我在中国做电影

影迷看过来，给大家介绍一部轻松好看的纪录片——《我在中国做电影》

《我在中国做电影》是2020年2月底才上线的纪录片，片子只有5集，每集只有15分钟，用一顿饭的时间就能追完。

内容主要聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音这5大电影幕后工种，简直是资深影迷的饕餮盛宴，每集请来一位或一组代表着当今中国电影产业最高水准的专业人士，让观众了解电影制作的故事。

其中还囊括了《妖猫传》、《影》、《南京南京》、《八佰》等各大电影的幕后纪实。

美术、声音、特效、摄影、配音，这几个专业名字听起来很乏味，它们的背后似乎都隐藏着一大堆晦涩的名词解释。

就连电影节颁奖，大家也都只关注影帝影后奖。

摄影奖、音效奖、美术奖这类奖项则基本没有热度，甚至被插播进广告。

电影结束时，他们的名字也被放在很后面，字幕还没滚完，观众就已经走完了。

那为什么他们如此不受人“待见”，可全球的电影节却还是要为他们保留一个奖项位置呢？

看完《我在中国做电影》就知道了。

《我在中国做电影》第一集，请来的是曾上过《美国电影摄影师》杂志的曹郁：

大部分人认识曹郁，是因为他的妻子姚晨，但其实曹郁本人，是一个非常厉害的电影摄影师。

曹郁毕业于北电摄影系，毕业的第四年，他就凭借一支广告获得了纽约广告节摄影奖的提名。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影；2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影；2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影奖；2019年凭借《妖猫传》获金鸡奖最佳摄影奖。

