摄影机不要停！

　　刚开始看《摄影机不要停》的时候，简直觉得这就是一群玩票的瞎拍着玩的，也同时觉得豆瓣上评论这部电影的人瞎了眼。

　　什么嘛，除了女主的小屁股翘一点，其他人都是从哪里来的。

那个大胡子导演是个兜齿，除了那个摄影机跑出来继续拍就不会说别的了。

男主就会耸个肩膀跑，还顶个黑眼圈。

那些丧尸就不用说了，一个个慢吞吞的，一点儿杀伤力都没有，怎么就吓成那样。

哥们儿都快被你们逗笑了好嘛，真是给丧尸界丢脸。

　　最可怕的不是这些，是那个拿着话筒的家伙，究竟在干嘛，丧尸来了你任性的要出去，还说一定会回来。

绝逼大BUG。

我去，导演，你也太不用心了吧。

最可恶的，那个翘屁股的女主，一路跑一路嗯哼嗯哼的乱叫，你能叫的专业点吗？

而且啊，那些五角星究竟是怎么回事？

一点儿意义都没有好嘛？

　　还有哇，那个已经被劈了脑袋的大姐，你是回光返照吗？

你都被斧头劈了脑袋了，你还回光返照，真是。

不得不说的是，那个摄像机掉在地上是怎么回事啊喂？

真的服了。

　　朋友三番五次的拉着我走，但是哥们儿是个锲而不舍的人，毕竟钱都花了，电影都不看完就走不觉得良心难安吗？

朋友被我这个理由说服，安静的坐了下来。

　　可是，可是，你不是在五角星里好好的站着的吗？

一个月前是怎么回事？

兜齿导演日暮在拍电影？

难道想说明丧尸究竟怎么来的吗？

那个奇丑无比的小脑袋女人是怎么回事？

要拍一部电影？

僵尸电影，一镜到底？

看到这里哥们儿总算是明白点端倪，这是要说明那部烂片怎么来的。

随着那个小脑袋丑女询问：“你要试试吗？

”字幕出现了，我去呀，这是哥们儿第一次见电影都放了一半儿才出字幕的，也算是一种创新了。

　　执着于导演梦想的女儿，疯魔表演的母亲，一直被压迫的导演父亲。

这是日暮一家的构成人员。

要说相同点，那只有一个，都不得志。

女儿日暮真央，执着于自己的导演梦想，不想向现实妥协。

可是现实最喜欢的事情就是打脸，打的啪啪响。

母亲日暮晴美，是个过气的演员，因为入戏太深，容易走火入魔，不得不放弃表演梦想，在家做起了家庭主妇，业余爱好格斗。

父亲日暮隆之，是个已经向现实妥协了的电影导演，日常宣传是“迅速、便宜、效果还凑合”。

　　为了庆祝开业，电视台决定拍个系列的丧尸片，不光现场直播，拍摄手法还是一镜到底。

因为预算问题，找到了平常拍摄情景VTR的导演日暮隆之。

日暮导演听了小脑袋策划的爆点，觉得简直就是莫名其妙。

老子虽然是一个名不见经传的导演，但好歹也是导演啊，你这策划什么玩意儿。

可是在得知这部电影的男主是女儿真央的偶像时，日暮毫不犹豫的接了这部戏。

　　可到了剧组，导演才发现这是一群什么样的家伙。

装逼犯男主，事儿逼女主，带孩子排戏的女配，花心男配，三个饰演丧尸的也是奇葩，一个嗜酒如命都酒精中毒了，一个中二病爆棚完全没有自信，还有个喝硬水就会拉肚子的货。

这么多奇葩，日暮导演也真是有包容心，彩排了几次之后，好不容易顺了下来。

可是到了片场，还是出了状况。

　　出了什么状况？

男配女配一起乘坐的车子，在来片场的路上出了车祸。

可因为是现场直播，如果就此停掉的话，电视台那边交待不过去。

导演日暮隆之毛遂自荐，自己曾经在大学演过戏，可以担任男配的角色。

可是女配的角色谁来？

这时候探班的日暮真央和日暮晴美来了，日暮真央推荐了封魔表演专家——自己的母亲晴美。

　　可是，这个仅仅是状况的开始。

现场直播一镜到底的摄像机开拍了：那个喝硬水会拉肚子的二货误喝了硬水，即将拉肚子。

而那个酒精中毒的家伙，喝了制作人送来的二锅头，醉的不省人事。

唯有中二爆棚的少年还好点。

可是演戏成封魔的晴美，万一再疯魔起来怎么办？

　　电影的后半部分，用非常意外的搞笑手法告诉我们，这部巨烂的僵尸片是怎么排成的。

绝对的笑点不断，笑到最后，哥们儿还哭了。

当时就感叹，幸亏没走，票价值了。

　　《摄像机不要停》可以说是今年最大的黑马，投资成本不到三百万日元，最后票房总收入达到了三十亿日元，一千倍的收益，简直不可想象。

从票房上来说，和这部电影媲美的，也就是《这个男人来自地球》和《鬼影实录》，以及《女巫布莱尔》。

除了这三部电影，再无能出其右。

　　要说电影的成功，得益于电影结构前后部分的反差对比。

前半部分和后半部分独立存在的话，绝对可以烂出境界。

但是前后放在一起，这种强烈的感官反差，让人惊喜不断，无论是电影后半部分的喜剧效果，还是温情温润，甚至是整部电影的拯救行动，都能让人细细品味会心一笑。

所以总结来说，本以为是一部烂的不能再烂的丧尸片，谁知道竟然是一部喜剧片，看到最后才知道是亲情片。

除了影片细细思索，其实是励志片。

　　豆瓣8.5，不亏。

“别歇着！

”当年《鬼子来了》里姜宏波此话一出，身上的姜文还没来得及使劲，趴窗根的“我”反倒吓坏了。

硬着屌的“我”气急败坏，用枪指着姜文，丢下小鬼子自己跑了，最终害马大三掉了脑袋。

回到办公室的“我”一想不对，顺带以“立场问题”禁播了《鬼子》，让丢了脑袋又折兵的姜文看清了这血粼粼的世界。

鬼子来了花絮这次“日本姜文”吸取了中国姜文死在“歇着”上的教训，提上裤子，精神抖擞，拍了个一镜到底的新片，让机器和剧组谁都没歇着，取名也干脆，就叫《摄影机不要停》。

