又在他们的基础上小心翼翼地往前踏了一步，做得更像人了，但是巨人的脸还是没有完成对“恐怖谷”的跨越，毕竟巨人就是巨人，还不是本金斯利。

而《比利林恩的中场战事》则证明了另一点：人的肉眼所接受的视觉信息与大脑对这些信息的解读之间，的确还有我们没有研究透的领域。

120帧的特性，我觉得是在帧数上“粗暴”地达到人的肉眼真正无法察觉的密度，改变了我们传统的影像接受习惯，从而强化真实感。

然而我们肉眼看到的画面，并不是只有高帧数这一个特性，其他形式的特性如果没有配套上，真实感和不真实感之间会形成矛盾，从而产生一种说不清楚的怪异感。

也就是说，《比利林恩的中场战事》让我们看明白了一点：实拍也有“恐怖谷”。

如果说它在影史能留下痕迹的话，这就是它最大的意义。

现在我简要总结一下《比利林恩》120帧观看效果如何：1.3D的亮度足够了（不过这个在传统IMAX3D中也能达到，可能跟120帧没有什么关系）。

2.3D场景下，“摇”、“移”、“转”这三种拍摄手法可以不再让人头晕，真正达到了流畅，仿佛我们真的在扫视现场（记者会场景尤其突出）。

可以说李安在本片中对“摇”的使用简直肆无忌惮，玩得很HIGH，效果超越一切以往的3D电影。

《阿凡达》都不敢这么玩。

3.人物脸部的细节实在是非常清楚和真实。

这可能导致两点变化：一是演员很细微的表情都能被捕捉到（比利林恩紧张时的眼袋在抖动），二是如同几年前《霍比特人》48帧的恶评一样，太流畅了，感觉太真实了，如果演员化妆了，那就是能看出来化妆了，可能会让人产生离间感。