可谓战绩不菲。

很多人不知道的是，摄影和摄像并不是一回事，摄影师不仅要负责拍，还要负责电影里的光影控制。

也就是说，一部电影所呈现出来的画面质感，是导演和摄影师相互协作的成果。

就拿《妖猫传》来说，片中杨玉环回眸的这一幕，是影片的重中之重：

为了这个镜头，曹郁准备了好几十根蜡烛和各种不同的现代灯具。

蜡烛围绕着放在演员的身边，LED灯往演员脸上打出层次感，然后还找了一种叫作特图利的可以打出很小光源的灯，专门打在演员的眼睛上：

看这个无滤镜的幕后花絮图：

我们可以看出杨玉环脸部和肩膀上的光影轮廓，这不只是化妆的作用，更多的是灯光。

这样才拍出了杨玉环回眸一笑百媚生的感觉：

所以大家看到的这个“百媚生”，不只是演员演出来的，还有摄影师拍出来的。

《妖猫传》是一部奇幻片，所以曹郁用了很多现代灯具来做光影，营造唐朝盛世的梦幻感。

而拍《南京！

南京！

》呢，用的则就是单一的白光了：

这种朴素的白光恰好可以拍出一种雕塑感，所以观众才会感觉角色特别有力量。

教堂里的这场戏也是光影运用的极致体现：

所有人站满教堂的时候，只有窗户那边进来了几束代表着希望的白光。

这一刻充满了压抑、痛苦和希望。

如果没人举手，那意味着毁灭；如果有人举手，那意味着牺牲与伟大。

所以当教堂里的女性们一个接一个举起手时，手掌上的光影就成了重点：

尤其当光越来越强烈，强烈到能看见空气中的灰尘时，精神感就凸显出来了。

除了演员的演技，这些黑白光影、空气中的浮尘，其实都是我们的哭点，只是作为观众的我们，经常忽略了镜头的力量感而已。

摄影还不是一门单一的技术，按曹郁的话说，摄影就是一门艺术，绘画是他们的修养基础。

曹郁谈到，他第一次去和陈凯歌导演讨论《妖猫传》时，是带着一个登机箱去的，里面装满了画册。

然后曹郁给陈凯歌看了爱德华·蒙克的画，他想以此为视觉参考，来做《妖猫传》的背景色调。

所以在《妖猫传》中，我们看到了很多以蓝绿色为主色调的背景：

拍《八佰》时，曹郁参考的则是毕加索蓝绿时期的画作：

但《八佰》中加了很多黄色来做蓝绿色的反衬色调，大家看这个镜头就是蓝绿偏黄的：

这种柔和中透出来的残酷感，恰好符合《八佰》的气质。

曹郁还称《八佰》是他最满意的一个摄影作品，这个我们可以期待一下。

第二集讲的是音乐效果，请来的是负责过《影》、《记忆大师》、《重返20岁》、《寻龙诀》、《狄仁杰之通天帝国》等作品的赵楠女士。

她曾多次提名金鸡奖和金马奖的最佳音效奖及最佳录音奖，凭借《狄仁杰之通天帝国》获得金像奖的最佳音效奖。

与摄影不同，音效是一个非常孤独的职业，尤其在这个同期声越来越少的时代，音效师们基本都是独自坐在录音棚里工作的：

比如张艺谋的《影》，看过《影》的观众都知道，影片全程伴随着雨声。

为了做《影》的雨声，赵楠和同事把全世界有关雨声的素材都下载下来了。

不仅如此，他们还要自己录，哪一天看见下雨了，马上抱着设备跑出去录雨声。

赵楠表示做《影》的那段时间是最压抑的，因为上班听雨，下班了还要录雨，每天都阴沉沉的，整个人很down。

也有一些团队协作，许多我们听到的脚步声、踩水声、刺剑声，就是好几个人用奇形怪状的姿势趴在房间里合作出来的：

为此他们还要研究一些构造知识。

比如《影》里郑恺被刺的这幕：

他被刺完之后讲不出话来，不是因为声带受损，而是因为剑刺进肺部，造成血液反流，血进了肺，人一开口，血就会涌上来。

所以为了做这一剑的声效，团队还用鱼鳔做了一个仿真的肺。

在赵楠看来，声音是被动且恒定的，它是五官中影响人情绪很重要的一官，而且它对人的生理性影响不会被改变。

就拿怪兽的叫声来说，很多人害怕怪兽的叫声，不是因为它声音大，而是因为它声音中有次低频，次低频是最让人感到害怕的一个频率。

所以做声效靠的是感知与感情，而不是靠素材。

很多人以为大神能做出丰富厉害的声效，是因为他们电脑里存的素材多，但其实根本不是。

赵楠拿到片子的时候，做的第一件事是想象，她先看着无声的画面自行想象出大概五六种声音，然后再去找素材，找不到就去录或者制作。

如果只是像拼图一样，把现有素材往画面里嵌，那是做不出好音效的。

除了摄影和音效，《我在中国做电影》还讲了配音、美术、特效等方面的故事，有兴趣的可以去看正片，这里就不多讲了。

有人可能认为一集15分钟太短，讲不出深度，但对于一般影迷来说，这个时长其实正好，既不费心力，又可以掌握一些入门级小知识，提高一下观影水平。

太深度的话，那就是老炮专场了，对于一般观众来说会有点晦涩。

《我在中国做电影》让人感受最深的一个点就是：做好一份工作，除了兴趣之外，还必须耐得住寂寞。

认真、痴狂、专注、孤独、知足，一样不可少，有时候你甚至还得甘于承受一些职业伤害。

比如曹郁，不工作的时候，他就看大量的画作，研究其中的光影运用，这就是必须沉下来心来去积累的。

音乐也是他的灵感来源之一，有时候创造光影，音乐的起伏、氛围，都帮助他渐入佳境。

再比如赵楠，为了做好音效这份工作，赵楠养成了随地记声音的习惯。

她随便就可以说出重庆的高架桥上有哪几种声音，江边从白天到黑夜都有KTV在营业，还有高架桥上的汽笛声，和江面上的油轮声。

老上海的弄堂也很典型，一般是马桶的使用声，和小自行车的车铃声。

在家里，赵楠也利用听觉判断一切事物，比如老公何时出门，她还可以只靠听，就听出楼下的店面煮的是饺子还是面条。

长期的职业积累习惯使得听觉成为了赵楠五官中最敏锐的一官，但也以此带来一些伤害。

比如赵楠从不戴耳机听音乐，家里也没有任何播放器，她甚至下班回家看电视，都是关着声音看字幕的。

因为上班时间听了太多声音，下班再听的话她会睡不着。

经常夜里两三点，别人都睡着了以后，赵楠则是走进录音棚，把一千多个素材，一个接一个地放。

直到现在，赵楠都说不出自己到底爱不爱这个职业，只是他们那个年代的人，有了一份工作就天然感觉要做一辈子了。

这种说不出爱与不爱的朴实，反倒成就了一代匠人。

青石电影编辑部/老王

（一）光影统领者：曹郁《可可西里》《南京南京》《妖猫传》《摆渡人》《八佰》曹郁说摄影是唯一能够掌握的、完整表达他的一个工具。

对他而言，摄影的质感就是摄影师对影片表达主题最直观的理解和呈现，摄影的韵律关系到整个电影的气氛，配乐和摄影机运动速度要契合。

《可可西里》需要强调自然的光效以突出自然环境的震撼，《妖猫传》无需自然光效，反而需要各种奇幻打光来突出影片中的梦幻感，例如贵妃惊鸿一瞥的“百媚生”定格画面。

同时他还透露了摄影过程中配乐的重要性，《妖猫传》和《南京南京》中截然不同的质感是由于配乐和摄影韵律所决定的。

对摄影师曹郁来说，绘画功底和对绘画艺术的了解是最基本的。

非常喜欢蒙克画作的曹郁在《妖猫传》中运用了很多蓝绿色彩，就是借鉴了蒙克对蓝色的运用和诠释。

而在《八佰》中，他的视觉参考主要是毕加索早期画作中的蓝绿色，而蓝绿色的互补色相反就是黄色，所以《八佰》颜色构成主要是黄和蓝绿，用柔和细腻的颜色来反衬剧作上关于战争的残酷感，“导演跟摄影师的合作是很精神化、情绪化的，就像电影的两个情人，或是情敌，是既相吸又相斥的一种奇妙感觉。