日文姜文没想到此片祭出，票房也一直没歇着，以18万人民币的成本近2亿票房的高回报率，成为日本年度现象级黑马爆款，给本就疲软的日本真人院线片带来了一丝光亮，并迅速成为广大中国影迷片单上的一员。

剧照《摄影机不要停》的剧情很简单，讲了一个剧组拍摄一个一镜到底的丧尸电视节目的全过程。

聪明的是它在结构上动了手脚，把立项筹备、拍摄过程、成片节目三部分的时间线做了调换。

先放出成片节目，再交代立项筹备和人物前情，最后解密状况频出、笑果爆发的拍摄过程。

相信大家跟我一样，对于正片粗制滥造的长镜头并不感冒，起初的OS:就这也高口碑？

再看“假”花絮，OS：这帮中二的人还真有点意思，小励志。

真正片尾花絮的，OS：这帮人不容易，很努力，有那么点感动。

正片，花絮，花絮的花絮，观众观看三种影像的状态，思考的方向完全不同，严肃、喜剧、励志这三连击递进的情绪铺陈，让人眼前一亮，使观众认同人物的同时，产生情感共鸣，最终完成爆笑温暖的励志主题表达，这正是《摄影机不要停》戳人的原因。

尽管如此，从结构和立意上，《摄影机不要停》并不鲜见，也逃脱不了与《大人别出声》、《麦拉狂想曲》等前辈的借鉴关系。

从成本和制作水平看，它的粗糙质感也仅仅停留在电视水平，但它构建的多重放大视角却达到了“不一样”的有趣。

长镜头，拍摄长镜头，拍摄拍摄长镜头以及看节目的人们，利用四个空间、四个视角层层放大，揭秘了一个电视节目的制作流程。

戏里与戏外，临场与细节，意外与解决，这些对立冲突被有机的统一起来，在达到一种相对高级的喜剧效果的同时，把影视行业上中下三游以及影迷爱好者的相互关系，浅尝辄止的描绘了出来。

来自《大佛普拉斯》的窥视这种多层嵌套的视角，去年的《大佛普拉斯》也用到过，行车记录仪里的富人、偷看记录仪的穷人、看这些人们的观众，层层的窥视在增加视角的同时，也扩展了思考的多重角度，用诙谐荒诞的方式讲了一个社会问题，直击现实的痛处，能使观众与电影产生全新的观影体验。

不得不承认，日本电影人用特有的中二和几近失控的喜剧，呈现出了一部小成本影像作品制作中的偶然和荒诞之处。

这不仅仅是电影人以自嘲的方式，解构了电影拍摄的细节和各方因素，更展现出了影像背后从业人员令人担忧的现状，拍出了他们的现实境遇和行业困境，与其说这是献给观众的爆笑喜剧，不如说是电影人拍给自己的一小份悲凉。

可爱的人中二和废柴，向来是日本反励志励志片的特有元素，唯有日本人能用这些“废料”拍出不傻、不二、不废、不柴，还很欢乐、小感动、小励志的电影片。

这让人想起另一部，同样是表现日本电影人的废柴励志片《下众之爱》。

在普遍“卢瑟”的影视行业里，怎么维持梦想与失败，怎么看待堕落与前行，怎么处理迷茫与执着……电影里统统都有答案。

爱上荡妇吧“拍电影就像爱上了个荡妇，但我们没办法对这个荡妇弃之不顾，所以你只能不断的艹下去，要坚持拍下去。

”《下众之爱》这句粗线条台词，和《摄影机不要停》导演对镜大喊：“摄影机不要停。

”简直同一个语调，一语道破电影人与电影的关系。

现实与梦想像是闷棍与裸女，在脑震荡与欲望间，“卢瑟”们做不到拿着大棒强奸裸女，只能一次次坚持着从脑外科的病床上醒来，又一次次在散尽精血的空虚中睡去，在不停的挨打中坚定的拍（艹）下去。

一部电影的诞生就是叠罗汉的过程，不光是制片、导演、编剧、演员、摄影、剪辑……声光电服化道这些具体的从业人员，那些梦想者、失败者、爱好者甚至离开行业的人更是电影的基石，往往人们只看到那个站在最顶端最铜人的罗汉，却忘了下面一层层小罗汉叠加托举着大罗汉的目光。

坚毅的目光纵然很多人会失败，纵然这是个欲望场，对影迷而言，还是要看到更好的电影，更好的故事，看到影视从业者们骨子里的那份坚持。

艹下去吧所以再次恳请这帮家伙，摄影机不要停，勇敢的艹下去，这是每个爱电影的人的理想，望周知。

前几天看到影院推特转推了一则导演的澄清文，大意是“影片受剧团PEACE的舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」的启发，但个人还是认为影片是自己的纯原创作品，希望和剧团的冲突能得到完美解决”。

于是去查了一下，原来是剧团PEACE的主理人上杂志指控影片并非原创。

经过查看多方的报道和相关人士的博客，整理时间线：2011年，舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」首次上演。