这个到底能不能用灯光和调色来弥补，我不知道。

李安并没有在这方面很极限的探索。

4.浅景深造成人物与背景严重脱离，某些镜头甚至感觉像看皮影戏。

因为在帧数上达到了真实，我们的肉眼渴望在景深和景别上达到相同的真实度，但是大部分镜头没有达到。

很多画面李安还是按照传统的镜头语汇去表达，甚至有快速变焦。

这些镜头尤其让人感到别扭。

5.大景深画面，让人产生了在看电视纪录片的怪异感。

这个与我们初次在小屏幕上看高清电影的感受是一样的，不过现在大家都看习惯了，所以我默认将来我们会失去对大景深120帧的敏感。

6.大动态场面，120帧效果无人能敌。

如果就看普通版本，本片的战争场面其实很平庸。

但是换上120帧，我滴乖乖，一颗子弹就会让你吓一跳。

这时我会突然感慨，下一个尝试120帧的应该是卖拷贝和保罗格林格拉斯。

他们的3D电影不管是有意还是无意，都对我们的视觉产生了恶意。

不过如果换上120帧，无论快速剪辑还是手持摄影，3D电影的短板都能被补上。

7.继承了第6条，我再发散一下。

本来通过《阿凡达》、《地心引力》、《云中行走》，我总结出来好的3D电影的准则：完全尊重和模仿人的肉眼视觉，应该是大广角、大景深、长镜头，运动镜头应该稳重。

不符合这三点的3D电影妥妥地应该打回2D原型。

现在根正一下：结合高帧技术的话，快切和运动镜头是可以被引进3D语汇了，当然大广角和大景深不变。

让观众的肉眼自行在画面中寻找焦点。

总结一下，现在很多人唱衰120帧，我觉得唱不衰。

李安的尝试不能说圆满，但是及其有价值。

如同战场上第一个被狙击的战士，他倒下了，但是他为我们指出对面狙击手的大致方向。

有完美体验的120帧电影一定会出现。

到那时，我们再看电影产业和院线行当的又一次血雨腥风。

为李安的勇气点赞。

有你是影迷之福。

看了好多篇影评，都未能表达出我心中所想，所以想写点什么，内含严重剧透，没看过电影的，请看完电影再来看这篇影评这部电影，看得我很难受，这是一部诛心之作，拷问着每个人的价值观影片的主角，比利林恩，生活中就是一个废物，这么说可能有点严重，林恩因为砸了别人家的豪车，为了免于起诉，选择入伍到伊拉克前线打仗，可以说，到前线的这帮军人，他们在社会中都是林恩类似的人，生活中的loser，包括林恩的一家，都是社会上的loser，即使他们的违法乱纪有着各种各样看似合理的理由，但是这并不能改变他们本身是被社会边缘化的一群人，林恩的姐姐说过，我们家，也只有你混的像个人样了一场普通的遭遇战，林恩为了营救班长，陷入到危险中，最后在战壕中通过近身搏斗将敌人杀死，一个普通的情景因为被拍摄到传播到网络上，引起广泛关注，林恩瞬间成为了美国英雄。

归国安葬班长的空隙参加了德州橄榄球赛的中场表演一个简单的剧情，我们看到形形色色的人向林恩投来了崇拜的目光，但是他们实际上并不关心林恩的真实感受，他们只是希望得到他们希望得到的答案，或者说只是林恩的表现和他们心中英雄的形象得到了完美的契合，人们的精神生活需要英雄，仅此而已。

而这个需要也是有时限的，如果他们能够提前一周回国，也许能卖的更贵一些。

德州橄榄球队的老板希望根据林恩事件投资拍一部电影，是因为他崇拜林恩？

是因为他尊重军人？

是因为他关心伊拉克战事？

当然完全不是，只是因为林恩可以重塑他心目中的德州硬汉形象，只是为了满足他作为一个高贵的孤星州人的优越感。

林恩只是他能够实现这些的工具而已，只值五千美元，也许比他的皮鞋贵上那么一点。

那些看球赛的普通人他们关心英雄吗？

也许比起什么狗屁英雄，他们更关心这些远在海外的男人是否在战壕里搞基。

那些赛事组织者关心英雄吗？

他们甚至会在表演结束时把这些不知所措的军大哥遗忘在舞台上。

那些赛场的保安们关心英雄吗？

管你什么狗屁英雄，惹怒了我就打得你满地找牙。

在最后的通道中，一幕保安大战军人的大戏将整部影片推向高潮，在海外奋勇杀敌的美国大兵回国后被保安痛扁，是的，他们在自己的国家里甚至得不到在敌国军人那里获得的尊重。

姐姐的乞求，美丽的邂逅，一次次的击打着他柔软的心灵但是，我不能留下，因为，离开战场，我就是个废物你会误解我重回战场是为了什么狗屁荣耀事实上，我只是那么的希望能够成为你的骄傲啊我的心，为之一悸我们去评论一些人或事，是源于我们对他们的关心，还是仅仅为了满足我们自身的精神需要，抑或是仅仅为了满足我们自身卑微的优越感。

我们对一个群体的标签化，是否已经逼得他们无路可选。

我们是否在不自知中就充当了这样的角色，还觉得义正言辞。

我们并不关心他们，只是希望他们，成为我们希望中的样子而已。

每一个人，都当自省。

今天是《比利·林恩的中场战事》在上海点映的第一天，对李安始终抱有敬畏与好奇的我好不容易弄到了最早场次的邀请门票，得以第一时间观赏这部号称具有革命意义的作品。

关于这部电影4K/3D/120帧的介绍早已在各路媒体狂轰滥炸的宣传下让人引颈，但我也深知李安从来不像一个技术狂人，他归根结底是一位负责任的电影导演。

尽管之前已经看过许多观众对这电影中无以伦比的真实感的评论，但当电影第一幕徐徐展开时，它的清晰流畅还是让人感到了强烈的压迫感。

那些脸孔太真实了，在李安擅长的细腻叙事中，那些情感的表露真实得令人心碎。

如果说《少年派的奇幻漂流》是李安对幻化寓言的渴求，那么在《比利·林恩的中场战事》中，李安回到了那个力求真实的艺术道路。

电影不是杂耍但可是是杂耍，不是童话却可以是童话，但真实的表达让我们得以在观影过程中对故事产生信任感，从而与导演一同进入他的世界，与他一同探索那些影像背后的焦灼与释放。