”他字里行间透露出来的都是他对摄影这份职业的自豪感很由此生出的坚定地个人骄傲，令人动容。

由斯托拉罗摄影的《末代皇帝》让年幼的曹郁看到了摄影的浪漫写意和诸多可能性，这深深的影响了曹郁的摄影质感。

（二）声音魔法师：赵楠《影》《催眠大师》《孔雀》《大腕》《风声》《狄仁杰之通天帝国》声音是一个非常恒定的东西，不会随着时代变迁或社会发展而更改原有状态。

声音作为五感之一，直接关系生理反应，因此也直接关系到观影体验。

对于声音剪辑师来说，想象力是至关重要的，能否对着无声画面尽可能多的想象出所有可能存在的声音，其次是懂不懂情感、懂不懂这个世界，这都关系到他们是否能够成为一名优秀的声音剪辑师。

这很像一位名厨通过看闻品还原一道菜品的制作过程和食材佐料。

赵楠形容自己的工作是制造幻术，是将影片中人物动作或者环境音拆解到最细节然后再复原。

但是非常可悲的是，在当下一切图快的电影制造大环境下，并不可能给予音效师这样高的地位和宽裕时间，获得奥斯卡最佳音效的《罗马》混音时长4个月，但国内往往只有不足一月的时间，但电影却是无法修补的一次性产品，这也就决定了短期内中国电影的上限。

与曹郁一样，从赵楠的接受采访的话语中也能发现很突出的职业荣誉感和自豪感，也同样反思了中国电影工业的细分程度不够导致种种问题。

（三）视觉造梦人：魏明 丁燕来 周逸夫《流浪地球》《邪不压正》《一出好戏》视效工作是一个很综合的工作。

美国电影工业中特效是经历了从传统特效（搭建微缩模型）到现代数字特效的全过程，但中国电影工作中的特效发展是飞速的，是跳跃式发展的，也因此是断层的。

三位都提到了当前中美特效发展差距很大，美国擅长的高端生物特效虚拟我们完全做不到，技术壁垒很高。

对《流浪地球》这样一个科幻电影而言，特效是至关重要的。

能不能在特效方面脱颖而出，直接关系到这样一个中国科幻电影类型片典范的成功与否。

特效人就抱着这样的心态不计代价、不厌其烦的反复修改调整，这也决定了《流浪地球》的成功是不可复制的。

（四）寻找东方美：叶锦添《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》《胭脂扣》《大明宫词》奥斯卡金像奖最佳艺术指导美术指导考验的是对历史的认识，对人情世故的认识，对人物所处时代生活细节的认识。

有些演员不是他本身有魅力的，是靠美术指导通过服装造型、道具、置景创造出来的。

很喜欢叶锦添对大陆、台湾、香港三地的评价，他说香港是一个看不到全世界的地方，台湾有中国文化的表层具象，但不能提供可供深度挖掘的土壤，只有大陆有最深厚、最原始、最丰富的中国东方美学文化。

电影是一个共感，是一种可以跨越时间空间产生交流的文化。

很多时候，甚至不是某个情节，仅仅只是一个场景或是一段音乐，就会激发我们心中的某段记忆，两者贴合，产生遥远的共鸣和陪伴，这才是电影最本质的吸引力和发展方向。

只是可惜我们的影视文化从20年前可以接受《大明宫词》这样的艺术作品，发展到了如今只讲商业盈利。

（五）另一个演员：阿杰电影值得。

（完）

极适合电影小白扫盲和入门的一部纪录片。

偶然在豆瓣看到有人推荐这部纪录片，把摄像、声音、特效、美术指导和配音五集都看完的最大感受是：电影值得！

可能因为利益相关，我看特效这一集特别认真。

影视特效是最有技术含量，也最能体现电影工业化的活，一个懂美术、建模、编程、物理的全才才有可能成为出类拔萃的特效师。

特效和CG电影只有一个字：肝！

肝到《冰雪奇缘》的每片雪花都有物理公式，肝到《刺杀小说家》的赤发鬼每一个毛孔都要精准建模……虽然由衷敬佩每位眼里带光（可能是打光的功劳哈哈哈）的电影人，但是这个行业，或者说国内市场给予他们的远远不够。

无论是创作空间、劳动报酬，还是为爱发电带来的工作成就感与知名度，我国电影行业与发达国家的电影工业相比还有很大差距。

在片子里，“专业”一词出现了多次，好像有点刺眼，背后折射出无数老一辈电影人的期盼与着急：好一点，更好一点！

以前，我佩服有新闻理想的媒体老师，现在多一条：怀揣新闻理想的媒体人和电影梦的影视人，salute！

让我看到了真实的中国电影幕后工作人的情况，有无奈，有希望，有梦想，中国电影未来的走向当然是商业化和工业化，但是影视在流量的冲击下越来越乏味，观众对电影的要求和制作方的作品的要求是互相影响的，希望两者可以多一些良性的互相促进 时常因为觉得自己的鉴赏能力提升追不上制作者用心的程度（而且现今的鉴赏能力并没有在提升）而感到羞愧，虽说我并不懂艺术，但是确确实实能感受到它的力量 希望在短视频的流量红利浪潮过去之后，平台不再产出流水线式的傻瓜视频，更多用心制作内容的人可以受到关注，因为日常的视听内容在真真切切的影响着我的观感，无脑的内容在影响着我的思维，还是决定退网一段时间，怪自己的定力不够，很难不被互联网上的内容影响，这一年要多看书，经典的电影，纪录片，让自己的精神世界不再这么空虚