2013年，舞台剧二次上演。

其中一场，「摄影机不要停！

」影片导演作为观众观看了本剧。

2014年，剧团PEACE解散。

2015年，「摄影机不要停！

」影片导演和之前早已熟络的剧团成员B开始了舞台剧电影化的企划。

后邀请舞台剧编剧之一的A，撰写电影版剧本。

然而之后企划不幸夭折。

2016年，在新制作人的加持下，企划由导演一人为主导再开。

导演只向和舞台剧版本实际并无所有权关联的B表达了“想继续做电影版「GHOST」”的意向。

（B大概是“同意”了）2017年，电影制作完成。

完成后，导演才向舞台剧编剧之一的A表达了“加上署名了”。

然而A表示，在剧本被重写到实际拍成电影的过程中，完全没有任何为获取许可的联络。

实际电影上映，A和B署名的位置在“企划开发协助”一栏中。

2018年7月下旬，剧团主理人观看完电影后，联系电影方想要得到署名，得到的回复是“虽然一开始和A、B一起创作，但企划夭折后，最终做出来的是完全‘另一个东西’，所以没办法列入「原作」。

假如作为参考的作品都要署名的话，三谷幸喜的作品也有必要加入「原作」的行列”。

后来，主理人又和电影制作人为代表的电影方进行了面对面对话。

适逢电影宣布扩大上映，电影方以当日不得不说定署名问题为由，最终提议以「原案」而非「原作」署名作为第一步，后期再判断是否为「原作」。

结果是，扩大上映版时的片尾，加上了“原案：剧团PEACE「GHOST IN THE BOX！

」（编剧：A 导演：和田亮一）”的署名，并在特别感谢一栏，加入了剧团主理人和田亮一的名字。

电影方之后联络说，最终整理判断的结果只能是「原案」，并发来一份“原案利用契约书”，其中规定剧团主理人将不再拥有对自己创作的原版舞台剧进行电影化、再舞台化等再制作的权利。

2018年8月21日，剧团主理人实名接受周刊杂志「FLASH」采访的报道公开，关于「摄影机不要停！

」非原创的指控正式浮于公众面前。

问题的关键也明确到，究竟是“原作”还是“原案”的选择中。

（从这儿开始到最后均为深度剧透，后果自负）____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________虽然现在已经是不太可能看到原始舞台剧了，但原舞台剧的大致情节设定、形式构成等等都能通过舞台剧评分网站的评价窥见一二：在一幢废弃建筑的2层，突然一名年轻女性被杀害。

然而马上揭晓，其实这是某大学的电影兴趣小组在进行电影的拍摄。

此时，加入了生物学研究员、废弃建筑摄影爱好者、小说家。

生物学研究员说起了，这儿曾经被用做人体实验的场所。

紧接着，就发生了各种诡异的杀人事件，其中很多是不符合事实逻辑的杀人手法，直到杀到最后揭晓了元凶。

前半的恐怖推理剧结束。

舞台重新布置，场所改成了这幢废弃建筑的3层，各种刚才出现过的人物、没出现的人物进进出出，原来刚刚的带着恐怖色彩推理剧是真正的电影摄影中的一个镜头。

在不同的场景下，把刚刚发生过的一切从头再现了一遍。

然后就解释了恐怖的怪声是怎么来的，又发生了哪些突发状况，以及对应的工作人员、演员的即兴发挥，还有那些不符合事实逻辑的杀人手法的揭晓。

后半喜剧风格，全剧结束。

____________________________________________________________________________________废墟，传言曾进行过人体实验，剧中剧，前半成品后半解密，前半恐怖后半喜剧。

据剧团主理人所言，还有一些台词，标题的这句“摄影机不要停”也是舞台剧的台词中有的。

最开头女演员大喊“求求你，不要不要”导演喊“cut”，来说明背景是电影拍摄的桥段，也是重合的。

如果若干设定上的相似还可以勉强忽略不计，那构造上的相似度之高，实在是令人感到遗憾。

其实如果只是剧中剧，在影视作品中也很常见，但连剧中剧的呈现形式、内容也都是电影拍摄中发生事件，这剧中剧的重合度也未免太高。

不同的是，把推理剧改成僵尸剧，成品的电影改成直播节目，多添加了家庭成员的励志背景。

改成直播的形式，倒是可以说借鉴了三谷幸喜的「广播时间」，当然广播是不够冲击性，于是就有了电视直播节目。

电影最有趣的，莫过于影片构造，相信也不太会有人最喜欢的是僵尸、励志元素。

影片中非常多的“状况”，应该也都是原创居多，但这些原创的部分并不能印证作品整体的原创性。

还有一部分值得称道的，是影片呈现出了影像的魅力，但可能正因为是电影而非舞台剧，所以才带来了舞台剧无法很好呈现的更多重的影像魅力。

____________________________________________________________________________________自事件曝光，当天导演和制作方就发文否认。

从开始交涉到现在，我们可以看到，他们的主张无非是，“只是受启发，并非照搬”“最后的电影和原舞台剧是完全不同的”“这算原作的话，三谷幸喜的作品也要算（潜台词大概是三谷都没找我，你也够资格来找我？