这也是为什么《比利·林恩的中场战事》格外适合这极度贴近现实甚至“比真更真”的4K/3D/120帧，因为这项所谓“新科技”对面部表情的细腻捕捉是前所未有的。

李安在这里处理的角色有着内向的性格，却面临着各种各样的困境——不幸的姐姐，不得不履行的战士职责，令人迷失的战争，以及战争带给他的心理创伤。

他没有歇斯底里——内向的人怎么会歇斯底里？

他在面对一团乱麻只不过被各种角色与安排推着往前走的中场秀中不断地回忆起战争中的画面，他在被赋予的“英雄”角色与自己真实的心理困境中浮沉不已，最终导向强烈的对宿命的无力感。

这一切背后的焦躁、抉择与痛苦在他波澜不惊的蓝色眼睛中缓缓流过，在前所未有的高清画面中，影像蒙太奇构造下，他眼神里的迷惘是那么地真实，让我们不由自主地想要深入探知他的心理活动。

刚不要提那些战场上从挣扎到死亡的表情变化，那些暧昧的微妙眼神，在高清高帧数画面下带给人的印象过目难忘。

在礼炮升起的一刹那，战争的画面扑面而来，那种木然旁观与痛苦记忆一拥而上的感觉太真实了，在影院中的我望着他的双眼不自觉地流泪。

这部电影另一个真实的部分在于，李安没有刻意显露任何说教意味，他只是力图自然地去呈现角色的每一个心理波动，并在其中不经意地安插自己的影子，比如对于电影寻找投资的尴尬，比如对于聚光灯与媒体口舌前后人的反差，这些戏中戏的构建都是李安的世界在电影中展露的一角。

最后我们在那些真真假假的秀场、愤怒、利益中，在赤裸裸的恐惧、死亡与不知所措中，归根结底还是逃脱不了命运。

但李安没有渲染什么重大的悲剧感，一切没有在战场上腥风血雨地结束，而是在日常生活中的一个微笑与拥抱中即成永恒，永恒的焦灼，永恒的虚伪，永恒的无力，与永恒的人性，永恒的情感。

也许这部电影处理的东西太多、又没有什么昭然的大母题，从而让人觉得琐碎。

但它的大部分时间里只是在中场秀的一天里，比利·林恩这个纠结在各类困境中的大英雄面对的他人与自身无法消解的鸿沟，正是这些看似絮絮叨叨的横生枝节，让这个故事格外让人沉浸其中、感同身受。