“我在哪里做什么”的系列应该做下去，以增进人们对于某些特定行业的了解，而不仅仅只是“不就是什么什么”。

任何一个小众的领域，都有其极强的专业性和复杂性。

电影，就是一个很好的入口。

五期分别是摄影、拟声、视效、艺指、配音，虽浅尝辄止，但以目前的情况来看，能达到普及的意义已经是非常好了。

第二期拟声，赵楠谈到工作的独立性，那种独自一人包裹在录音间的独特体验，值得去了解与感受。

谈到中国社会及行业的变化，也有许多无奈，尤其是关于“术业有专攻”的表达，戳中每一个技术与艺术交融性行业创作者的内心，中国是发展快，中国人干活也快，但中国与美国，“差距在高端”。

到了第三期视效，中国电影行业及电影人与世界顶级电影大国的实力差距，就更悬殊了。

在视效领域，更能让人强烈地感受到电影的工业感，这一行具有极强的技术性。

今天，中国最好的视效工作者，对于美国的视效工具，即便能拿来，也根本不会用，如同几十年前，人有原子弹而我们却没有，什么时候我们能研究出同样的视效工具，并且熟练使用，才算是在这一领域，有了自主权，拥有了保卫自己作品的能力。

中国电影不成熟，包括市场不成熟、观众不成熟、技术不成熟。

就像这些年一直提及的，钱过分花在演员身上的问题，造星当然很重要，演员与角色是令观众瞩目与记忆的核心，明星制度也是美国创作出来的，但是美国已经走到下一步了，已经实现了全产业的成熟，而我们还仅仅局限在演员，又落后一百年。

视效是电影整体产业能力的一种极致体现，它更为赤裸、更为直观，比声音和摄影等更容易让普罗大众感知到，所以好了就真是好，差了也真是很差，容易被误解与吐槽。

可其实，真正的问题并不在于单一领域。

第四期叶锦添，可谓此系列的高潮，艺术指导体现了一个人“对历史、对人情世故、生活细节的认识”，这句话说得真好，这也是一个人、一个行业、一个国家与文化的不可替代性所在。

能感觉到叶锦添对于跨世纪时间段的认可与怀念，这个世界会更好吗，不会，但起码，每个人先做好自己手上的事吧。

电影工种繁多，我在中国做电影系列，要再拍下去哦。

第一季《光影统治者》—曹郁《妖猫传》、《可可西里》、《南京！

南京！

》 《摆渡人》 《八佰》摄影爱好启蒙，大学进修到后来合作大导演大制作，拿奖，因为热爱不断努力精进，“和大师比，作品还是太少了。

” “我只要比上一部作品有进步就行。

”最近看影视作品开始留意光影，自然的片子就用自然光给观众震撼（《可可西里》，虚构的故事片因为故事本身不真实就不用太在意打光的真实性，人物出场脸上打了四种光《妖猫传》，每一帧都是精品。