）”“我导演、编剧、剪辑，是我纯原创作品”。

电影粉丝也纷纷指责剧团主理人碰瓷、眼红、想钱，并翻出他的黑历史来洗白电影方的盗作疑云。

说到底，是不是算、能不能算「原作」，和电影作品好不好没关系，和是不是你导演、编剧、剪辑没关系，和维权方的初衷和过去更没关系，还是要各维度比较两者的相似度。

是不是算，可能只有导演自己心里清楚。

能不能算，还要看接下来可能进入进一步协商，甚至诉讼的结果。

（媒体的主流倾向还是比较难界定，不看好维权成功）作为观众，我想在初步地比较两者后，每个人也有每个人的答案。

但不得不说，导演自始至终“纯原创”的说辞显然已经不太能站得住脚了。

对于导演的下一部作品的期待值，通过这次事件也只能下降好几个档次了。

我很少看日韩电影，也很少看恐怖片，日韩恐怖片更是从来不看。

这跟我的观影习惯有关的，看科恩兄弟、昆丁·塔伦迪诺看得多了，就不喜欢那种小清新情感系，或者装神弄鬼无中生有的东西——江湖路远、山高水长，自当快意恩仇。

不过，这两天被一个日本的小成本恐怖片《摄影机不要停！

》洗脑了——已经看了两遍了，写完本文准备看第三遍。

有这么魔性？

这部电影不仅恐怖，还很搞笑。

要知道，这是一群业余演员，花费18万元拍成的，而他目前的票房接近2亿元（都是人民币），被它洗脑的人很多。

电影的剧情并不复杂。

前36分钟是一个完整的丧尸片：一个独立电影剧组，正在荒山野岭一个废弃的工厂里拍摄丧尸片。

拍着拍着，真正的丧尸来了，于是，剧组里一个个接连丧命。

【丧尸来了，演员仓皇逃命】而导演呢？

却拍得正起劲，“对，就是这样”，“这就是我要的表情”，“继续，摄像机不要停”。

【演员吓得要死，导演拍得正爽】如果只是这样一个故事，那有没什么高明之处？

事实上，这36分钟还挺垃圾的，画面粗糙、表演浮夸、五毛特效。

【电影前36分钟是一部闹哄哄的三流恐怖故事】如果非要说有什么值得一看的，就是：这36分钟的丧尸片，采用“长镜头”的手法拍摄，意思就是：拿一部摄像机，导演走到哪儿就拍到哪儿，中间不断，也不剪辑，一镜到底。

因为是导演拿着摄像机一路跑拍长镜头，所以，在这36分钟，就有下面这种虚了的画面。

这种虚了的、摇摇晃晃的画面，增加了一些紧张感。

但是，这有什么牛的？

拍电影又不是为了炫技，拍那么长时间的长镜头如果没有内涵也是垃圾。

就像《爱乐之城》和《路边野餐》，长镜头是他们表达内涵的一种方式，不是目的。

第37分钟，屏幕上出字幕，演员表，好像闹剧就此结束。

不！

精彩这才正式开始。

从37分钟开始，后面这1个小时的故事，才是正片，正片赋予了前36分钟深刻内涵。

后面这一个小时，讲述的是这部丧尸电影的筹备、制作、拍摄过程，这才是真正的高潮部分。

电影筹备开始，剧组的每个人，包括导演、演员、化妆师、摄影师等，都拿着一本血红色封皮的剧本，《One Cut Of The Dead》（可以翻译为：一尸到底，一镜到底）。

【剧组人员集体学习剧本】学完剧本后，剧组来到深山老林开始拍摄。

而拍摄地，还流传着一个恐怖传说：表面看这里是废弃的自来水厂，其实是日本军队开展人体试验的地方，主要的实验就是复活丧尸，“以鲜血唤醒诅咒”等。

在这样的地方拍摄丧尸恐怖片，算是有诚意了。

但是，完成这部丧尸片需要的不是诚意，而是胆量——不是克服对丧尸恐惧感的胆量，而是完成拍摄任务的胆量。

因为：这个36分钟的丧尸片要采用“长镜头”的手法拍摄，还要在电视台直播。

而剧组，没钱没人，团队成员个个难伺候。

团队刚一组建好，导演就开始头大。

小鲜肉男主演一上来就质疑剧本：丧尸会用斧头砍人合理吗？

丧尸不是没有心智的吗？

（一看就没玩过《植物大战僵尸》）

女主演表面可爱、漂亮，其实是个事儿B。

一会儿要求删戏，一会儿要求改戏，临到要演哭戏了，还要求剧组给自己准备眼药水。

【女主演要求删戏】

【女主演要借助眼药水演哭戏】甚至还有女演员带着小婴儿，让整个会议室里都是哇哇哭声。

而导演是个和事佬，万事好商量（谁要自己不是大腕儿呢）。

拍摄开始前2个小时，剧组再出状况：扮演导演的演员和扮演化妆师的演员因为偷情，一起出了车祸，来不了了！

眼看着直播就要开始了，怎么办？

导演本人和导演的妻子亲自上阵。

看到这里，你肯定会说：完了！

这个剧组好不了了，这部丧尸片好不了了。

令人意外的是：他们硬是把直播坚持了下来，一开始的bug，也被导演巧妙地化解，变成了后面的各种伏笔。

片中第一个被咬后变成丧尸的角色，是一个特别喜欢酗酒的配角。

电影开拍的时候，他其实已经醉得不省人事。

于是，导演日暮扶着他拍完了所有的动作。

【导演扶着醉酒演员演丧尸】

【导演扶着醉酒演员演丧尸】你别说，这种醉酒状态，还真有“丧尸范儿”。

现场的道具不够用了，剧组工作人员直接给自己腿上化了妆，走到女演员面前，其实，她上身穿戴整齐。

而临时被拉上阵、扮演化妆师的日暮导演妻子，越演越来感，越演越进入佳境，全程都用她从防身课上学习的套路，对付“丧尸”。

【最后被斧头“砍死”的女化妆师】剧组里早已乱做了一团，而直播还得继续，日暮导演带着大家辗转腾挪，拆东墙补西墙，巧妙化解了各种危机，呈现在电视上的效果就是：好真实！