最终，我们的痛苦是否得到了消解？

没有答案。

因为生活大部分时候都只关于虚无的流动。

（文/杨时旸）自从120帧4k技术被大张旗鼓地宣扬，李安的这部《比利•林恩的中场战事》就注定会引发一场争议。

在海外上映后口碑扑街似乎更加引发了中国观众的兴趣。

不知道其他“低配”版本的观影感受如何，标准的120帧4k画面给人的感受很诡异。

这部电影充斥着大量面部特写，原本只需中景的镜头都被义无反顾地推得极近，几乎每个角色都顶着红鼻头以及泛着血丝的面颊和眼睛。

这是启用这种技术的初衷或者副作用——李安企图在这部作品中把一切变得纤毫毕见。

所以，没有什么比毛细血管破裂带来的红晕更能表现这一点。

当男主角林恩和拉拉队员在帷幔后偷偷亲热完毕，尴尬地走回座位时，班长问他，为什么像刚打了炮一样？

（中文翻译故意回避地改成了‘像刚刚睡醒一样’），那种羞涩、掩饰和努力回归清醒的微妙红晕，只有这样的细微的技术才能得以呈现。

但是，这样的“真实”恐怕不是现实意义中的“真实”，它更像是显微镜下的“真实”，一种“超真实”。

这种技术剔除了电影独有的某种质感，这也就是为什么有那么多人都觉得这更像是在看高清电视。

它或许更加适合表现足球比赛或者现场演出之类的内容，色彩艳丽，对比强烈，近处的毛孔与皱纹都可以被凝视，远处的不同风景也都层次分明。

怎么说呢，这有点像图像范畴中的“恐怖谷”理论，一旦真实度超过某个上限，它就有点古怪了。

不知道擅长故事叙述的李安把多少精力放在了研究技术之上，至少从故事本身的层面来讲，《比利•林恩的中场战事》还有更好的叙述方式。

这种在热闹现实和残酷战场之间闪回衔接的方式十分老旧，更何况在很多时候，它的转折做得过于生硬，比如庆典的焰火声、琐碎生活中敲击桌子的声音都成为了触发记忆的扳机，引爆对战场炮火的恐惧，这种做法，次数多了就显得了无新意。

其实，这个故事也并非在表达对于战争的态度，更多的是在向人们展示，现实生活有时猛于炮火。

在真实的战火中被当做英雄的人，一旦回到俗常，就必须被纳入一场表演。

而林恩和他的战友们所经历的一切一旦进入影像、解释、传颂与报道，就都被娱乐化了。

他们的恐惧、自豪和悲伤都化成一种象征和固定格式，进而被消费。

林恩和自卑的姐姐与疲惫的家人重逢，和想用他们赚钱的二流经纪人周旋，与充满算计的球队老板对峙，更何况还有一群把他们当做异类的吃瓜群众需要应付，自以为是的能源公司老总，没完没了询问他们各种枪械功能和杀人感受的橄榄球队队员，日常场景俨然突变成为战场，人们的语言、观点和审视态度都像是子弹，林恩和战友们像无辜的动物，被一群人环伺。

林恩对只肯出五千五百美金的球队老板说，“你还不如那些圣战分子懂得对我们尊敬。

”那些圣战者至少还是以命相搏，但这个衣着体面的富人，不过给出了打发乞丐的价码，就企图买断这几个战士的叙述权。

某种意义上说，这群现实中的人们更危险。

一群穿越生死的士兵，远离战火之后，发现自己必须被纳入一部电影才能把生死变现，被世人铭记，但很快就没人愿意投拍这样一部电影，他们成为了一种用后即抛型装饰物，用来短暂地被别人拿来装点自己的情操，他们最终拒绝了这种娱乐化的状态，宁愿选择回到生死未卜但真真切切的战场。

这个故事中植入了有关拍摄电影的桥段，充满小小的自嘲和幽默，电影成为了一个象征，有关资本、有关娱乐化、有关对于留存记忆的需要。

这其中有李安自己作为电影导演的一些隐秘又有趣的心绪和况味。

这一群有着战争心理创伤后遗症的人们还是要选择回去，回到自己熟悉的地方——战场。

回到那里，对于他们自己来说更像回家，对于旁人来说，只有在那里，这群人才真正维系了英雄的模样，这一点才最残忍。

但是每条情感线索，在这部电影中都没有被更深入地呈现。

其实，这个故事，以李安对人物心理细腻的把握和故事讲述节奏的精到，足以可以呈现出另外的方式，但现在更多的时候为了呈现技术上的先进更损失了太多其他的韵味。

目前看来，这种技术不太能代表着未来电影发展的方向，至少不适用于这一类故事。

电影的发展方向绝不是线性的愈发清晰，相比于技术，它存在的价值还是基于情感。

一 “李安是一位绝不会重复自己的导演，本片将极富原创性”李安众所瞩目的新片《比利林恩漫长的中场休息》，正式更名《半场无战事》。

预告片首次曝光后，被视作是明年奥斯卡种子选手。

该片根据同名畅销书改编。

原著小说荣获美国国家图书奖。

也被BBC评为21世纪最伟大的12本英文小说之一。

影片讲述一位19岁德州男孩的比利·林恩入伍参加伊战，在一次交火中他大难不死，意外与战友成为大众的关注焦点，并被塑造成英雄。

之后他们返回国内，在橄榄球赛中场休息时授勋。

这名战争英雄却面临前所未有的心灵煎熬……李安为什么选中这部电影来拍？

因为李安想要挑战前所未有的技术难题：以120帧每秒的速度、4K、3D技术全面结合，来掀起一场电影视觉革命。

什么意思？

所谓“电影是24格每秒的谎言”，其中的24格，就是帧数。

在《霍比特人》中曾经试验过48帧的帧数，有褒有贬，画面流畅度提升明显，却又因为太明显，而被诟病像是电视，观众在银幕底下，观看的不像是电影，更像是观看演员的表演过程。