中国电影的有些电影光影技术在线，但是无奈编剧和演员总是让我免不了绕道走。

对于全世界的影迷来说，电影业迎来了至暗时刻。

原本定档三四月的好莱坞新片，撤了大半。

《新变种人》《鹿角》《速度与激情9》《007：无暇赴死》《比得兔2》《寂静之地2》……就连曾倔强表示北美档期不推迟的《花木兰》，也在名单之列。

受疫情影响，电影院的缺席似乎成了常态。

这也是咖爷觉得最遗憾的一件事。

你还记得上一次去电影院是什么感受吗？

看到烂片，或许气愤至极中途离场，捶胸顿足质问自己为何不用这票钱买杯奶茶；看到好片，或许呆坐原地良久，灯光亮时恍如隔世，不愿回神。

而正常情况下，我们都是在正片结束时就匆匆离开。

对于电影的喜怒哀乐，也会随着时间淡忘。

因为对我们来说，故事结束了，电影就结束了。

更不用说，把那一行行的演职员表，也当作是电影的一部分。

比如摄影，比如灯光，比如声音，比如特效，比如美术和服装……通常情况下，这些演职员表上快速滚动的名字是没有观众的。

而最近，有一部纪录片把这些容易被忽略的人，从幕后拉到了台前——《我在中国做电影》。

不得不说，这个名字真的相当像《我在中国修文物》。

同时呢，这个“做”字用得很有意思，许多人会问为啥不叫“我在中国拍电影”？

因为“做”包含的内容更多，除了拍，还有听、写、画……这些加起来，全都是“做”。

由时光网出品，米若羲担任导演，她本人也是时光网内容中心高级总监。

纪录片一共五集，每集14-18分钟不等，短小精悍，非常适合网生一代观看。

内容聚焦于，摄影、声音、特效、美术、配音这五大电影的幕后工种。

每集请来一位或一组当今中国电影行业内的标杆人物，来讲述关于他们的工作。

这类时长在20分钟左右、制作精良的纪录片这几年见得很多，《早餐中国》《人生一串》《如果国宝会说话》等，都做得相当有意思。

回归影像本身的题材，却不多见。

它的质量如何，看一下这个排场就知道了——

第一集：《光影统领者》，主人公曹郁。

第二集：《声音魔法师》，主人公赵楠。

第三集：《视觉追梦人》，主人公MORE VFX联合创始人魏明、《流浪地球》视效总监丁燕来、Digital Domain 数字王国视效总监周逸夫。

第四集：《寻找东方美》，主人公叶锦添。

第五集：《另一个演员》，主人公阿杰。

说实话，上面这些人名，除非是电影专业学生或是影视从业者，大部分人大概只听说过叶锦添和阿杰。

没听过也没关系，正好通过这部片子，一起倾听这部写给电影人的情书。

首先，第一集。

这集主人公是摄影师曹郁。

他毕业于北京电影学院摄影系。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影。

2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影。

2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影。

2019年凭借《妖猫传》或金鸡奖最佳摄影。

登上过著名的《美国电影摄影师》杂志。

这个履历可以说十分漂亮了。

有意思的是，很多人知道曹郁则是因为“姚晨丈夫”这个名头。

第一集短短的17分钟，曹郁实际上说了很多干货。

他首先提到的是，摄影师必须有对电影的极高敏感度，这样才能拍出符合作品气质和氛围的镜头和光效。

这里他用的例子是《妖猫传》的拍摄。

为了营造杨玉环“回眸一笑百媚生”中“百媚生”的神态，摄影可谓是绞尽脑汁。

先是点了几十根蜡烛放在演员脸部周围。

接着又用了LED的灯带，使贵妃的皮肤可以呈现出一种LED的光泽。

这样还不够，再加上一种名叫Dedolight（特图利）的灯打在眼睛里。

就这样，有灯笼的光、蜡烛的光、LED的光、Dedolight的光合在一起，产生了一种有层次的光效。

到这里还是不够，要“百媚生”必须要“流光溢彩”，光要流动起来。

于是曹郁亲自动手控制电子调光台，让光动起来。

所有这些加起来，才有了“百媚生”。

其次曹郁给我们提供的干货则是他从绘画里学到的摄影技巧。

由于《妖猫传》是一部奇幻片，所以他从爱德华·蒙克的画作里汲取灵感。

绘画到了蒙克的时期，已经是一种混合的光源。

他画作中阴影部分的蓝色给了曹盾很大的启发，所以《妖猫传》里我们能见到很多绿或者蓝的颜色。

曹郁还提到了之前因为撤档而闹得沸沸扬扬的《八佰》，并给出了一个很高的评价：“我对《八佰》很满意，它很像我的作品。

”

摄影上，由于《八佰》是纪实片，所以他参考的是毕加索早期的一组画，即他的“蓝色时期”。

所以《八佰》的主色调是蓝绿和黄色。

最后，他提到了贝托鲁奇的《末代皇帝》给他的影响。

《末代皇帝》的摄影师是斯拉罗，也正是在这部影片中，他知道了摄影机是可以像羽毛一样飞起来的。

第一集的部分，实际上可能是整部纪录片最有实用价值的一集，你不仅能够看到情怀，还能够看到一个优秀摄影师他所使用的方法论。

当然由于时长问题，也只能是管中窥豹。

不过呢，这不是摄影纪录片，能让我们感受到摄影巨大的魅力，和摄影师工作的重要性，就已经成功了。

第二集讲的是声音。

主人公赵楠，她负责过声音部分的作品有《影》《记忆大师》《重返20岁》《寻龙诀》《狄仁杰之通天帝国》等。

她也凭借《狄仁杰之通天帝国》获得过第30届香港金像奖的最佳音响效果奖。

赵楠在这14分钟内主要讲了三个方面的问题，当然也只是蜻蜓点水式的。

第一是声音在电影里的重要性。

很多时候，我们在看电影的时候其实总是会忽略声音，但声音又是使我们能够沉浸在电影中，享受那种虚假的真实的必不可少的一个部分。

比如怪兽的叫声让人恐惧，是因为里面有很多次低频在里面，次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如很多时候，我们不需要台词，只听声音就能够知道人物的喜怒哀乐。

第二是声音制作的过程。

首先是靠想象力，通过无声的画面去想象声音。

每一个画面都有属于自己的声音，重庆的KTV和铁轨声，老上海弄堂的自行车声。

其次是拟声，使用各种材质模拟出细致真实的声音。

比如《影》里杀人的声音，捅肺的声音，都需要现场模拟还原。

第三是国内声音行业的问题。

这里赵楠说了一句话：“现在拍电影跟催命一样。

”