【观看直播的制作人】而这份真实的背后，是现场工作人员的付出，是他们的不容易，这才是这部片儿要表达的东西。

电影很搞笑，但笑完也有思考：正是对电影的热爱，才使得他们完成了一次不可能完成的“丧尸直播”，也正是凭借这份热爱，才成就了一部既搞笑又恐怖的佳片。

拍摄现场，拍完一个镜头，着急忙慌就准备下一个场景的样子格外真实。

跟着主角飞奔，结果摔倒在地的工作人员毫不在意，就像什么事儿也没发生一样起身继续奔跑。

电影的最后一幕，需要电影镜头缓缓拉升，露出地上的血色五芒星作为结尾。

可是，在拍摄过程中，摇臂摄影机摔坏了，怎么办？

剧组其它工作人员一边搭人墙，一边等待直播镜头到来。

人墙不断搭起，倒下，又搭起来，倒下……

这样的百折不挠让观众很感动。

最后关头，他们终于搭好了人墙，完成了所有的直播。

到这一刻，我才明白：导演要表达的是对电影的尊重和热爱。

我们普通观众看到的一个几秒钟的镜头，觉得平平无奇，甚至有点烂，但在现场，工作人员则要付出很大的代价。

剧组的大腕儿演员不敬业还多事，而小演员却朴素、热血；搞笑中带着心酸，心酸中又是对电影的深深热爱……既使困难重重，但这些小演员、小导演依然坚定地付出所有热情。

这样的一部电影，你想到了什么？

对，就是《喜剧之王》。

尹天仇虽然只是个跑龙套的，但他把演戏作为自己的信仰，不管多难，都要克服重重困难一直演下去。

【《喜剧之王》剧照，尹天仇正在演戏】而生活中唯唯诺诺的小人物尹天仇，一旦到了片场，则不要命地付出，疯了一样沉迷。

看看导演上田慎一郎为了宣传这部电影是怎么做的？

映前倒数一天，导演自个在ins上来了一拨土味宣传：他把自己当油漆，涂抹出了倒计时海报。

因为，《摄影机不要停！

》制作成本很低，很穷酸。

但越是这种穷酸，越让人感受到了他们的真诚。

事实上，好的恐怖片，似乎常常跟拍摄成本、跟有没有大腕儿没有关系。

比如2016年马凯拍的那部《中邪》，多少人看完后被吓得不敢睡觉，制作成本也只有5万元，比《摄影机不要停！

》还要少很多。

这其实也说明：真正的好电影，是要有一些真诚的东西在里边，怀着创作者的一颗敬畏之心的，好电影既不是资本的游戏，也不是流量的俘虏。

《摄影机不要停！

》值得一看，也期待更多的小成本诚意之作。

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摄影机不要停：停不了的是热爱和梦想吧？

文 | 执麦者2018年12月15日18万人民币能做什么?《摄影机不要停》就是这样一部拍摄花费了18万，极小成本的电影，然后在日本斩获1.8亿人民币的票房。

这本身就是一种奇迹。

更不谈烂番茄接近满分的好评，豆瓣也破8的高分。

这部看似是写“丧尸”题材的剧中剧中剧，用开场37分钟略显浮夸和尴尬的长镜头，一镜到底。

当你以为电影结束的时候，你才发现，电影刚刚开始。

所有的剧情，回到一个月前。

你甚至发现，这不是一部恐怖电影，不是丧尸题材，而充满了诙谐，好笑，温情，甚至是感动和励志。

这就是电影的艺术，当你以为所有的套路都被电影人设想过，拍摄过。

他们用自己的奇思妙想，反套路的再给你狠狠的一针感动。

电影结尾那个人叠人拍摄最终镜头的镜头，可以载入电影史册，它不仅仅是献给电影的一封情书，一封用血浆，古怪写的情书，也是献给梦想的一张便签。

我突然想起《白日梦想家》结尾那一个催泪的暴击，是的。

当我们以为电影想表达的，是男女主角的人生，殊不知，他们拍摄的，就是我们作为观影者，自己的人生。

或许，一样的平庸，或许一样的唯唯诺诺，但是当你心中的热爱和梦想，真正被叫醒的时候，谁又能否定，我们不能成为另外一个，充满斗志，魅力，和前赴后继的英雄呢？

那个偶像包袱的女主角，那个有些耍大牌的男主角，那些各有怪癖的配角，他们何尝不是生活里的你我他。

在一幕需要配合的戏剧里，都成为无所不能的角色。