此语一出，吓得原先打算用60帧拍摄《阿凡达2》的詹姆斯卡梅隆又换回了48帧。

而花甲之年的李安，却选择逆流而上。

不但要选择高帧数，还要选用120帧，120帧是普通电影的整整5倍。

这是什么概念？

普通帧数拍摄的动作场面，容易造成拖尾和模糊不清。

120帧能够完全避免这一点，让画面做到完全的逼真。

导演兼特效艺术家道格拉斯·特鲁姆布是少数看到过此片的人之一。

他曾拍摄过120帧每秒的3D电影。

他说：“你的大脑非常像它。

我无法跟你描述它的刺激、兴奋，以及视觉上的逼真度，这可不像电视，像是一种新的解决所有问题的电影媒介。

”理论上，这种高帧数频率能传送出更流畅的画面和动作，无法匹敌的尖锐、现实主义。

这也仅仅是理论上。

李跟团队在拍摄时都没法翻看自己的拍摄成果，只能以60帧每秒、2K、3D的画面看。

因为超越了机器的承载。

直至前些日子，李安在美国广播电视展上放映了11分钟的片段。

震晕了业界。

本片制片人Ben Gervais说道：“在看完一段战争场面后的四十分钟，那些人还在颤抖。

”他们到底看到了什么，以至于如此震动？

这是最流畅、最逼真的电影。

每一个细节，都会清清楚楚地展现在大银幕上。

一般的电影在处理战争场面时，会提供一些慢动作特写，目的是让观众跟得上动作。

但李安拒绝使用慢镜头，理由就是，那不是士兵经历的真实战争。

他想用这种最先进的技术，去捕捉真实战场的感受，那是何其的惊心动魄！

不让观众体验到极其逼真的战场，怎么对主人公的内心感同身受？

这是一个不断逼迫自己，挑战极限，追求革新的先驱导演。

于是，才有了这一项宏伟的试验。

目前，这种技术被命名为“沉浸式数字技术”。

李安正在踏足前所未有的技术领域。

这次他挑选的方式极其险峻。

目前面临的质疑声是，很少有电影院可以同时支持3D加4K，更不用提120帧每秒+3D+4K了。

几乎没有什么电影院可以支持这种放映技术。

更有质疑声说，即使战争场面极其震撼人心，观众真的能接受这样被震撼到嘛？？？

倔强的李安说：“如果我们要做数字技术，必须与众不同，绝不模仿他人。

”《半场无战事》就是李安的“与众不同”。

这样果决地追求技术革新，还因为他对上一部片《少年派的奇幻漂流》中的3D效果不太满意。

甚至在他眼中，好莱坞大多数工作室和电影制作人关于3D的想法是倒退的。

在一次偶然的观影机会中，他看到了高帧数拍摄技术。

然后，然后就一发不可收拾了。

“电影是我生命中的最爱，现在我能更加清晰地观看，一旦我看过高帧数电影。

我就没法假装没看过。

”“在某种方面，我很天真。

我只是对我见到的东西很兴奋，有些时候，这种实验会对整个工业产生影响。

我有时感到非常脆弱。

我的目的就是为了向人们展示：你看到那个了吗？

你看到我刚才看见的东西了吗？

这就是我全部的动力。

”李安仔细推敲了这些变革的影响，顺道，他还发现他思考的东西将成为未来电影人的强有力的工具。

因为清晰度改变了，人们观影模式也要改变。

对于电影人来说，是一种新的电影语言。

说到技术狂人，一般会联想到詹姆斯卡梅隆，斯皮尔伯格，罗伯特·泽米吉斯等导演。

谁能想到，李安这样外表温文的导演，会是引领画面革新的技术先驱？

“我不是技术狂人。

只要让我看到我想看到的，我就配合。

但我发现了这样一种展示于我眼前的新方式。

非常激动。

”然而做先驱是要付出代价的。