电影还没拍呢，就已经定好了上映日期，然后各种催，于是时间压力特别大。

注意，从赵楠开始，国内电影行业的畸形和混乱现象开始得到了一定程度的揭露。

奥斯卡最佳外语片《罗马》，混音混了四个月；而中国绝大多数的电影声音制作最多就是二十几天，而且拍摄日期说变就变。

也是从赵楠开始，好莱坞成了一个对比的标杆。

比如声音，在国内是一个人负责，好莱坞是两种人才，一种是混音师，另一种是声音指导。

说白了，就是中国电影的快速发展，导致电影人才素质各方面比较平庸。

而好莱坞的人才培养，则保证了他们有一生的时间去磨练自己的技术，以达到一个顶层的标准。

这个问题在第三集特效将会又一次被重复提出。

实际上，除了上面三个问题，赵楠还说了关于女性和职业选择的问题。

大学时她被叫成“楠哥”，公司里小姑娘叫她“女战士”。

很多人听到赵楠的名字，会觉得她是一位“先生”，比如金马奖组委会曾把她误会成“赵楠先生”。

于是在她上台领奖后，她第一句话就是“女孩子也能成为一个非常好的录音师，可以非常好，非常棒”。

光是这一句话，就足以振奋不少女性观众，也让电影从业者们有所反思。

第三集是特效。

说到中国特效就绕不开两个词：五毛特效和《流浪地球》。

这一集可能是最能改变一些刻板印象的一集。

首先，特效不是几个人坐在电脑前玩电脑。

它是一个非常综合性的工作，包括画面创作、管理、创作、对画面的理解、对电影的认知。

这也是国内赶工似的人才培养无法达到一个很好效果的原因，综合性的人才是稀缺资源。

其次，特效特费钱。

大场地要交房租、养一两百人要发工资、正版软件要钱、电费一个月就是几万……接着，国内外特效发展过程和层次的不同。

美国是从传统的特效开始的，比如微缩模型，然后一步步发展到现代数字特效。

还是上面赵楠的那个问题，美国在特效方面有着深厚的积累。

而中国则没有这些经历，空中起高楼，于是断层就出现了。

最明显的例子就是虚拟人物这样的核心技术。

比如“灭霸”这个角色，我们还无法承接这样的镜头。

而像《阿丽塔：战斗天使》中阿丽塔这个角色用到的技术，可能拿到国内都没有人会用。

最后是特效制作过程的不易。

《邪不压正》里姜文会随时随地考特效人员北京建筑的高度；《流浪地球》需要一遍一遍又一遍地返工修改，就连雪屑都要一帧一帧检查以做到细致真实；《一出好戏》的黄渤要求相当高，每一个景都需要仔细制作……由此可见，特效不仅是个细致活儿，还要应对不同导演的苛刻要求。

最后，咖爷想来说说叶锦添这一集。

比起电影，更有意思的是叶锦添其人。

他负责过《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》等大片，并凭借《卧虎藏龙》拿到奥斯卡最佳艺术指导，知名度在美术设计这一领域中无人可比。

作为一位艺术家，叶锦添在14分钟里展现了他的大师风范。

比如他觉得“美术是另外一个导演”、“通常都是我让导演头痛”……光是上面的两句话，我们就已经能够感受到他那种对于自己工作的热爱了。

作为一个香港出生、台湾工作、后与大陆导演合作的美术指导，叶锦添对于三地之间的区别有着强烈的感受。

香港是大量借鉴西方，台湾有一点中国的元素但还不够，回到大陆才逐渐找到了那种“东方美”。

比如在拍《大明宫词》的时候，他就已经感受到了大陆观众极高的接受度。

他甚至称之为是“文艺复兴”。

除了人生经历、工作经历，叶锦添还提及了张国荣的八卦：

啊，哥哥真是太可爱了……同时，叶锦添也谈到了美国和中国电影行业的差距问题：

叶锦添也对今天的中国电影作出了评价：现在是一个迷失的时代。

其实，这在配音演员阿杰的部分也提到了：模仿可以理解，但是最后一定要发挥自己的特点。

目前中国的电影市场，很多人还停留在模仿的阶段，却没能达到百花齐放。

《我在中国做电影》不仅拍出了摄影、声音、特效、美术、配音的种种魅力。

也让我们认识到了，中国顶尖的电影从业人员，对于电影的态度——曹郁的方法论、赵楠的女性态度、特效团队的情怀、叶锦添的大师风范、阿杰的传承精神。

可能作为一部深度阅读的作品，它远远不够。

但作为一个点燃激情的火花，它绝对是最适合的。

《我在中国做电影》中所反映出的中国电影的困境，是非常值得重视的。

当一个快速发展但不够扎实的时代过去之后。

我们需要用怎样一种态度去面对我们的电影？

本文作者 |枕云 @文化咖孵化工场成员本文由文化咖原创，未经授权不得转载投稿或合作事宜，请添加微信“文小咖”（ID：cultureca）

电影，是光与影的绘画，刻在胶片之上，影像与艺术交相生辉。

大银幕上，天地孤影任我行，美人如玉剑如虹，都是电影赋予的魅力。

电影除了导演和演员，离不开所有幕后人的努力付出，或美术，或声音，或特效，或摄影，都需要精雕细琢，方出精品。

电影是集大成的艺术，是所有工种的共同付出。

《我在中国做电影》是“给电影的一封情书”，献给为电影默默付出的所有幕后工作者。

愿我们，永葆匠心，不负初衷。

我自己心里也默默喜欢一个一直想并且在认真做演员的人，他虽然不是科班出身，但是他有一颗纯真，勇敢的心灵，也有演技天赋，只是一直缺少机会，我知道在这个圈里凭他徒手拼搏很难，但是我还是希望他星途坦荡，能够继续留下一个个经典的角色，加油！