如果电影是一个作品，生活中那些所有需要共同去完成的事情，何尝又不是一部作品。

为了完成它，制片人不也可以成为人肉垫子么？

这些年，很少会主动看励志的电影，拳击什么的，打来打去，无非就是弱者最后变成了胜者。

在成功里膨胀，在失意时又找到了信心和动力。

看看超英电影，感受一下纯幻想的超能力，也不过是在极其乏味的生活里，意淫一下自己可以想象的飞翔，杀敌。

生活不同于电影，对待生活里，琳琅满目的冷漠和打结，我们如何梳理，如何不断的是维持热情？

这是很多在努力过，成功过，甚至攀爬上鼎峰过的人，在下山后的困扰。

看完电影，我发了一条微信给余杰，这个有电影导演梦的人，已经就此坚持了很多年。

拍了很多小片子，也为了讨生活，拍过广告片。

而萦绕在心里，可以上映的电影，始终是他的梦。

我说，丹麦的《罪人》，几乎一个男主角的戏份，这部《摄影机不要停》成本低廉。

电影梦，需要的，或许不是偌大的宫殿，只需要一个荒废的厂房，或许需要的不是高能的特技，而只是调度有加，通力合作的走位。

当然，还有一个设计巧妙，跳跃思维的剧本。

当在生活里开始习惯主妇的妈妈仍然入戏痴迷，当父亲在戏剧的投入了不复生活里的温和，谦卑，当女儿较真于眼药水不能衍生真正的电影情绪。

实际上，我看到的，是对于我们热爱的事业，一份真正的投入和真诚，敬畏而已。

在嬉闹好笑里，所谓的摄影机不要停，大概说的，还是你的热爱，和梦想，不要停吧。

《摄影机不要停！

》：各位看懂最后的人梯了吗？

2018年12月23日 周日 沈阳

《摄影机不要停！

》2018年即将过去，冬至一过，冬天的寒冷就开始发力了。

最近各公众号上热捧的这部日本小成本电影。

让这个黑夜最长的夜晚不那么空荡荡。

18万人民币的拍摄成本，取得1.8亿的成绩单。

这让所有有着电影梦的人兴奋。

这种以小博大的例子，又一次证明了，在电影这个领域里，依然是内容为王。

96分钟的片子被分成了两部分，一部分是一个狗血丧尸片，一部分是一个狗血丧尸片的拍摄花絮。

第二部分是主体。

如此说起来，觉得怪怪的，但这种怪怪的【剧中剧中剧】，也是该片具有开创性的手法。

并不知道之前有没有其他类似的作品，可以出门左转去看大神的影评。

这里也不想说影片的细节，因为也没什么高深的隐喻，一切都在桌面上，老少咸宜。

这里想说的是，对于这部电影，我们这些小玩家如何去看。

内容简单不代表这部作品不高级，这部片子的精髓也在于他简单却又多维度。

我试着去找出几个来，供大家参考：1、 关于长镜头。

长镜头是本片的关键文艺片的穷山恶水长镜头，在商业片爱好者眼里，闲得刻意、冗长、装X，这确实是长镜头的缺点，一镜到底会对叙事和表现提出超级高的要求。

因为你是长镜头所以就很难有更多的表现力。

但长镜头有着自己独有的魅力。

一个是它的诗意。

这里要说一下毕赣的《路边野餐》，40分钟的长镜头是一种完美的表现方式，那种让人看着晕晕的感觉，正是梦境给人的迷幻力量，给观众感官上的代入感。

仿佛在看5D电影。

直到长镜头结束出现切点，才从梦境中醒来。

意犹未尽。

另外一个是它的拍摄复杂性。

长镜头是导演的一次大考，每个人都要像流水线一样的行动，有时候会精确到秒，没有一个人是多余的。

呈现在镜头面前可能只有一个人，但在摄像机的后面，可能像蚂蚁搬家一般，炸起了锅。

这部片子没有任何诗意，可以去研究下他的拍摄方法。

怎么样处理突如其来的麻烦，片中给了不是办法的办法，精妙到让人忍不住鼓掌。

2、 关于团队。

奇奇怪怪的人组成的不靠谱团队应该不止我一个人，向往他们这个团队吧。

一个个奇奇怪怪但又热心肠的人们，聚到一起搞出一部“烂片”看似是一种不错的经历。

看看这个团队的构成，一个个都不是“省油的灯”。

一个拍假新闻片的导演、一个容易入戏不冷静的家庭主妇，一个坚持创作原则的女儿，一个嗜酒误事的大叔，一个只喝软水的光头，一个小有名气的鲜肉演员，一个拍过广告片的女优。