化妆、灯光、舞台等等，全部与普通电影拍摄方法不同。

电影拍摄进度必须放慢。

“大部分时候我们不知道该这么做，我们还不够好，这是完全新的技术。

很多时候我们抓头挠耳”幸好有东家索尼的全力支持，投资在4400万到4800万之间。

索尼知道即使放映技术不支持，依旧迎难而上。

执行官罗瑞布鲁尔说：“在美国广播电视展上放映的格式，在商业上可能实现不了。

但是现在已经有不少电影院放映技术可以放映高速帧率电影了。

”他们将宝押在李安身上，是因为信任他。

还因为他的电影，根本不像他的外表那样温软。

这是一个极具挑战性，敢于击破所有陈规的勇敢的人。

李安曾经说过，“在现实的世界里，我一辈子都是外人。

何处是家我也难以归属，不像有些人那么地清楚。

在台湾我是外省人，到美国是外国人，回大陆做台胞。

命中注定，我这辈子就是做外人。

这里面有台湾情，有中国结，有美国梦，但都没有落实。

久而久之，竟然心生“天涯住稳归心懒”之感，反而在电影的想象世界里面，我觅得暂时的安身之地。

”人生如戏，戏如人生。

有些人在现实生活中可能无趣，反而在演戏中才真正找到自我。

李安说的是《色戒》里的王佳芝，说的亦是自己。

他多次自我解嘲，说自己表面上温文尔雅，行事温和，符合儒释道传统文化中的好人形象，但是，多么无趣。

这样的自己，是《卧虎藏龙》里压抑自己的大侠李慕白，是《理智与情感》里隐忍的大姐埃莉诺·达什伍德。

然而他真正渴望的，是玉娇龙纵身跃入深崖的极度反叛，是玛丽安沉醉不知归路的惊蛰心境！

一如王佳芝，分不清戏中戏外。

也许戏中的自己，才是真正的自己。

而电影，是那个照出自己未知部分的镜子。

二 胸怀猛虎李安拍电影一向追求凶狠，外表儒雅，其实内心藏龙卧虎。

《饮食男女》就不提了，将中国人五千年来的性压抑摆上台面给人看。

在拍摄《理智与情感》时，他放话：“我要让这部电影重重地击碎人心，他们得花上两个月才能痊愈！

”他当然是做到了。

这部电影简直就是一部诗情山水化的英国名著，居然拍出了《小城之春》般清新委婉的东方意境。

而主人公细腻动人的情感更是让银幕下的观众潸然泪下。

到了《色戒》。

对所有人来说，都是一场地狱般的洗礼。

拍一场麻将戏，会拍上整整一周，拍到打扫卫生的工作人员都能背出台词。

每一个眼神，每一个动作，官太太们似是而非的对话，麻将桌上的明争暗斗，争风吃醋，马虎不得，必须拍到位。

所有人被他折磨得不成人形。

以及传说中的硬情色。

演员汤唯至今没有一个电影形象能够超越《色戒》中的王佳芝。

到了《少年派的奇幻漂流》，挑战不可能完成的任务。

一男孩、一虎、一船，制造紧张的戏剧冲突，以及那么多奇幻的画面。

主演从开拍，到结束直接掉了14公斤体重，苦到整个剧组都为他掉眼泪。

李安最后抱着他哭。

所以，相信李安的人，应该不会失望。

这次的《半场无战事》，大概又要掀起一股技术风潮，一如以前的《阿凡达》。

李安说：虽然很难改变人们的习惯和文化，但我太好奇了，我不再年轻了，我不想等待。

除了好奇心，他还怀有每一个电影人都怀有的野心：改变电影在人们心目中的地位。

他希望去电影院看电影成为一个庄重的大事，如同去教堂或者庙里一样特殊。

“你不应该在手机里看电影，我认为这才是电影本来的面目。

现在根本不是这样了。

我觉得是时候我们做点什么，改变一下，让去电影院变成更加激动人心的事情。

”无论电影工业目前是否准备好，他都在往前推进了。