法国电影评论家安德烈·巴赞曾说过“电影只有在作为真实的艺术时，才能达到圆满。

”《我在中国做电影》就作为一部纪实性影片，记录了几位中国幕后电影工作者在为电影艺术造梦的部分点滴，成为了一部记录电影的电影，同样也为热爱电影艺术的工作者或者观众朋友们展示了被投印在影院银幕上的那些如梦一般电影的制作工作与一些鲜为人知的专业细节。

而它的隶属分集《光影统领者》便为我们着重介绍了曾荣获金马奖、金像奖、金鸡奖等众多知名奖项中最佳摄影奖的摄影指导、摄影师曹郁的一些工作实况与人生经历。

影片通过曹郁本人口述的方式为我们娓娓道来，其中还穿插了部分例如《妖猫传》《可可西里》《南京!南京!》等曹郁担任摄影工作的影片片段与拍摄工作实景中他对于光影的调控与和导演与演员的配合。

曹郁自己也毫不吝啬的在镜头前谈起了自己的摄影学习经历，从影片《末代皇帝》的镜头启发，到用借来的大二一录像机拍摄一些琐碎的日常生活，再到如愿考上北京电影学院摄影系又成为系别第一名，又到如愿被《美国电影杂志》采访，最后到现当下获得过许许多多知名大奖的著名摄影师的种种心历路程。

《光影统领者》纪录片将内容分为几个模块更加清晰的阐述了主题思想。

一为电影画面的总基调与观众的获得感很大程度上取决于光影，而摄影师作为“光影统领者”，电影的视觉效果能否将观众带入电影情节，这就很考究摄影师对于电影内涵的理解与画面光影的调整与掌控。

二为曹郁认为音乐与美术对于摄影工作的影响是非同小可的——音乐是曹郁电影节奏韵律感的导索；美术是曹郁最直接的修养的基础，音乐与绘画是曹郁摄影机位与画面色调的重要思想导师。

三为曹郁自己从被摄影所吸引而钟爱于摄影到一步步去学习，去感知，去探究，去创作；又或者是从其他导演的思想与演员的表演中获得的一些品质与感受从而得到启发，总结出的曹郁自己对光影的见解和对人生幸福的认知。

若要将电影的情节与演员的演技融合且渲染开来直至触动观众心弦，那么摄影指导对于光影的掌控与领导便是重中之重。

法国电影评论家马赛尔·马尔丹曾说到“光不仅给予画面上的形象以物质生命，而且赋予了他们艺术生命，艺术家们的创造，使光在银屏上成为具有巨大潜力的艺术元素。

”对于光影的把握，曹郁则独有一番见解与技巧。

影片中所插入的《妖猫传》电影片段——杨贵妃回眸笑，这一画面让担任摄影指导的曹郁费尽了心思，影片又配合了曹郁本人的口述，当时摄制组准备了几十根蜡烛，又准备了led灯带，但总觉得只是差强人意，后便加入了Dedolight，曹郁还在拍摄过程中不停的改变光影的位置与亮暗程度，这才让演员张榕容饰演的杨贵妃的一笑充分展现了剧组人员所主观想象的“回眸一笑百媚生，六宫粉黛无颜色。

”惊艳吸睛的场景。

在曹郁对《妖猫传》的口述过程中，影片为其添加了以清脆铜铃为演奏主体的主观性音乐，更显神秘与智慧。

《南京!南京!》也被影片所引用，赤裸全身的姑娘们缓缓的被木车拖走，曹郁将更多的光影打在姑娘们的身上，使得她们的身躯更为洁白，画面更显忧伤，也更凸显了在屠杀中饱受耻辱的姑娘们的悲惨命运，更让南京大屠杀的历史印象重回观众眼帘。

影片在曹郁为《南京南京》的口述中添加以钢琴与大提琴为演奏主体的主观性音乐，更显忧伤与感性。

可想而知，摄影师对光影的指导对于电影情感基调的影响处于何等重要的地位。

音乐的节奏韵律与美术的光感色调是曹郁摄影思想的无形的指导老师，更为其摄影工作锦上添花。

对于曹郁对音乐节奏韵律的感受——影片引用了《妖猫传》《南京!南京!》等影片做例子。

在《妖猫传》的拍摄过程中，曹郁选取了与电影情感气氛相近的音乐，利用节奏律动并表现在摄影机位上，让本是冰冷机械的镜头忽显柔美缠绵的韵味。

《南京!南京!》中一段跟镜头，需摄影师肩扛拍摄，而曹郁将摄影机想象成演奏的乐器，赋予机器内心的节奏情感，让镜头张力近乎于完美。

对于曹郁对美术的光感色调的感受——影片展现了不同时期各著名艺术家的绘画作品直观的为观众们所展示。

曹郁探索从伦勃朗和维米尔强烈强调光源的时期，到蒙克不强调单一光源的时期，又后来到霍普的光源混合时期，都启迪了曹郁对于光的感受。

而蒙克的画作阴影中的蓝色补分，曹郁运用到了《妖猫传》中；曹郁又发现了毕加索早期的蓝色时期作品，将其吸收转化为蓝、绿、黄等色调运用在了电影《八佰》中，用柔和细腻的色调来反衬出电影背景残酷感。