这些奇怪的人在一起也不指望他们能搞出什么名堂来。

这也是制片人的想法。

但目标只有一个：摄像机不要停，所以在这条流水线上的每个人都要全力以赴。

有意思的是，乱成一锅的车祸现场，也怪不得别人。

都是团队成员自己搞出来的阴差阳错。

本可以掌控全局的导演首当其冲，先来段即兴发挥，给后面打好了样板。

然后这些人们接二连三的出了状况。

这里不得不说一下，专业的还是专业。

别管是不是拍广告片还是耍大牌。

身为专业演员的男女主基本没有犯错误。

直播结束，镜头升空。

俯视下的剧组收工了。

这些不靠谱的人又会回到以往的生活中去，这一次拍摄也不会让他们一夜成名。

但他们这段有趣的回忆被作品记录了下来，在别人眼中的烂片，这不重要。

重要的它是剧组里所有人生命里的一段留影。

一段茶余饭后的谈资。

3、 关于职人。

因为拉粑粑，而羞愧职人，是日语中对于拥有精湛技艺的手工艺者的称呼，以前主要是指传统手工业者，而现在许多掌握着尖端技术的制造业者也可以被称作“职人”。

这个概念跟片中导演这种不靠谱的三流导演似乎不沾边。

但导演的行为可以看做是平民的职人精神。

这也可能是本片导演想宣扬的一种价值观吧。

“拿人钱财就要替人消灾”能够做到这点的就可以说是职业。

我认为想做到职人还差了一点点，就是当您让我接手这个工作后，您就收获您的结果。

其他的交给我，因为这件事儿是我的了。

我要对我的行为和结果负责。

片中导演两次情绪爆发都是因为其他人干扰了他的控制力。

前30分钟他是一个疯导演，后面60分钟他是一个被现实关系所束缚的职人。

尤其一个与艺术沾边的职业，创作者必须要对自己的东西有绝对的自信，这种自信的外化就是控制力。

以电影为例，任何进入到镜头里的东西都要被控制，一只苍蝇的闯入都有可能毁了演员的完美发挥。

那些即兴的改动只能在导演的控制力下进行。

如果导演失去了绝对的控制力，那么这部作品已经不再是他的作品了。

职人精神，是一种专注，是为了目标的全力以赴。

也是一种偏执和独裁。

为什么工匠精神、职人精神在如今变得格外崇高，因为我们的社会的变化太多，稍有不留意、不坚持心中的宝石真的会变成路边的残砖。

4、 关于娱乐精神

从面相上看，此人难对付面对状况，身在现场的制片人几次想放弃，因为这是电视节目，是一种荧屏娱乐产品，不需要那么严肃，随便玩玩就好了。

这是制片的态度，也许也是大部分观众的态度。

片子里直播过程，小眼睛大婶居然刷起了手机。

对，单独拿出来前30分钟来看，质量连网大都不如。

试想如果真的在直播的时候看这种片子，恐怕也没有人会全神贯注的去看，尤其是在电视上。

这里想提的是，我们要怎样去面对娱乐？

很多人看完这片子都在想，我们是不是对“烂片”要求太苛刻了？

人家说不定也是辛辛苦苦拍摄的，然后让我们一棒子打死，是不是不太公平？

我的回答是，可以去同情，但还是要拿起棒子打死它。

了解管理的知道，马斯洛需求理论。

一般而言，没有温饱就没有精神的需求。

文化作为软实力，本身就比较外围，它的上下限也非常大。

就拿电影举例，没有好作品它可能就真的沦为了政治宣传的工具。

如果观众的水平没有进步，停留对待电影无所谓的态度，那等待我们的就是整个市场的失准。

文化一层会逐渐被淡忘，我们会变得拜金、无聊、死板。

为什么我们电视机里全是抗日神剧？

为什么会有《逐梦演艺圈》？

为什么《战狼》成功之后有出现了那么多“吊打外国人”？

值得欣慰的是，我们观众的水平在越来越提升。

这会倒逼电影品质逐渐提升。

我们要对国产低端恐怖片说不，要对鲜肉明星扣图说不，要对经典反复重拍说不。

这些作品背后也许有很多工作人员的艰辛，我很理解。

但，对不起，这与我无关，我还会因为你浪费我们的时间而骂你。

以上是我找出的四个维度，当然还有父女关系，拍摄细节这样的维度可以去看。

篇幅有限，不再多说。

最后想提一下，影片的高潮——人梯。

人梯是影片多维度的标志这是我今年最让我印象深刻的画面之一。

在这人梯里也是片子多维度的体现。

人梯可以分为五层：最底层是助导、摄像、录音（电影的直接工作者），他们是基础第二层是制片人（资方对娱乐的轻视）和男主（耍大牌的流量明星）——被踩在导演脚下。

需要他们，但要对作品负责，为创作者让路。

第三层是导演，作品的核心。

需要借助电影的台前还有幕后才能站起来。

第四层是导演女儿。

是创作者的职人精神，同时也是主题——父女关系的体现。

最顶层是摄像机，也是我们——普普通通、成千上万的观众。

因为这是我的作品，所以，摄影机必须不能停。

剧组趁着新年从家返工，休息之余，终于把这部期待已久的《摄影机不要停》看了。

知道这部电影是无意中看到一个知名的影评人推荐的，他甚至用出了“暴爽”这样的词来评价，可见口碑有多炸裂。

看这样的电影需要点仪式感，我买了包辣条，一瓶加多宝，在自己的三寸之地，惬意地看了起来。

一打开画面，什么鬼，好假的丧尸，摇晃的镜头，拙劣的画面，这是好电影？

我心里充满无数问号。

如果不是别人推荐的，我兴许就放弃了。

如果放弃了，那我可要后悔死了。

坚持看下去，就像发现新大陆一样，时刻在制造惊喜。

直到最后，你会发现，这些个粗制滥造、破绽百出，才是影片最大的亮点。

影片结构新奇，前 37 分钟是一镜到底的纯丧尸片，后半部分是拍电影的过程；前半部分吊轨恐怖，后半部分爆笑欢喜；前半部分的破绽疑云在后半部分得到了解答，毫无违和感，看完你会惊呼——这才叫「作品」。

看这部电影，千万不能看剧透，不然完全不能体会那种畅快淋漓的感觉。

我自己看完一遍，回过头看第二遍的时候，就只是想笑。

对于前半部分的那些莫名其妙的点，我恰恰以为很好地营造了丧尸的恐怖气氛，也更能抓观众的眼睛，观众会带着疑惑跟着影片的节奏去一探究竟。

这种感觉就像是影片在给你制造一个个的谜题，而你正是那个解谜之人，你在经历一场探险闯关，任何有助于解谜的线索你都一一做了尝试，最终随着影片的进程，你的答案在一一揭晓。

此外，你的情绪也在经历着过山车式的变化，上一秒还在恐怖中无法自拔，下一秒就笑得前仰后合，再过一秒又感动得眼眶红润。

这种电影拍摄手法独特，风格异常，带有强烈的个人主义特色。

在业界有一个专业的词汇来形容这种电影，叫做 cult 电影。

这部电影最独特之处就在于导演故意把影片的拙劣、虚假放大，直截了当的告诉你，我们就是假的，残缺的，不完美的，但又如何，我们仍然可以发光发热。

人生不也就是这样，哪有什么十全十美，唯有残缺才是美。

我特意去看了导演上田慎一郎的经历，在此之前，它没有任何知名的作品，可以说是碌碌无为，而且欠债几百万，但一直没有改变自己喜爱电影的事。

这让我想起了拍《心迷宫》的导演忻钰坤，他们有着相似的经历，也醉心于拍这种 cult 电影，真好。

好的作品会跨越地域、跨越种族、跨越时空被人接受，希望他们能坚守自己的独特个性，拍出更多好的作品。

可以看的出这是一部低成本的电影，导演和演员都是丝毫不出名的素人，可是却把这样一个并没有市场的剧本拍出了高级感，调动观众的情绪可谓一绝，开片一镜到底的设置，本来平平无奇，one shot no cut作为一个噱头的噱头，把整个故事串联起来，也把最后观众的情绪调到了最高。

整个电影围绕着一个长镜头展开，但是这个镜头的背后确是一个啼笑皆非的拍摄过程，本来应该是NG的镜头，却在整个导演组的调度下成为经典，而整个故事的故事却是一个平凡的故事，而镜头之后的镜头，更加引人入胜，多重反转的设置丝毫没有悬疑感，透露出的却是满满的诚意，我不得不承认我真的被折服了。