影片在展示绘画作品时，稍稍的推镜头配合背景的黑色衬底加上以乐点形式为主体的主观性音乐，更显的画作的内涵更加的深奥与神秘。

曹郁能如此娴熟的将他对于音乐与美术的感受用在表达摄影镜头的情感上以让镜头表现更为生动有张力，都归功于他对于音乐和美术的极大敏感性、感知力与作用力。

曹郁本人的严谨与尽职，对于摄影职业的热爱与追求，与导演和演员之间的信任与默契感，促成了他如今在摄影方面的显著成就并使他领会到了幸福的真谛。

影片中运用同期声画面展示了曹郁在剧组工作的场景，在拍摄《可可西里》时陆川导演的探讨交流，又或是在拍摄《摆渡人》和王家卫导演的互补借鉴，更加真实直观的表现出他与导演与演员之间的交流学习和默契配合。

并通过展现曹郁所获奖项的奖杯加上以架子鼓与钢琴的主观性音乐也直观承认了他在摄影方面的高度成就和他激动人心高光时刻。

在曹郁口述时镜头也配合特写突出表现了曹郁情感的变化与内心的喜悦。

曹郁小时因《末代皇帝》的启迪而产生了对摄影的欣喜，如愿考上北电摄影系并得第一的惊喜，如愿被《美国电影杂志》采访的兴奋，笑谈第一次在金马颁奖典礼上的糗事等等的人生阅历。

时代在变，年岁在变，而始终不变的是曹郁他自身对于摄影的热爱与追求。

正如贝克登所说“经验告诉我们：成功和能力的关系少，和热心的关系多。

”曹郁本人在影片中也说到“我们要尽量的去做，人一直进步就好了，只要不是重复或是退步，那就是幸福的。

”对待梦想，曹郁始终追求；对待事业，曹郁始终尽职；对待幸福，曹郁始终感知。

镜头是电影的重要组成部分，而镜头由摄影产生，光影又控制着摄影的基调，音乐与美术为摄影师提供节奏与思想。

《我在中国做电影之光影统领者》就展示了幕后摄影工作者的曹郁的拍摄场景与对摄影专业的自我见解和对人生幸福的感悟。

曹郁在影片中说“摄影是一个表达自我的工具，就像一个艺术家，写书法一样”他将摄影视为自己内心语言表达的生灵，为摄影注入生命与灵魂。

他对摄影的热爱，对光影的掌控，他的日益进取的精神，不仅让他自己成为著名的摄影师，同样是为中国电影艺术做出了巨大的贡献，也为中国电影中创造了许多渗入到观众内心的镜头映像。

《我在中国做电影之光影统领者》也利用采访摄影师曹郁而展现一系列电影幕后工作者的辛勤劳作，正是因为像曹郁他们这一类人的付出与智慧，中国电影才得以用最大的加速度迈进新高度！

中国电影才得以有魅力去触动国际影圈！

中国电影才得以有潜力去深入更多观影者的内心！

某一公众号推荐了这个微纪录片系列《我在中国做电影》，看完之后失望大于期望。

系列片选了幕后的五个工种——摄影、录音、美术、特效、配音——的代表人物，做成了一集不超过20分钟的微人物采访片，主要介绍了电影幕后、技术构想、个人经历以及工作现状，缺点是对中国电影的幕后挖的不深，对工种情况的介绍不全，人物只鳞片甲勾不出全貌，或许因为时长太短、或许不同编导的风格未统一、或许没有找到观众想要看到的东西，看完并没有像名字类似的《我在故宫修文物》（估计也是套用这个名）让人感动。

但系列片的风评不错，一来由于大家的电影情怀，二来聚焦到导演演员大腕之外的幕后功臣，让观众对电影的幕后有更多的了解。

电影光鲜的背后，有太多的无奈与牺牲，只是不为外人道而已。

像片中赵楠说现在录音越来越不受重视，根本没有时间去精心打磨一部电影的声音，这跟电影市场的火爆与急功近利的态度扯不脱关系。

我想，编导选取的虽然都是圈内各工种的顶尖人物，但还有更多籍籍无名的电影人也在为中国电影而努力，这些平凡人的视角或许可以代表中国电影的大多数，像68岁的香港茶水姐杨蓉莲就应该有很多故事可以挖掘。

系列片的结尾说，“献给为中国电影默默付出的每一个人”，希望那些真正默默无闻的电影筑梦人也能进入编导们的法眼。