小成本制作的典范，原来故事的创意真的可以这么有趣，拍出来的效果可以这么完美，《摄影机不要停》，让我们把故事讲完……哈哈哈，牛逼！

原来电影还可以这样拍啊。

这部电影一开始给我的印象，是《听说桐岛要退部》那样的。

毕竟都有cult片情意结、都有讲拍电影，以及某种程度上的“戏中戏”设定，还都表达了对电影的热爱。

但其实两者的区别还是蛮大的。

《桐岛》中，拍电影只是故事的其中一条线，而《摄影机不要停》则是将“拍拍电影的电影”这一主题贯彻了全片，它没有像前者那样探讨年轻人无处安放的心结，而是纯粹地表现对电影的热爱。

电影最为人称赞的地方在于开头那一段堪称片场灾难的37分钟长镜头，不过在讨论这条长镜头之前，我比较想讨论电影的其它部分。

除长镜头之外，电影对人物的塑造也是相当深刻的。

其中最具代表性的是父女的故事线，这一条故事性的设置其实也涵盖了全片的主题，即对电影的热爱。

父亲是一个不算成功的电影人，拍过电影、访谈、MV，可以看得出来在繁琐的工作中，他对妥协是习以为常的，不强求演员真哭，不介意用眼药水，在对待剧组时也是尽可能的和颜悦色——就跟普通的中年上班族一样，被生活与工作磨去了棱角。

得不到女儿的认可，包括妻子也不认为他会接下“现场直播长镜头戏中戏”这样的工作。

从父亲在接到工作时的反应来看，他确实是不太愿意接受这份工作的（想必也是因为他知道要拍好有多难），但是为了让刚刚被赶出剧组的女儿开心起来，他最终还是接下了这份工作。

在筹备的过程中，父亲一直周旋在不靠谱的演员、诸多要求的录音师、棱角分明的男一号还有不能被颜“哔——”的偶像女演员之间，这个时候的他依然是如履薄冰，焦头烂额于满足各方需求的。

虽然此时的女儿并不会觉得他有多伟大，即便到了片场也还是会嫌他挡住了自己看男一号的视角。

女儿对父亲的认知是在直播过程中逐渐改观的，她发现原来父亲也并非总是那样的窝囊，他其实也不认可那些得过且过的技俩，也很烦自视甚高的艺人，只是为了生活和工作，他必须要将自己的愤怒掩盖在和颜悦色之下，只有到了镜头前，才得以毫无顾忌地将自己所承受的压抑宣泄出来。

（虽然还未到中年，但我仿佛也能够理解这种不得不舍弃自己坚持的心态）。

因此，可以说，父女线是作为与片场线这条明线相对应的暗线所存在的，在明线遇到冲突时补充解决方法（从一开始的妈妈代替演员，到中间女儿直接补完中断的剧情，都是起到一个化解冲突的作用），明线提供笑点，暗线推动剧情发展。

而最终，两条线在电影最大的冲突点，即直播将要结束之时汇到一起。

已经上头的父亲面对要求随意解决机位的制作人爆发了，女儿明白父亲也是真切想拍好电影的心意，也凭借着她幼时与父亲的经历找到了解决方案，在让电影完成拍摄的同时，也完成了与父亲的和解。

这是电影在剧作上的亮点。

另一方面，还有一个值得关注的细节：在电影拍摄的过程中，剧组各方是纠葛不断的，不管是诸多意见的男一号，还是向父亲施压的制作人。

但到了最后一个镜头，所有人合力搭起了人肉机架，坚持到直播结束——然后他们都疲惫不堪地，在笑。

这个过程中，遇到了太多的突发状况与麻烦，有太多的争吵与矛盾，但到了电影杀青的那一刻，大家都在笑。

我想起自己在一次端午假期的时候有去过学姐的剧组（天台戏）帮忙做录音，五月的深圳日光毒辣，两天下来我被晒成了红色。

但是我的心情还是比较愉快的——因为拍电影是一件会让人热爱且沉醉其中的事。

讨论完剧情，我们回到最开始的长镜头。

我很喜欢长镜头。

原因大抵是因为，拍摄一条优秀的长镜头意味着剧组全体人员的高度配合，过硬的运镜水平以及周密的机位及构图设计，很多时候还需要加上一些运气的成分。

（这里是否要cue一下毕赣？

）不过在《摄影机不要停》中，它并没有给我们展现一条优秀的长镜头：能把人晃吐的手持、莫名其妙的尬演、还有将镜头对准上楼梯的女主角的屁股（这样真的没关系吗导演！

）……电影开头呈现的这段37分钟的长镜头就观感而言实在称不上好，甚至可以说是“长镜头劝退教科书”级别的糟糕。

但当导演告诉我们，这是一个戏中戏的设定时，一切就变了：这条长镜头的全部纰漏都被补上了，它的一切不足都可以被归咎到状况百出的拍摄现场，也就可以理解成刻意而为的设计——换言之，它是一条完美的长镜头。

这是取巧，没错，但除了取巧，我看到的是对电影的热爱。

没有成本（不到18万人民币）、没有卡司（演员几乎都是十八线）、甚至没有技术——我们只是普通人，没有杨索或是卢贝兹基那样的惊世之才，但我们还是可以用自己的方式，拍下影史留名的长镜头，告诉观众，即便是普通人，也能够拍出伟大的电影。

1.第一部分为什么镜头在草地上，没有转换2.为什么在天台上只拍女主尖叫的镜头那么长3.为什么女主面对丧尸的男主好几次说不要，男主停止动作后又重新开始4.女主躲进小仓库，突然的出现吓人的腿，女主吓得掩住的嘴5.女儿骑在导演头上的照片和最后一个镜头摇臂的“成功使用”6.妈妈入戏太深的原因7.妈妈学习防身术的兴趣8.女主用滴眼液才能哭出来